domingo, 11 de noviembre de 2012

FARID EL ATRACHE ( King of the oud): Takassim Oud - Kelmet Itaab [actualizado]



Hace algunos días, cuando publiqué el album "Desde el Eufrates al Guadalquivir" de Naseer Shamma, les prometí recomendarles otro laudista árabe, pero de una generación anterior. Se trata de Farid el Atrache, quien no solo destacó como laudista (Se le llegó a conocer como "El Rey del Laud") sino además como un excepcional cantante, puesto que junto a Om Kalsoum constituyen la máxima expresión de la canción árabe.

Este album en particular es de mi especial agrado, porque en él, Farid el Atrache destaca en ambos cometidos: como laudista y como cantante. Escúchenlo y me cuentan....

DISFRÚTALO

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

viernes, 9 de noviembre de 2012

RUTH BROWN: Blues on Broadway [Link actualizado]


Les brindo un poco más de blues...
En esta ocasión se trata de la señora Ruth Brown. Y digo señora en el sentido más respetuoso de la palabra. ¡Toda una señora del blues!
Ya no escuchamos aquí a aquella jovencita que con alegre vitalidad cantaba "(mama) he treats your daughter mean". Más bien, nos encaramos a una mujer madura, septuagenaria que reflexiona con desencanto aunque a veces con fino humor negro sobre las vanidades y las tristes alegrías de la vida. Vale la pena escuchar con atención a esta señora... Y luego me cuentan
LINK DE DESCARGA
Sobre Ruth Brown en la WIKIPEDIA

sábado, 3 de noviembre de 2012

OM KALSOUM: Anta Oumri [actualizado]


Om Kalsoum es, sin lugar a dudas, la figura más descollante del canto árabe del siglo pasado y lo que va de éste. Aunque de nacionalidad egipcia, el carisma y el bien ganado respeto por su figura se extiende por todo el mundo árabe
Y si alguna de sus muchas canciones es popular es ésta que aqui ofrezco: "Anta Oumri". Esta pieza tiene la marca de la pasion, la delicadeza y el romanticismo que distingue al canto en la cultura árabe. Demás está decir que es mi preferida de todo el repertorio de Om Kalsoum y espero puedan disfrutarla y recomendarla
LINK DE DESCARGA
Para más información, visita La
WIKIPEDIA
A quienes les guste la música árabe: Pueden conseguir verdaderas gemas en WE LOVE MUSIC y en PASSIONATE MUSIC

LOUIS ARMSTRONG: July 4, 1900 - July 6,1971 [actualizado]




Si a alguna persona puede considerársele en justicia sinónimo de JAZZ, es este señor: Louis Armstrong ("Satchmo") Y digo señor en el más amplio sentido de la palabra: Como músico, como jazzista, como persona, como ser humano.
Esta compilación fué hecha poco despues de su muerte y consta de 2 lps que recogen grabaciones comprendidas entre los años 1932 y 1956. Luego de ripear los vinilos hice una selección que en realidad contiene la casi totalidad de los vinilos, dando preferencia a lo más antiguo, a fin de tener una antología que tuviera cabida en un cd de audio y esto es lo que resultó. Espero que lo disfruten tanto como yo.
LINK DE DESCARGA
Louis Armstrong en la
WIKIPEDIA

miércoles, 31 de octubre de 2012

QUINTETO CONTRAPUNTO: Música popular y folklórica de Venezuela - Vol 2 [actualizado]





Debo reconocer que estoy en deuda con una serie de artistas y agrupaciones con las que tengo fuertes vínculos afectivos y que hasta ahora no he publicado todavía. Hoy quiero comenzar a saldar esas deudas. Y lo haré con El Quinteto Contrapunto.
Fundado en 1962, los integrantes originales del Quinteto Contrapunto fueron Jesús Sevillano, Rafael Suárez, Morella Muñoz, Aída Navarro y Domingo Mendoza
Este proyecto surgió luego que Rafael Suárez, realizara una serie de arreglos para dos voces, sobre temas tradicionales, durante un período de estudios académico-musicales en Italia. A su regreso, varias personas del Orfeón Universitario, encantadas con la propuesta, le recomiendan ampliarlo a 5 voces típicas: bajo, barítono, tenor, soprano y mezzosoprano. El proyecto fructificó y comenzó la realización de los arreglos.

Surge de esa manera el Quinteto Contrapunto, siendo este grupo el primero en encarar la música popular venezolana con la metodología y el tratamiento de la música académica. . Por primera vez en Venezuela una expresión musical tenía igual aceptación por parte de los músicos de escuela como de los sectores populares, entre jóvenes y también entre personas adultas

El impacto fue tal, que a los pocos meses de fundados ya tenían grabado su primer disco. Para 1962 habían vendido 50 mil discos de su primer álbum “Quinteto Contrapunto Vol. 1”. Su estilo, único para la época, fusionaba música popular con la metodología y el tratamiento de la música académica, además de que para esos momentos en Venezuela no se acostumbraba realizar conciertos de música tradicional venezolana. Después de recorrer toda la geografía nacional dando conciertos y presentaciones emprendieron la conquista de nuevos escenarios siendo en poco tiempo conocidos y reconocidos ampliamente en América Latina y en Europa. Por supuesto un trabajo de tan alta categoría se proyectó de manera sobresaliente mucho más allá de nuestras fronteras y se convirtió en punto de referencia en muchos otros países.

Así el Quinteto Contrapunto se convirtió en el punto de referencia obligado para la música tradicional venezolana. No es exagerado decir que todos los grupos que se lanzaron posteriormente al rescate de las manifestaciones musicales autóctonas de Venezuela (y que no han sido pocos, por cierto), seguían y siguen los pasos de estos pioneros.

Este quinteto vocal generó que muchísima gente se volcara a la búsqueda de nuestras raíces, de la misma manera que crean olas de seguidores los grupos de rock.

Tras la muerte de Rafael Suárez en 1971, el Quinteto Contrapunto se retiró del estrado público y no reapareció hasta 1998 cuando Jesús Sevillano decidió reunir nuevamente a la agrupación. No obstante ello, los primeros 4 o 5 álbumes fueron los que marcaron un hito en el panorama vocal de nuestra América.
En esta oportunidad quiero brindarles el segundo de los álbumes grabado por este gratamente recordado y muy admirado conjunto vocal. Espero que lo disfruten y lo compartan.
LISTA DE TEMAS:
01 - el morrocoy 01:57
02 - Maracaibo en la Noche 02:50
03 - Polo Margariteño 02:56
04 - Brisas del Torbes 02:23
05 - Canchunchú florido 03:12
06 - Malembe 01:49
07 - Quirpa 02:00
08 - La Catuarera 02:36
09 - La Guachafita 01:29
10 - Noches Larenses 02:21
11 - Playa Grande 03:27

LINK DE DESCARGA

QUINTETO CONTRAPUNTO: Música popular y folklórica de Venezuela - Vol 4 [actualizado]



Este es el volumen 4 del "Quinteto Contrapunto" del cual les hablé hace un rato, en la entrada correspondiente a su Volumen 2. Espero poder ofrecerles muy pronto más de este excelente quinteto vocal venezolano

TEMAS:
01 -- Carnaval llanero (Folklore) 3:44
02 -- Canción de la Parima (Folklore) 3:14
03 -- La Chaparrita (Folklore) 2:46
04 -- Fulía de Cumaná (Folklore) 2:35
05 -- Diversión Margariteña (Folklore) 2:24
06 -- La Caldereta (Francisco Lagonell) 2:02
07 -- La Bella del Tamunangue (Folklore) 2:52
08 -- El Campo Está Florido (Telésforo Jaimes) 3:07
09 -- Maremare (Folklore) 2:23
10 -- La Reina (Amable Torres) 2:44
11 -- María Tolete (Folklore) 2:19
12 -- Crepúsculo Coriano (Rafael Sánchez) 2:19

LINK DE DESCARGA

QUINTETO CONTRAPUNTO: Miscelaneos [actualizado]




Con esta entrada culmino con la publicación del material de este interesante quinteto vocal. Los volúmenes 3 y 5 no los tengo completos. Por esa razón, he preparado una compilación con material de eso 2 álbumes y los he recogido con el título de Miscelaneos. La carátula que se anexa es la del volumen 5. Espero que con esta entrada quede cumplido mi propósito de dar a conocer a muchos otros amantes de la música vocal las producciones, ya clásicas de estos excelentes artistas.
NOTA: Me permito recomendarles que escuchen por favor con mucha atención el excelente arreglo de la pista 1: "El gabán", una de mis favoritas
LINK DE DESCARGA

LISTA DE TEMAS:
01 - El Gabán 03:17
02 - Juan José 02:31
03 - Currucha 01:43
04 - Mama Ines 02:45
05 - El Guapo 02:11
06 - Préstame tu Máquina 01:55
07 - La Cumbancha 03:17
08 - Alla viene la piragua 02:29
09 - Son de la Loma 03:24
10 - Venezuela 02:47
11 - Los Hijos de la Noche 02:21
12 - Y ni ná ni ná 02:03
13 - Aguinaldo carupanero 02:45

QUINTETO CONTRAPUNTO: Musica popular y folklorica vol 1 [actualizado]



Con la publicación de este volumen 1, ahora sí queda cumplido mi propósito de publicar todo lo que tengo disponible del Quinteto Contrapunto. Espero que sepan apreciar y disfrutar estos hermosos arreglos vocales

LISTA DE TEMAS
01 - La Puerca 02:09
02 - Maracaibera 03:04
03 - Cándida María 02:08
04 - Sebucán Margariteño 02:19
05 - Setoconao 00:57
06 - Amalia Rosa 02:14
07 - Pájaro Tilín 03:06
08 - Flor de loto 03:30
09 - Corrido de los pájaros 02:51
10 - Rio Manzanares 02:27
11 - Gaita margariteña 02:19
12.Se fue volando 00:37



LINK DE DESCARGA

QUINTETO CONTRAPUNTO: Material adicional [actualizado]



Los que han sido consecuentes visitantes de este blog, saben que hace cerca de un año estuve publicando varios álbumes del  Conjunto vocal venezolano "Quinteto Contrapunto" que allá por los años '60 del siglo pasado sentó cátedra en todo el Continente en lo relativo a arreglos vocales de calidad. En aquella oportunidad publicamos los volúmenes 1, 2 y 4, además de una compilación de Miscelaneos, en la que recogimos material de otros álbumes que en ese momento solo disponía en parte.

Hoy, gracias a la generosidad de nuestro querido amigo Alejandro Alfredo Dizeo, vocalista argentino y propulsor, él mismo, del género vocal, con agrupaciones como Grupo Vocal Iraupen, asi como tambien un entusiasta y generoso bloguero, administrador de por lo menos 2 excelentes blogs: Folklore del NOA, con música del Noroeste argentino de tan rico folklore y Folklore Uruguay, tan vilmente agredido recientemente... gracias a la generosidad de Alejandro Alfredo, repito, tengo el agrado de ofrecer a ustedes tres álbumes que completan la serie: El volumen 2, que acá podran disfrutar COMPLETO (en el primer posteo no estaban completas las pistas "Noches larenses" y "Canto de pilón"), el volumen 3, dedicado al género conocido en nuestra tierra como "aguinaldos" y el vol 5.

¿No conoces al "Quinteto Contrapunto"? En ese caso te invito a que aprecies esta muestra:




Espero que lo disfruten cabalmente

¡¡Gracias, Alejandro, por tan valioso aporte!!

VOLUMEN 2:

DETALLE DE LOS TEMAS:

LADO A

1.- El morrocoy (diversión oriental)
Folklore / Recopilación: El Poblado, Nueva Esparta

2.- Maracaibo en la noche (danza zuliana)
Jesús Reyes

3.- El polo margariteño (polo oriental)
Folklore tradicional / Derechos reservados

4.- Brisas del Torbes (bambuco tachirense)
Luís Felipe Ramón y Rivera

5.- Canchunchú florido (canción zuliana)
Luís Mariano Rivera

6.- Tonto malembe (danza)
Recopilación: Instituto Nacional del Folklore / Caraballeda / Vargas

LADO B

1.- Quirpa (joropo)
Folklore tradicional / Derechos reservados

2.- Lérida la catuarera (canción)
José Tomás Arismendi / Claudio Fermín

3.- La guachafita (joropo)
Folklore tradicional / Derechos reservados

4.- Noches larenses (serenata)
Juan Ramón Barrios

5.- Playa Grande (valse)
Tano y Cheché Acosta / Carúpano, Sucre

6.- Canto de pilón (canto de trabajo)
Folklore tradicional / Derechos reservados / Canchunchú, Sucre

Integrantes:

MARINA AURISTELA GUANCHE: soprano
MORELLA MUÑOZ: mezzo-soprano
JESÚS SEVILLANO: tenor
RAFAEL SUÁREZ: barítono, dirección musical y arreglos
DOMINGO MENDOZA: bajo, guitarra y cuatro

LINK DE DESCARGA


VOLUMEN 3:


LISTADO DE TEMAS:

LADO 1:

1.- La Pascua es hermosa (aguinaldo)
Luis Mariano Rivera

2.- Casta paloma (aguinaldo)
Alejandro Vargas

3.- La estrella de Nazareth (villancico)
Eduardo Plaza

4-. Aguinaldo carupanero (aguinaldo)
Folklore venezolano D.R.

5.- Tono llanero (tono)
Recopilación: Isabel Aretz / Luis Felipe Ramón y Rivera

6.- Niño lindo (aguinaldo)
Recopilación: Vicente Emilio Sojo

Lado B

1.- El Angel Gabriel (aguinaldo)
Recopilación: Francisco Carreño

2.- Adorar al Niño (villancico tachirense)
Recopilación: Isabel Aretz / Luis Felipe Ramón y Rivera

3.- El gallo (diversión navideña)
Folklore venezolano D.R.

4.- De Oriente venimos (aguinaldo)
Ventura Gómez

5.- Aguinaldo del Callao (aguinaldo)
Recopilación: Juvenal Herrera

6.- La cabra mocha (gaita zuliana)
Folklore venezolano D.R.

Integrantes:

Soprano: Marina Auristela Guanche
Mezzo-soprano: Morella Muñoz
Tenor: Jesús Sevillano
Baritono, dirección musical y arreglos: Rafael Suárez
Bajo, guitarra y cuatro: Domingo Mendoza


LINK DE DESCARGA




VOLUMEN 5:


LISTADO DE TEMAS:

LADO A:

1.- El gaván (joropo)
Folklore

2.- Cantos de mi tierra (bambuco tachirense)
Luis E. Armas / Luis Flores

3.- El guapo (joropo caraqueño)
Angel Guanipa

4.- Juan José (merengue caraqueño)
Eduardo Serrano

5.- Canción infantil (canción de cuna)
Tradicional

6.- El Pequén (tonada chilena)
Anónimo

LADO B:

1.- Préstame tu máquina (merenque caraqueño)
Anónimo

2.- Inquietud (danza zuliana)
Luis Guillermo Sánchez

3.- La cachúa (diversión margariteña)
Folklore

4.- Alba (valse cumanés)
Lorenzo Rodríguez / Domingo Mendoza

5.- Son de la loma (son cubano)
Miguel Matamoros

Integrantes:

Soprano: Marina Auristela Guanche
Mezzosoprano: Otilia Rodríguez
Tenor: Jesús Sevillano
Baritono, dirección musical y arreglos: Rafael Suárez
Bajo, guitarra y cuatro: Domingo Mendoza


LINK DE DESCARGA

lunes, 29 de octubre de 2012

EL MISTERIO DE LAS VOCES BULGARAS - Vol II [actualizado]



Se ha dicho que la voz humana es el instrumento más completo, más complejo y más misterioso. Personalmente estoy de acuerdo con todos esos conceptos. Y Las Voces Búlgaras constituyen la mejor demostración. He aqui algunas de las cosas más asombrosas que la voz humana puede lograr ¡Y la armonización! Todo un prodigio.

"Las Voces Búlgaras es un coro femenino que saltó a la fama gracias a un suizo: Marcel Cellier.
Marcel viajó por primera vez a Bulgaria en el año 1950, en las épocas más duras de Bulgaria comunista recién acabada a II Guerra Mundial. Encontró un país empobrecido y absolutamente destrozado por la maquinaria militar nazi.
Pero allí, en medio de la destrucción, también descubre a unas campesinas, en Sapareva Bania, que le asombraron con sus juegos vocales y su capacidad armónica cantando a capella.
En 1975 Marcel publica el primer disco de vinilo con un conjunto de canciones populares que interpreta el Coro de Canciones Populares de la Radio y TV de Bulgaria. Para que el disco tuviera mejor acogida en el extranjero, le cambio el nombre al coro y pasó a llamarlo “El Misterio de las Voces Búlgaras”, nombre con el que empezaron a ser reconocidas en algunos países europeos.
Las primeras críticas musicales confirman lo que Marcel intuía: eran las mejores voces del mundo y sus canciones populares, que interpretan vestidas con los ropajes tradicionales del país, tenían la capacidad de trasladar al oyente a un espacio sonoro nuevo, distinto, sumamente atrayente, con reminiscencias lejanas pero próximas para casi todos nosotros. A mi como español, me recuerdan a los sonidos gitanos, zíngaros.
En el año 1987 el grupo sale por primera vez a cantar al extranjero, a Alemania. Dan 14 conciertos y su nombre empieza a sonar entre los más influyentes musicólogos. La Televisión Nacional de Bulgaria aprovecha la gira para rodar un documental titulado “El enigma de las voces búlgaras”.
Hasta el año 1990 no vuelven a salir de gira, en este caso a EE.UU. A raíz de este viaje de promoción, la fama se fue extendiendo por todo el mundo y también el número de sus actuaciones: sólo les falta por visitar Nueva Zelanda y Australia.
"En un comienzo, el coro se formó para preservar las tradiciones y dar conciertos por la televisión y la radio. No sé por qué las mujeres de Bulgaria cantan de este modo tan prodigioso, pero cuando queda un lugar vacante en el coro siempre surge una nueva maravillosa voz para reemplazarla", dice el manager del grupo, Vladimir Barov.
¿Qué tiene El Misterio de las Voces Búlgaras para que sean admiradas, casi fanáticamente, por gentes de la música tan significativos como Peter Gabriel, George Harrison, Mercedes Sosa, Linda Ronstadt, Paul Simon, Charly García, Lito Vitale, Enrique Morente o Boby McFerrin?
Quizá lo que sucede es que cantan como viven; cantan canciones que hablan de los trabajos cotidianos y la vida de mujeres jóvenes y maduras, de madres y novias, de campesinas y montañesas. Las letras de sus canciones populares son la excusa para hablar de sus aventuras y desventuras, de recrear sus vivencias: "Puede ser que nuestras canciones sean extrañas para occidente, pero sucede que en Bulgaria hay voces que no son humanas y hablan sobre nuestra tradición. Como el viento", dice Vladimir Barov. "Hay cantantes que tienen sesenta años y que entraron al coro a través de competencias que se hacían en el interior de Bulgaria. Llegaban sin otra formación musical que los cantos que interpretaban habitualmente en sus pueblos. Hoy, en cambio, las chicas más jóvenes, que tienen diecinueve años, fueron postuladas por sus escuelas de canto. Llegan con otra preparación, pero el sentimiento es excluyente. Debe seguir siendo el mismo. Si bien el coro funciona en la capital de Bulgaria, en Sofía, la competencia para ocupar una vacante es un evento nacional", añade Barov.
Quizá ahí radica el éxito prodigioso de sus voces: son la memoria visible de un país que canta.
Hoy en día, y más en esta sociedad globalizada que tiende a la asimilación de culturas, será muy difícil encontrar ejemplos de autenticidad como el que representa El Misterio de las Voces Búlgaras" (Tomado de "Música y Vino")
PARA USTEDES

LE MYSTERE DES VOIX BULGARES [actualizado]


Hace algunos meses publiqué AQUI el segundo album de esta maravillosa agrupación vocal; en aquella oportunidad prometí publicar el primer álbum. Pues bien, con algo de retardo, acá les posteo lo prometido

¡¡Espero que lo disfruten!!

LLÉVALO

domingo, 28 de octubre de 2012

BERNABÉ DE MORON: Flamenco España [actualizado]



..... Y el flamenquito,
que no podía faltar, ni va a faltar nunca en este blog.
Este es un viejo disco del grupo de flamenco de Bernabé de Morón, instrumental, por supuesto. Tiene unos numeritos que.... dejan huella. Mas vale que lo escuchen y me cuenten.
Un gran saludo

LLÉVALO

sábado, 27 de octubre de 2012


Como muchos de ustedes saben, por razones personales (especialmente de salud) tuve este blog inactivo alrededor de cinco meses. Durante ese tiempo perdí mi cuenta en 4shared, host que albergaba los enlaces a una buena cantidad de mis primeras publicaciones.

Me propongo resubir cada una de esos contenidos a otros hosts y luego actualizar las entradas correspondientes a fin de que el blog se mantenga bien equipado. Espero, Dios mediante, poder trabajar de tal manera que cada semana actualice por lo menos dos entradas. Espero que esa idea sea de su agrado y que cuente con el apoyo de la mayoría de ustedes

¡Un saludo cordial!

lunes, 15 de octubre de 2012

MICHAEL BOLTON: My Secret Passion (The Arias)

He aqui el testimonio de una pasión...

Michael Bolton, la reconocida estrella del Pop/Rock(Blues) incursiona en el terreno del canto lírico. Del manojo de arias operísticas que nos ofrece en este bello álbum, unas estan mejor logradas que otras (suele ocurrir) pero una cosa es cierta: este testimonio es fruto de una pasión (... de una "secret passion") Sólo por esa razón tiene una belleza y un poder de convicción singular. Juzguenlo ustedes mismos.

Una acotación muy personal; Me felicito de que esté acá presente mi aria favorita "E lucevan l'stelle" y a fé mía que este caballero del canto la interpreta ¡muy bien!
Disfrútenlo

lunes, 9 de abril de 2012

RABIH ABOU-KHALIL: Bukra (re-subido)





Hace casi un año publicamos acá una breve reseña sobre este creativo músico libanés que ha hecho del laud, un productivo instrumento jazzístico y que a lo largo de su dilatada carrera se ha dedicado a trabajar con músico de diferentes orígenes y tendencias, lo cual ha resultado en una pléyade de excelentes álbumes. En el que acá nos ocupa, publicado en 1994, los músicos que lo acompañan son:

Sonny Fortune  -  Sax (Alto)
Glen Moore  -  Bass
Glen Velez  -  Percussion, Drums, Vocals (bckgr)
Gunther Kasper  -  Engineer
Ramesh Shotham  -  Percussion, Drums




PISTAS:
1. Fortune Seeker (Abou-Khalil) - 4:52
2. Bukra (Abou-Khalil) - 7:58
3. Kibbe (Abou-Khalil) - 8:16
4. Remember...The Desert (Abou-Khalil) - 7:10
5. Nayla (Abou-Khalil) - 9:24
6. Time (Abou-Khalil) - 4:25
7. Reflections (Abou-Khalil) - 8:05


LINK DE DESCARGA

En WeLove-music podrán conseguir la discografía de Rabih Abou-Khalil. Una vez más, deseo aprovechar la oportunidad para recomendar muy cordialmente ese sitio, abundante en excelente música, en especial, la de Oriente, a la que tanto amo.

sábado, 31 de marzo de 2012

SAINT-SAENS: Concierto para violín # 3 - Otras piezas para violin

(Imagen referencial)
VIOLIN CONCERTO Nº 3 IN B MINOR OP. 61

1. Allegro non troppo                (8:42)
2. Andantino quasi allegretto            (8:14)
3. Molto moderato e maestoso-allegro non troppo    (10:41)



4. HAVANAISE IN E MAJOR OP. 83            (9:40)


5. MORCEAU DE CONCERT IN G MAJOR OP. 62        (9:39)


6. INTRODICTION ET RONDO CAPRICCIOSO
   IN A MINOR OP. 28                (8:56)


7. CAPRICE ANDALOU IN G MAJOR OP. 122         (9:19)

8. PRELUDE DU "DELUGE" IN D MAJOR OP. 45    (7:24)



Ulf Hoelscher, violin
New Philarmonia Orchestra, Pierre Dervaux
Recording: 1977, Abbey Road Studios, London

Para mis hermanos de sones

viernes, 23 de marzo de 2012

INTERESANTE MANIFIESTO

Me ha parecido interesantísimo el "MANIFIESTO" que he encontrado en la página  
The sacred Monster ,
 por esa razón quiero compartirlo con ustedes.

 MANIFIESTO
No soy pirata, ni delincuente. La tecnología, los negocios y los Derechos de Autor.

           "Muchos años atrás, los mecenas eran la única respuesta económica a las necesidades de los artistas. Mayormente insertos o parte de los gobiernos, acomodaban dentro de los gastos del erario público a aquellos que tenían la suerte de gustar. Y esto no era exclusividad de una rama artística en particular, sino que músicos, escultores, pintores o poetas podían ser esos mantenidos objetos generadores de placer. El objeto en discusión es la Propiedad Intelectual. Y lo que la tecnología y el deseo de acceder a la producción cultural puso en contradicción es la idea que, una vez difundida una obra cultural, pasa a ser un activo popular y no puede ser retenido para su explotación comercial expost.

             "Sin embargo es rigurosamente cierto donde la protección (para la posterior paga al artista) es imprescindible para la preservación del mismo. Por ejemplo, parar por “derechos de autor” tiene mucha lógica cuando se pretende defender a un escritor: él ha escrito durante meses o años y debe esperar a la venta de cada ejemplar para poder comer y vivir, y así escribir su próxima obra. Si favorecemos las copias discriminadas de libros, nos quedaremos sin escritores. Ahora bien, parecería que este razonamiento puede ser aplicable para cualquier rama del arte, sin embargo no es así. La tecnología nos facilita el acceso a, por ejemplo, obras de grandes pintores. El ciberespacio nos permite navegar por sitios donde se albergan fotografías de alta calidad de, por ejemplo, La Gioconda. Por qué me facilitan alta velocidad en internet si no es porque estamos todos de acuerdo en que grandes volúmenes de datos serán subidos y bajados por los usuarios todo el tiempo? Mi cuñado es artista plástico, de los buenos.

           "Nadie pagaría por ver una fotografía de uno de sus cuadros. Si alguien desea el original colgado en su living: se lo paga. Si alguien desea nutrirse con sus conocimientos: contrata horas de su actividad como docente. Su “propiedad” es la tela en el bastidor pintada por sus manos: eso es “un original”. Si él divulga una reproducción digital sabe, de antemano, que podrá ser observada por millones vía Internet. Es un artesano que pinta una vasija objeto a ser defendido por las leyes vigentes? O éstas son sólo aplicables para lo producido con “valor comercial”? O dicho de otra manera: las leyes de copyright parecen ser aplicables cuando el objeto en cuestión tiene valor comercial, y basta de hablar de defensa del artista.

              " Mi cuñado debe vender un cuadro este mes y otro el mes siguiente si pretende tener ingresos. O dar clases. Es decir: un artista excelente que detenta premios de jerarquía mayor debe (como cualquiera) laburar para vivir. En realidad, como él es de los buenos, con un cuadro bien vendido vive 2 o 3 meses. Y esto: está mal? Con la música pasa algo similar. Si un músico es de calidad (por ejemplo… Peter Gabriel), podrá viajar por el mundo dando conciertos una vez cada 2 o 3 años para presentar su nuevo material. Yo pago con gusto mi ticket para ver a Gabriel en vivo. Roger Waters cobrará 1 millón de dólares por cada uno de los 9 recitales que dará en Buenos Aires en Marzo próximo, y me parece genial! Yo ya compré mis tickets: Quiero ver “el original”. La versión en mp3 de Dark Side of the Moon, grabada hace casi 40 años es lo mismo que ver a la Gioconda en mi monitor.

             "No me digan que iTunes defiende al desarrollo de los artistas… No traten de explicarme la hipocresía que representa el hecho que una copia en mp3 (un download) de un disco de (por ejemplo) los Beatles grabado hace 50 años debe ser pagada a iTunes (o a quien sea) porque eso es para beneficio de los artistas. Para que haya dinero, debe estar “el original”. Para que me dan 5mb o 10mb de velocidad de conexión de datos en mi casa? Sólo para ver mis emails? Empiezo a sospechar que son muchos los intereses en juego. Acaso no se tuvieron que re-pensar los diarios de papel cuando la oferta de lectura de periódicos pasó a ser gratuita por internet? Los que lucran con el tráfico de bienes culturales deben ir presos. Nadie debería cobrarme por ver a la Gioconda x internet, al igual que nadie debería pretender cobrarme por escuchar una copia digital de una obra musical.

             "Compartir música sin fines de lucro NO debería estar penado. Por supuesto que, si alguien así lo desea, puede vender sus “derechos” a quien quiera, pero esa posibilidad sólo existe en una sociedad con leyes que prohíben compartir música sin pagar. Pero no me cuenten que el FBI y la CIA estaban atrás de los delincuentes de Megaupload por la defensa de los artistas. Estaban ahí porque, faltaban pocos ajustes en los contratos para que Megaupload comenzara a representar artistas… O sea: Megaupload, que concentraba el 4%del tráfico total de internet se metía en el negocio de la distribución de contenidos “legales”. Era una situación que, claramente, no le convenía a ninguna empresa tradicional de discos. Volviendo a los escritores, éstos no pueden hacer un show mientras escriben, sólo pueden hacerlo cuando se vendan sus libros. Pero cobra el escritor cuando sus textos se escuchan en una radio o en cualquier local comercial?

            "Resulta que si alguien tiene una radio, que es una empresa con fines de lucro, puede leer poesías, obras de teatro o textos sin pagar derechos. Los escritores no tienen una maquinaria de millones que “los defiendan”. La música, a través de sus discográficas, es socia de las radios. Las radios difunden su material, cobran por publicidad, y pagan por los “derechos”. La radio es un medio de comunicación, y… pero caramba! los proveedores de internet también lo son. Es todo esto una coincidencia? Sólo los muy populares viven de los derechos, ya que la parte del León siempre pasa por otro lado. Componer un hit (Ai se eu te pego… Ai se eu te pego.. !) y que eso justifique toda la arquitectura de derechos para que le paguen al autor durante toda su vida…. No me parece que ese sea argumento suficiente para justificar todo lo que pasa. Detrás de la supuesta defensa al desarrollo cultural sólo se esconden intereses de compañías. Hay que defender al escritor para que no deje de escribir. Luego, el músico habrá de ser igual que yo, igual que el pintor, o igual que aquellos que trabajan a diario. Si son buenos haciendo lo suyo, ganarán muy buen dinero. Pero que quede claro: Yo no soy un pirata. Voy a intentar seguir compartiendo, sin que por eso me sienta delincuente alguno".

miércoles, 21 de marzo de 2012

Chan Chan - Compay Segundo


El siguiente texto es de la autoría del buen amigo Alejandro Alfredo Dizeo, músico, folklorista argentino, autor del excelente blog de la bella música del Noroeste Argentino Folklore del NOA

"Maravilloso video grabado en vivo en el Olimpia de París, Francia en el año 1999, donde podemos ver y oír interpretar el son cubano "Chan-Chan" (hermoso y simple a la vez) a uno de los más grandes músicos de Cuba, Máximo Francisco Repilado Muñoz, el famoso "Compay Segundo" a los 92 años de edad con toda su garra, fuerza y espíritu juvenil, acompañado de su grupo musical (observen la sencillez y sobriedad musical de los integrantes) compuesto por el mismo Compay Segundo cantando la segunda voz y ejecutando su invento, EL OCTAVO, es decir una especie de guitarra requinto de 8 cuerdas, acompañado por una guitarra, un contrabajo, un cantante que hace la primera voz y toca a su vez las maracas, un bongó y una trompeta que hace un "floreo" melódico.

Máximo Francisco Repilado Muñoz se autodenominó "Compay Segundo" pues cuando cantaba a dúo siempre hacía LA SEGUNDA VOZ al tiempo que punteaba y acompañaba rítimicamente con su TRES, instrumento parecido a una guitarra pero compuesto por tres cuerdas dobles octavadas la mayoría de las veces en lugar de las seis cuerdas que encordan a las guitarras. Luego desarrolló el instrumento que vemos en el video, EL OCTAVO...

Compay Segundo (Máximo Francisco Repilado Muñoz) nació en Siboney, Cuba el 18 de noviembre de 1907 y falleció en La Habana, Cuba el 13 de julio de 2003 a los 95 años de edad.

El son es la esencia misma de la música cubana, como lo son también la guaracha, la rumba y el punto cubano, así como en la música popular argentina la esencia es la zamba, la chacarera, el gato y la milonga por citar algunos ejemplos.

¿Nos damos cuenta que no se necesita tener una parafernalia de instrumentos sonando detrás o una mal llamada "megabanda," para acompañar musicalmente e forma sencilla, sobria y agradable a un solista o un dúo vocal y hacer que se destaquen de lo instrumental como corresponde ("lo importante son las voces" decía un gran amigo músico) , como está ocurriendo actualmente...??? Esa, es mi modesta opinión totalmente personal...

La sencillez y la economía musical, como aconsejara académicamente el gran maestr George Gershwin (en cuando a la línea de la melodía y la armonía utilizadas) aquí quedan demostradas plenamente...!!!

Disfrútenlo porque vale la pena...!!! Nunca se van a arrepentir...!!!

Un saludo cordial !!!"

J.S. BACH: Siempre de frente al futuro (resubido)



Se ha dicho que toda gran obra de arte tiene dos caras: una que mira a su época y otra que mira al futuro. Esa es una gran verdad, si bien por mi parte, yo agregaría una tercera cara que estaría mirando al pasado.

La obra integral de Bach sería el ejemplo perfecto.

Porque miraba hacia el futuro, la obra de Bach ha sido, vez tras vez, a lo largo de los siglos, estudiada, imitada y parodiada. Y con toda seguridad, en el futuro, ese mismo fenómeno se seguirá presentando, quien sabe hasta cuándo. Sinceramente no creo que Bach condenaría, por heterodoxas, todas la elaboraciones que se hayan hecho con su música. Es probable que a algunos de estas experiencias las rechazara por banales, otras, tal vez le harían sonreír complacido y hasta es posible que algunas otras le plantearan la necesidad perentoria de departir con los músicos de hoy día las profundidades técnicas implicadas en las propuestas.

Por mi parte no voy a aventurar una opinión en cuanto a cómo reaccionaría el maestro Bach ante la escucha de las dos “elaboraciones” de obras bachianas que les presento hoy. Cada quien que juzgue, lleve o deje, según su gusto
oooOOOooo


La primera es una propuesta flamenca hecha por la pianista española Miriam Méndez quien proviene de una familia de músicos y se formó en los conservatorios de Sevilla y Barcelona, especializándose luego en la obra de Bach en Bélgica, Suiza, Holanda e Italia. Junto al piano de Miriam, el acompañamiento tradicional del flamenco inclusive, canto. Varios “palos” del cante están incluidos.

LISTA DE PISTAS:
1.Concierto En Sol M, 1er Mov. (Bulería)
2. Introducción (Bulería) - Preludio Nº2 En Do M De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 (Rumba)
3. Fuga Nº2 En Do M De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 (Tango)
4. Preludio Nº1 En Do M De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 Extracto Coral 147 (Nana - Sevillanas)
5. Preludio Nº20 En La M De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 (La Alboreá)
6. Preluidio Nº20 En La M De "El Clave Bien Temperado" Libro 2 (Caña - Siguirillas)
7. Preludio Nº14 De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 (Fiesta Por Bulería)
8. Preludio Nº8 De "El Clave Bien Temperado" Libro 2 (Soleá - Soledad)


MUSICOS:
Manuela Vargas: Dance and Taconeo
Yerbabuena: Choir
Eugenio Iglesias: Spanish Guitar
Mariano Bizarraza: Percussion and Congas
Tania Vinokur: Violin
Ángel Morilla: Cello
Miriam Méndez: Piano

oooOOOooo



La otra propuesta es una elaboración electrónica realizada por el grupo Die Form . Die Form es una banda francesa integrada por Éliane P., Philippe Fichot. Su nombre significa en alemán "La forma" y fue fundada en 1977. Su música se caracteriza por sonidos electrónico combinados con coros femeninos.

LISTA DE PISTAS:
1,.BWV 42-7 Am Abend aber desselbigen Sabbats (Church Cantata)
2. BWV 243-3-4 Magnificat: Quia Respexit & Omnes Generationes
3. BWV 1031 Sonata Nr 2 in Es-Dur
4. BWV 1002 Partita Nr 1 in B Moll
5. BWV 147-5 Bereite Dir Jesu noch itzo die Bahn (Herz und Mund)
6. BWV 1030 Sonata Nr 1 in H Moll
7. BWV 1004 Partita Nr 2 in D Moll
8. BWV 565 Toccata Nr 2 in D Moll
9. BWV 54-1 Aria: Widerstehe doch der Sünde
10. BWV 29 Wir danken Dir Gott wir danken Dir
11. BWV 209 2+3 Recitativ: Non sa che sia dolore & Aria: Parti pur
12. BWV 4 Christ lag in Todesbanden
13. BWV 244-39 Matthäus Passion - Aria: Erbarme Dich mein Gott!

Debo agradecer a FRIDA por haberme concedido, de sus archivos, los links para esta entrada

PARA DESCARGAR:
MIRIAM MENDEZ
DIE FORM

NOTA: Más elaboraciones electrónicas de la música de Bach, en este caso por el tecladista Walter Carlos las podrán conseguir explorando>>>>>>> AQUI (Recomiendo, por su frescura y brillantez, en especial, los álbumes "Switched on Bach" Vol 1 y 2)

domingo, 18 de marzo de 2012

ORNETE COLEMAN: This is our music

El bebop arremetió contra el peligro de estancamiento que amenazaba al arte jazzístico en virtud de la preeminencia del "swing", el cual, orientaba el jazz hacia lo utilitario (léase danza, baile) y en ultimo término a la banalización del jazz. En el club "Minton", nucleo de la vanguardia del bebop había un letrero que decía: "Está prohibido bailar"

Hasta alli todo iba bien: no había nada de malo en el swing, peeeero.... se respiraba en el aire la necesidad de un viraje y el bebop vino a llenar ese vacío. Esta no era sencillamente una música para bailar, sino más bien para ser escuchada. En último termino, una música para músicos.

Pero hasta el bebop llevaba en si el germen de la disolución, porque el jazz es así, como todo arte lleva la necesidad interna de evolucionar, de dirigir sus pasos por los caminos de las búsquedas y la experimentación.

Es así como dentro del propio movimiento bebop comenzó a surgir una nueva generación de músicos, que se adentraron por terrenos de mayor libertad, el "free jazz", gente como Cecil Taylor, Charlie Haden, Miles Davis, por mencionar sólo unos pocos ejemplos.

 ...Y gente, tambien, como Ornette Coleman, a quien, en compañía de Donald Cherry, Ed Blackwell y Charlie Haden escuchamos en este album, diciendo orgullozamente:

"THIS IS OUR MUSIC!!!"  (ESTA ES NUESTRA MÚSICA)

 PARA MIS HERMANOS DE SONES

jueves, 15 de marzo de 2012

J.S.BACH/BOBBY GUTESHA: Rockin' Bach Dimensions (resubido)


Definitivamente, mientras existan músicos y Música en este planeta, el señor Johan Sebastian Bach, seguirá dando de qué hablar entre músicos y no-musicos. Es un hecho que Bach es el músico por excelencia. En él se cumple una frase que leí no recuerdo en qué autor, según la cual las verdaderas obras de arte tienen una cara mirando hacia el pasado y otra mirando hacia el futuro; por esa razón, por tener una cara que miraba al futuro, la música del viejo maestro de capilla, cantor y organista ha inspirado a músicos de nuestra generación y seguro que a los que están por venir, también.
“Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.” (Tomado de Wikipedia)

Volviendo al asunto de la universalidad de J.S. Bach, cabe destacar que músicos de todas las épocas y de todos los géneros se han sentidos llamados a atender la voz del viejo maestro. Es así como gente del mundo del rock, del jazz y de la música popular, en general, han sabido beber en las fuentes de las polvorientas y muy actuales partituras de Bach.
Es por ello que en esta oportunidad quiero ofrecerles un álbum realizado por un grupo de músicos de jazz europeos (principalmente alemanes) que por allá por los años ’70, bajo la dirección y según los arreglos de Bobby Gutesha, montaron un Bach que mira, yo no diría que al rock, como sugiere el título, sino más bien al jazz
Es cierto que existen puristas que tal vez consideren un sacrilegio, una ofensa grandísima al maestro Bach el hacer estos arreglos tan heterodoxos; yo por mi parte me atrevería a asegurar que el propio Johan Sebastian gozaría de lo lindo escuchando su propia música sonando en otras dimensiones, Y es que por lo que sabemos Bach era un verdadero Músico y, como tal, abierto a la experimentación


LISTA DE PISTAS:

Inventio 13 03:03
Inventio 9 03:28
Inventio 2 03:06
Inventio 15 03:58
Inventio 1 03:14
Inventio 8 05:23
Fuga In A 03:26
Air 03:50
Fuga In D 04:40
Fuga In E 03:31


MUSICOS:

Herb Geller – flute
Horst Jankowski - cembalo
Ack van Rooyen, Rolf Ericson - trumpets
Ake Persson, Kurt Krause, Alfred Pendzialek - trombones
Eric van Lier - tuba
Klaus Markowski - french horn
Sigi Schwab - concert guitar, lead guitar amplified with Torax Sound System, div. pedals ring modulator for guitar
Wolfgang Dauner - synthesizer
Branislav Kovacev - drums
Rudi Risavy - percussion and violin
Milian Pilar - bass

Arreglos y conducción: Bobby Gutesha
Grabado en: Junio de 1972

LINK DE DESCARGA

RAVI SHANKAR: East greets east (resubido)


Ravi Shankar no necesita mayor presentación. Es un músico que se ha ganado una merecida fama internacional gracias, no solo a su maestría en tocar el sitar, sino también por el eclecticismo que ha demostrado al participar en grabaciones y conciertos con músicos de todo genero, desde el rock-pop hasta la música académica. Es un músico de gran peso artístico, un maestro en todo el sentido de la palabra.
“El nombre de su madre era Hemanginee, y su hermano mayor Uday Shankar era un famoso bailarín hindú clásico. De adolescente Ravi tocó el sitar con la compañía de baile de Uday Shankar, más notablemente con Anna Pávlova en la Unión Soviética.Amen de su virtuosismo, logro influenciar increíblemente la música occidental abriendo así las puertas de la percepción.
“Ravi Shankar dejó una posible carrera de baile y comenzando en 1938 pasó largos años de estudio bajo su gurú Khan Allaudin. Su primera presentación en público en la India fue en 1939. El entrenamiento formal acabó en 1944 y trabajó en las afueras de Bombay. Comenzó a escribir canciones para películas y ballet clásico y comenzó una carrera de grabación con el afiliado indio HMV. Se hizo director de música de All India Radio en los años 1950.
“Shankar entonces se hizo conocido fuera de la India, primero presentándose en la Unión Soviética en 1954 y luego en el Oeste en 1956. Se presentó en acontecimientos principales como en Edinburgo Festival así como lugares principales como el Royal Festival Hal
“George Harrison, miembro de The Beatles, comenzó a experimentar con el sitar en 1965. Los dos se encontraron eventualmente debido a este interés común y se hicieron amigos cercanos, ampliando la fama de Shankar como una estrella pop y como el mentor de Harrison. Esto desarrolló enormemente su carrera. Le invitaron a tocar en lugares que eran insólitos para un músico clásico, como el Monterrey Pop Festival, 1967 en Monterrey, California. Él era también uno de los artistas que tocaron en el Woodstock (1969) y el Concierto para Bangladesh en 1971. Ravi Shankar y Amigos eran también el acto de apertura para la gira de Harrison de los Estados Unidos en 1974.
“Shankar ha escrito dos conciertos para sitar y orquesta, composiciones de sitar-violín para Yehudi Menuhin y él, la música para el virtuoso de flauta Jean Pierre Rampal, y la música para Hozan Yamamoto, maestro del shakuhachi (la flauta japonesa), y el virtuoso del koto Musumi Miyashita. Ha compuesto extensivamente para películas y ballets clásicos en India, Canadá, Europa y los Estados Unidos, incluyendo Chappaqua, Charly, Gandhi, y Apu Tryology. Su grabación Tana Mana, lanzado por el sello Private Music en 1987, penetró el género New Age con su combinación única de instrumentos tradicionales con la electrónica. El compositor clásico Philip Glass reconoce a Shankar como una influencia principal y los dos colaboraron para producir Passages, una grabación de composiciones en las cuales cada uno adapta temas compuestos por el otro. Shankar también compuso la parte de sitar en la composición de Glass de 2004, Orión.
“En el año 1998 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música"(Fuente: Wikipedia)

El álbum que acá les presento viene a poner de manifiesto, una vez más, la versatilidad de este maestro: ha unido músicos hindúes y músicos japoneses para crear “East greets east” (Oriente saluda a oriente), logrando momentos de verdadera genialidad, de parte y parte, tanto los hindúes como los japoneses. Note el tercer tema: “Improvisaciones sobre un tema del Rokudan”, de una belleza celestial”

LISTA DE PISTAS:
Padhasapa
Kaharwa
Improvisaciones sobre un tema del “Rokudan”
Namah Shivaya
Tributo a Japón

MUSICOS :
Ravi Shankar: sitar, tambura
Alla Rakha: tabla
Susumu Miyashita: koto
Hozan Yamamoto: shakuhashi
LINK DE DESCARGA

RABIH ABOU-KHALIL / JOACHIM KÛHN: Journey to the centre of an egg (resubido)




Nacido y criado en el clima cosmopolita de Beirut en los años sesenta y setenta, Rabih Abou-Khalil se inició en tocar el oud, laúd árabe de cuello corto, a la temprana edad de cuatro.. En el mundo árabe este instrumento es tan popular como la guitarra o el piano en Occidente, y es instrumento por excelencia para la composición,..La guerra civil libanesa lo forzó a abandonar su país en 1978 para estudiar flauta clásica en la ciudad alemana de Munich, donde recibió clases en la Academia de Música de Múnich por Walther Theurer. La inmersión en la tradición analítica clásica europea le permitió captar la música árabe desde una perspectiva bastante teórica, abriéndole los ojos a la posibilidad de trabajar simultáneamente en las diferencias musicales de ambas culturas musicales.

Mientras otros instrumentistas del oud se contentaron casi siempre con imitar las técnicas propias de la voz humana, Abou-Khalil quiso explorar nuevas formas de tocar su instrumento. Los críticos musicales comenzaron a verlo muy favorablemente debido a que su técnica estaba explorando al oud a semejanza de lo que desde siempre habían estado haciendo los guitarristas de jazz, mientras que, por otro lado, recreaba con sus baladas,la atmósfera poética de la cultura árabe, sin tener que recurrir al sonido tradicional del laud.

Rabih Abou-Khalil se ha afirmado firmemente en la vanguardia como compositor, así tambien como instrumentista. Aparte de ello, ha sido un músico que ha gustado de experimentar su música al lado de colegas de todos los ámbitos imaginables, desde experimentar con el Cuarteto de Cuerdas Kronos (también con el Cuarteto Balanescu) hasta un álbum con músicos portugueses, por mencionar sólo tres casos.

En el álbum que hoy les presento, lo encontramos al lado del afamado pianista alemán Joachim Kûhn, no menos inclinado por cierto a la experimentación y a la improvisación. Lo que superficialmente parecía ser solo el encuentro casual entre dos instrumentos opuestos y antagónicos se convierte en un encuentro de genios, de talentos de diferentes mundos musicales que nos brindan una propuesta unificada y novedosa. Siempre he dicho que los mestizajes musicales resultan muy gratificantes trayendo a nuestros oídos y a nuestro espíritu, nuevas sensaciones, nuevas impresiones, que a la final sólo pueden enriquecer nuestras vidas. Espero que les guste y que lo disfruten a plenitud.

PISTAS:

Shrewd Woman 03:41
Little Camels 02:50
Die Brücke 05:52
I'm Better Off Without You 11:16
Natwasheh And Kadwasheh 13:34
Mango 07:31
No Plastic Cups, Please 03:21
Sweet And Sour Milk 04:20

MUSICOS:

Rabih Abou-Khalil, oud
Joachim Kûhn, piano
Jarrod Cagwin, drums

LINK DE DESCARGA

CAPULLO DE JEREZ: Poderío (resubido)


Acá les ofrezco otro hermoso álbum de Capullo de Jerez.
Ya les conté AQUI algunas cosas sobre el noble desempeño vocal de este cantaor y sobre la predilección que tengo por su canto y su decir
Espero que lo disfruten.
Quiero dedicar esta entrada muy especialmente a Mara-bunta y a Nurya, que comparten mi pasión por el cante jondo

LINK DE DESCARGA

sábado, 10 de marzo de 2012

ABDULLAH IBRAHIM: African Suite for Trio & String Orchestra

Abdullah Ibrahim es el nombre musulman adoptado por Adolphe Johannes Brand, conocido en el mundo del jazz, como Dollar Brand. Fue apadrinado en el mundo del jazz por Duke Ellington, de quien puede considerarse discípulo y seguidor. No obstante ello, desarrolló su propia personalidad, manteniendose siempre en una posición adelantada, ecléctica e innovadora en su encantador lenguaje jazzístico.

Para serles francos, lo estoy comenzando a conocer recien ahora y me ha dejado maravillado con este hermosísimo álbum que mezcla el swing del trio jazzístico, con el clacisismo de una orquesta sinfónica de cuerdas. Me parece que ha logrado una síntesis incomparable de ambos "mundos" musicales. En éste y en muchos otros sentidos, pienso que este es un álbum realmente imprescindible.

Más sobre Abdulla Ibrahim en la Wikipedia

PARA MIS HERMANOS DE SONES

lunes, 5 de marzo de 2012

JIMENA POGLIANO: Tres Pistas ... y un video

Con orgullo les recomiendo otras tres hermosas piezas del repertorio de Jimema Pogliano, cantante y folklorista argentina
Chacarera del Tiempo
Pecado de juventud
Zamba del Arribeño ......
Y un inspirador video:

VISITA SU BLOG!!!    >>>>>     JIMENA POGLIANO

domingo, 4 de marzo de 2012

BOBBY MACFERRIN: The Voice

Siempre me ha parecido que la voz humana es el instrumento musical por antonomasia.

 Disfrútenlo

jueves, 1 de marzo de 2012

ALBERT MANGELSDORFF: Birds of underground (resubido)



Albert Mangelsdorff, es un compositor y trombonista alemán nacido en Frankfurt el 5 de septiembre de 1928 y fallecido en la misma ciudad el 25 de julio de 2005.

Albert comenzó a interesarse por el jazz en una época muy poco propicia: durante la dictadura de Hitler, que desarrolló una política muy represiva respecto a este tipo de música, por lo que las reuniones del Hot Club de su ciudad, se celebraban en la clandestinidad. Finalizada la Gran Guerra, deja la guitarra para pasarse definitivamente al trombón, fascinado por Bill Harris y J.J.Johnson. No obstante, su primer trabajo profesional en el jazz, con una big band de swing, será tocando la guitarra.

Trabaja con el saxofonista austriaco Hans Koller y, ocasionalmente, con Dizzy Gillespie (1953-1954). En 1958, tras tocar con Elvin Jones, viaja a Estados Unidos, invitado por George Wein al Festival de Jazz de Newport. Después, trabaja con Dusko Gojkovic y con sus propios grupos. Regresa repetidas veces a Newport en los años 60, para tocar con Lee Konitz, Joe Chambers, Art Blakey o John Lewis, con quien graba.

Va de gira y graba con la Kenny Clarke-Francy Boland Big Band y con músicos como Don Cherry o Attila Zoller, integrándose en 1969 en la`Globe Unity Orchestra de Alexander von Schlippenbach. En 1972, animado por el crítico y productor Joachim E. Berendt, realiza una serie de conciertos de trombón solo, con una técnica multifónica desarrollada por él mismo y que le permitía emitir, en un solo trombón dos y más notas simultaneamente.

En los años 70 y 80, toca con John Surman, Palle Danielsson, Jaco Pastorius, Kenny Wheeler y, con regularidad, Michel Portal. Mantuvo sus grupos y colaboraciones hasta su fallecimiento.
Mangelsdorff se caracteriza fundamentalmente por su maestría en el conocimiento de los elementos del jazz y un rigor técnico, aliado con una exigente búsqueda de la expresión libre. Su técnica multifónica, tocando una nota y cantando otra distinta a la vez, lo que genera armónicos intermedios entre ambas, le dio un sonido característico.
Aqui les brindo estos "Pajaros del subsuelo"... Espero lo disfruten
(Fuente: Wikipedia)

PERSONAL EN ESTE ALBUM:
Albert Mangelsdorff: trombón
Heinz Sauer: saxos tenor y alto
Gerd Dudek: Flauta y saxos tenor y soprano
Buschi Niebergall: Bajo
Peter Giger: batería

LISTA DE PISTAS:
01 - Wobbling Notes and fluted crackle 14:18
02 – Grive musicienne 5:42
03 – Birds of underground 11:37
04 – Xenobiosis 11:42

Mis favoritas: pistas 1 y 3

LINK DE DESCARGA

RADIO TARIFA: Rumba argelina (resubido)


Creo que tengo dicho por alli en una de esas entradas que una de mis cosas favoritas, en Música, son lo que yo llamaría "mestizajes" musicales, es decir, la mezcla bien elaborada de músicas de diferentes índoles y nacionalidades. Algo de eso es lo que aprecio en el grupo español "Radio Tarifa": ellos mezclan flamenco, jazz, música étnica, latina, medieval, en una maravillosa y "sabrosa" síntesis. Este es su primer trabajo grabado (hasta ahora, segun creo, han producido media docena de álbumes)y me parece toda una delicia. Espero que lo disfruten tanto como yo.
LINK DE DESCARGA

DIEGO AMADOR: Piano Jondo (resubido)


Diego Amador, llamado “El Churri “ (Sevilla, 1973), es multi-instrumentista, cantante y compositor. Hermano menor de Raimundo y Rafael, fundadores de “Pata Negra” , comenzó su carrera profesional colaborando con ellos, pero también se deja oír con Potito, Pedro Sierra, La Susi y otros. Creó un cuarteto llamado Patita Negra que no llegó a durar un año (1994). Su verdadera carrera estaba en solitario. 'El aire de lo puro' (2001) muestra un estilo como compositor y cantante, del que se retracta en 'Piano jondo' (2003), "el disco de piano que siempre quise hacer", en palabras de Diego. Este último álbum redescubre a Diego Amador como un músico maduro, en el que la convivencia entre con jazz y el flamenco más rancios crea un estilo muy especial, que rompe muchos moldes . Como músico polifacético que es, forma parte de la banda de Tomatito, con el bajo eléctrico y la mandola.
Diego es músico las veinticuatro horas del día y un perfeccionista que se encuentra mejor en el estudio de su casa que en cualquier otro lugar. El futuro de Diego, según se cuenta, se decidió el día en que su padre apareció en casa trayendo un viejo órgano Hammond. Diego no lo dudó un instante, se sentó en el taburete, acarició el teclado y se puso a tocar ... por bulerías. Luego llegaron sus comienzos como profesional acompañando a sus hermanos, la Susi, Tomatito, el guitarrista argentino Luis Salinas, etc. Su primer disco -el muy apreciable "Patita Negra", producido por Ricardo Pachón- ya denota su pasión precoz por el jazz
Con todo, lo cierto es que Diego Amador es puro flamenco y es a esta música incomparable a la que hizo juramento de fidelidad eterna sobre el altar del Arte. Nada hay de casual en su trabajo que persigue el objetivo de tantos músicos jóvenes en los últimos tiempos: convertir el cante y el toque de los gitanos andaluces en la gran música flamenca universal. Churri está entre los músicos mejor dotados de su generación para provocar un salto cualitativo en esa evolución y esa tendencia que parece inevitable. Hoy día hay una nueva generación de músicos flamencos capaces de resolver con toda naturalidad el dilema que enfrenta a la tradición con la innovación. Diego Amador es tal vez el más brillante de todos ellos, un pianista totalmente autodidacta que embruja con sus invenciones.
En “Piano Jondo” (2003) Diego Amador se centra totalmente en el piano, en un estilo libre y personal pero totalmente flamenco. Se dejan notar los conceptos del jazz y otras músicas en una grabación directa llena de creatividad y vivacidad. Al igual que sus hermanos, Raimundo y Rafael, el virtuosismo instrumental proviene de la tradición autodidacta y familiar.

INTERPRETES:
Diego Amador: piano, guitarras, mandola, voz y palmas.
Miguel Vargas: contrabajo.
Luis Amador: cajón y percusión.
Joaquín Grilo: baile, palmas y jaleos.

CONTENIDO:
Soleá del Churri (Soleá)
Pa los viejitos (Taranta)
Comparito (Bulerías)
Quiero olvidarte (Soleá)
A mi tío Diego (Rondeña)
¡Vivan los gitanos! (Bulerías)
Seguiriya de pildorilla (Seguiriya)
El llanto de la lluvia (Tanguillos)
Continuum (por Tangos).
Les invito a disfrutar esta exquisitez

Para descargar “piano Jondo” haz click AQUÍ


ALGUNAS FRASES DE DIEGO AMADOR en entrevista (2001) que podrás leer completa AQUI:

“El flamenco está un poquito confundido hoy con esto de los grupos jóvenes. A veces voy a un sitio a tomar una copa y vuelvo con el oído roto. Hay mucha ojana. Está bien que se dé a conocer el flamenco, pero no lo podemos confundir con el flamenquito. Para hablar de flamenco hay que lavarse la boca”
“Mis ídolos….Sobre todo tres: Camarón, Jaco Pastorius y Miles Davis. Luego están Juan Talega, El Borrico, Mairena, Vallejo... A ellos nunca dejaré de escucharlos, porque son la raíz de esto”
“Paco de Lucía, como Camarón, es para mí el espejo donde mirarme. Para hablar de Paco no hay palabras. El que no escuche a Paco de Lucía es que es tonto, con perdón, no tiene cultura musical, no tiene nada. Es que cuando hablo de él me pongo nervioso. Yo he rayado discos de Camarón y de Paco de tanto escucharlos”

DMITRI SHOSTAKOVICH: Sinfonía # 5 (resubido)



Dmitri Shostakovich ha llegado a constituirse en una figura  controversial. Tanto los melómanos de todo el mundo, como  los propios músicos asumen ante su obra posiciones muy encontradas, aunque tanto unos como otros no dejan de reconocer en él a  uno de los más destacados compositores soviéticos contemporaneos

Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (en ruso: Дмитрий Дмитриевич Шостакович) (San Petersburgo, 25 de septiembre de 1906 – Moscú, 9 de agosto de 1975) fue un compositor ruso que vivió durante el período soviético, y uno de los más reconocidos compositores del siglo XX. Shostakovich obtuvo fama en la Unión Soviética bajo el patrocinio del jefe de León Trotsky de personal, Mijail Tujachevski. Pero después tuvo una relación difícil con la burocracia del Estalinismo (tuvo relaciones difíciles con el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS)). El Partido Comunista denunció públicamente su música en 1936 y en 1948, con esto temporalmente fue convirtiéndose en prohibida. A pesar de ello, con el paso del tiempo recibió halagos por su música dentro de la URSS e incluso reconocimientos del Estado. A pesar de la controversia, su trabajo fue popular y bien recibido.

Sin embargo, en público se mostró leal con el sistema soviético, aceptó el carnet del PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. Su actitud frente al gobierno estalinista y el Estado soviético ha sido tema de agrias polémicas políticas y musicales y se ha discutido enconadamente si Shostakovich fue o no un disidente clandestino frente a la URSS.

Tras un período de influencia por Prokofiev y Stravinsky, desarrolló un estilo híbrido, como lo ejemplifica la ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934), que posteriormente derivó hacia un romanticismo musical tardío. La influencia de Mahler se combina con la de la tradición musical rusa, con Mussorgsky y Stravinsky como referentes importantes. Shostakovich integró todas esas influencias creando un estilo muy personal. La música de Shostakóvich suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos , con un componente rítmico muy destacado. En su obra destacan sus ciclos de quince sinfonías y seis conciertos; entre la música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet. (Wikipedia)

En muchos sentidos, esta Quinta Sinfonía viene a ser, por decirlo así su primer intento por congraciarse de alguna manera con las autoridades soviéticas, toda vez que el régimen stalinista llegó a considerar su obra como "decadente" y "aburguesada". Lo cierto es que su desarrollo estilístico anterior tenía visos de gran innovación y personalidad, pero a partir de éste momento (Quinta Sinfonía) los ataques de la crítica soviética más decidida e intrasigente, dispuesta a condenar todo lo que no podía ser comprendido sin esfuerzo por las masas, desenbocaron en un debilitamiento del ímpetu vanguardístico del compositor, induciéndolo a adoptar esquemas y modalidades más habituales.

Pero el genio es genio póngasele donde se le ponga, de manera que, aunque segun la opinión de casi todos los críticos la música del maestro perdió mucho de su vitalidad e innovación, logicamente, siguió teniendo la marca de su gran talento de orquestador y creador. Ello explica, por ejemplo, la gran popularidad de la que siempre ha disfrutado esta Quinta Sinfonía, una de mis favoritas del repertorio sinfónico contemporaneo. Acá se las dejo para que la disfruten en la interpretación de la National Symphony Orchestra, bajo la batuta del maestro Mstislav Rostropovich

Pienso que Shostakovich es uno de esos artistas ante cuya obra es difícil permanecer indiferentes. Les recomiendo que sigan el vínculo de más arriba a la Wikipedia, para que amplien (o refresquen, segun el caso) un poco más  su conocimiento del hombre y el músico

LINK DE DESCARGA

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

V.A.: American Yodeling (1911-1946) (resubido)


El "yodel" no es propiamente un género musical, como decir "blues" o "jazz", "country",etc, no. El yodel constituye, más bien, un estilo de canto, una forma de cantar caracterizada por el hecho de hacer un uso "desentonado" de la voz, o mejor: entre lo entonado y lo desentonado, pasando por el falsete.

Esta técnica vocal se haya extendida por todo el mundo en diferentes épocas y lugares, desde los paises alpinos hasta los pigmeos en Africa. Y, por supuesto, en Norteamérica, donde lo usan los cantantes tanto del blues, como de country y folk en general.

La presente compilación nos presenta una selección variadísima de cantantes de "yodel" que les dará un panorama bastante completo de lo que este estilo de cantar ha representado en Norteamérica. Espero que sea de su agrado.

Más información sobre el "yodel" en La Wikipedia

TRACKLIST:
Yodelin' Mountaineer (J.E. Mainer's Mountaineers) 02:53
Gonna Quit My Rowdy Ways (Callahan Brothers) 03:13
The Arizona Yodeler (The DeZurik Sisters) 02:27
My Clinch Mountain Home (The Carter Family) 03:19
The Devil's Great Grandson (The Sons Of The Pioneers) 03:02
Cowboy Night Herd Song (Roy Rogers) 03:04
Worried Devil Blues (Tampa Red) 03:25
Will There Be Any Yodelers In Heaven? 02:42
the nasty swing 03:23
Yodeling Mule 03:00
Lost lover blues 03:28
the yodelin' teacher 02:59
Lonesome yodel blues 02:41
La Valse De Marriage 03:06
Lovesick Blues 03:08
I Wanna Be A Cowboy's Sweetheart 02:43
Rockin'Yodel 03:01
mule skinner blues 02:41
rockin' yodel 02:59
yodeling fiddling blues 03:10
standin' on the corner (blue yodel #9) 02:43
Sauerkraut (Riley Puckett) 03:09
Yodeling Radio Joe (Rambling Rod Foley) 03:10
Blue Yodel No. 1 (Bob Wills & His Texas Playboys) 02:25
You Gotta To Go To Work (Rex Griffin) 02:26
Sleep, Baby, Sleep (George P. Watson) 02:53

DESCARGAR

GENTIL MONTAÑA: Suites colombianas (resubido)


     "Gentil Montaña (Guitarrista y compositor colombiano) Nació en Ibagué, 24 de noviembre de 1942.

Su verdadero nombre es Julio Gentil Albarracín Montaña. Inició sus estudios en el Conservatorio de Ibagué, a la edad de 7 años. Su primer instrumento fue el violín pero a la edad de 13 años se dedicó a la guitarra.

Fueron sus profesores : Domingo González, y Daniel Baquero M. Realizó sus estudios de armonía con Juan Carruba. A la edad de diecinueve años comenzó su carrera como concertista, llevando a cabo su primer recital en el Teatro Lido de Medellín; desde entonces se destaca como el precursor de la Guitarra clásica en Colombia. En Europa adelantó estudios de música contemporánea con Kakleen Keinell., y posteriormente se especializó en instrumentación con los maestros Blas E. Atehortúa y Gustavo Yepes.

Participó en el primer concurso mundial de guitarra Alirio Díaz efectuado en la ciudad de Caracas en 1975, donde obtuvo el tercer premio. Allí fue como guitarrista autodidácta ya que en Colombia para la época no existía aún una catedra de guitarra. En 1994 y en el 2002, este mismo concurso invitó al maestro a participar como jurado e interprete.

Ha sido solista con las orquestas Filarmónica de Bogotá, Sinfónica de Colombia, Sinfónica de Antioquia, Colegium Musicum, Cámara de Colombia, del Conservatorio entre otras. Ha realizado conciertos con gran éxito, en las principales salas de Colombia y del mundo: España, Francia, Alemania, Suiza, Grecia, Italia, Venezuela, Chile, Uruguay, Paraguay, Argentina, Cuba, Costa Rica, Ecuador, Estados Unidos e Inglaterra.

Fue profesor en la Academia Luis A. Calvo, en los períodos 1966 - 1972, y desde 1983 hasta el año 2001. Ha enseñado además en la Universidad Pedagógica Nacional desde 1985 hasta 1996, y en el Conservatorio de la Música de la Universidad Nacional en 1991. Ha participado como jurado en concursos de guitarra en Colombia y en el exterior; Primer Concurso Iberoamericano de Guitarra, auspiciado por la Fundación Arte de la Música y la Móbil, "Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz ", en el Concurso Nacional de Interpretación Musical Anselmo Durán Plazas, en el Festival del Pasillo Colombiano y el "Colono de Oro" en Florencia, Festival "Principes de la canción" en Ibagué. Fue ganador de una beca de Colcutura en la modalidad de composición.

Ha grabado siete discos como solista de la guitarra, destacándose los que hizo con la Orquesta Filarmónica de Bogotá en honor a los Reyes de España, con música de la independencia de Carmen Caycedo, y otro en Francia, para el sello Carré, con obras homenaje a Agustín Barrios Mangore. Su producción discográfica incluye además fonogramas para Discos Zeida en 1964 y 1965, un CD grabado en 1967, y fonogramas para Discos Bambuco.

Recientemente fue invitado a dirigir un Master Class en el Conservatorio Superior de Música de Paris y en la Universidad Charles Darwin en Australia.

Además de su gran éxito como intérprete, Gentil Montaña es un reconocido compositor, campo en el que se le considera destacado junto con grandes virtuosos y compositores latinoamericanos como Agustín Barrios-Mangoré, Heitor Villa-Lobos, Antonio Lauro, Leo Brouwer y Manuel Ponce" (Wikipedia)

Disfruten los dulces, frescos, sinceros y sabrosos sonidos de la guitarra de Gentil Montaña y sus cuatro Suites Colombianas
NOTA: La carátula que se muestra no corresponde al album acá posteado; sólo tiene carácter referencial


Suite Colombiana Nº 1: 
Danza,
Canción,
Guabina
Pasillo.

Suite Colombiana Nº 2:
Pasillo,
Guabina,
Bambuco
Porro

Suite Colombiana  Nº 3:
Pasillo,
Guabina,
Danza,
Bambuco

Suite Colombiana Nº 4:
Pasillo,
Danza,
Bambuco,
Porro.

LINK DE DESCARGA

V.A.: Train 45 (resubido)


Hoy día los trenes han dejado de tener la importancia que en otros tiempos tuvieron. Sinembargo en lo que tiene que ver con la era que va desde mediados del siglo XIX hasta las primeras décadas del siglo XX, los trenes eran la vida misma de Norteamérica. Por esa razón todo lo relacionado con los trenes y ferrocarriles llegó a ser tema de inspiración para millares de músicos de toda categoría durante todo ese tiempo.

Es facil entenderlo, no sólo por la  importancia de ese medio de transporte durante la época señalada, sino tambien por el hecho de que el tren de por sí facilmente llega a constituirse en  una fuente inagotable de inspiración y de rebuscadas metáforas para músicos de todo género, desde el blues y el gospel hasta el folk, country y bluegrass.

Lo interesante de esta compilación es que recoge  más de una veintena de temas inspirados en los trenes y todo lo relacinado con ellos. Canciones de varios géneros interpretadas por toda una pléyade de artistas que van desde bluesmen y songsters, hasta simples presidiarios

Ya saben ustedes el gusto y el re-gusto que tengo por la música añeja (la "vintage music") de manera que  estoy seguro de que nadie  se extrañará al saber (y yo no tengo reparos en confesarles) que esta preciosa colección de antiquísimos temas es lo que bien podría llamar uno de mis  "discos de cabecera"

TRACKLIST:
Andrew and Jim Baxter K. C. Railroad Blues
Arizona Wranglers Wreck of the 97
Captain Appleblossom Time Table Blues
Convicts of Bellwood Prison Camp, Atlanta, GA The Longest Train
Convicts of Cummins Farm, Gould, AR Rock Island Line
Crowder Brothers Depot Blues
Curly Fox Wreck of the 1256
G. B. Grayson and Henry Whitter He is Coming to Us Dead
G.B. Grayson and Henry Whitter Red and Green Signal Lights
Gene McNulty The Lightning Express
George Edgin Pine Knot Cannonball
Golden Gate Jubilee Quartet Golden Gate Gospel Train
Harry McClintock Jerry, Go Ile That Car
Home and Jethro Poor Little Liza, Poor Girl
Jerry and Sky Orange Blossom Special
Joe 'Cannonball' Lewis Train Whistle Nightmare
Jolly Two Railroad Stomp
Lew Childre Riding the Elevated Train
Lullaby Larkers True and Trembling Brakeman
Palmer McAbee McAbee's Railroad Piece
Pullman Porters Quartette Pullman Passenger Train
Sam McGee Railroad Blues
Steve Ledofrd, Wade Mainer, And Zeke Morris Riding on That Train 45
T. C. I. Section Crew Section Gang Song
Uncle Dave Macon Death of John Henry
Wade Mainer and Sons of the Mountaineers Old Ruben

DESCARGAR

domingo, 26 de febrero de 2012

BLIND WILLIE JOHNSON: Complete Recordings (1927-1930)

Ya lo tengo dicho: Todos y cada uno de los álbumes que acá intento publicitar son, ni más ni menos, los que en un momento u otro han llenado mi corazón y mi cerebro de esa infantil, espiritual e inexplicable alegría que invade el espíritu humano ante lo maravilloso y sublime.

Peeero.... tambien es cierto que hay ocasiones en las que, al publicar algo demasiado ceñido a mi espíritu de "dilettante", es una emoción mucho más intensa la que me invade. Me ocurrió al publicar, por ejemplo, "La Pasion segun Mateo" de Bach, "Las Estaciones" de Haydn o "Love's Deep Ocean" de Alim Qasimov, por mencionar sólo tres ejemplos.

 Lo antedicho viene a cuento por el personaje que me toca presentar (a los que no lo conocían) y/o traer a la memoria a los que sí han tenido la dicha de conocerlo, me refiero al grande (humilde) hombre Blind Willie Johnson. Este personaje por cierto o, mejor dicho, su música, está en este momento lejos de los confines de nuestro Sistema Solar.

 En efecto, en una de las sondas espaciales Voyager lanzadas al espacio por la NASA en el año 1977 están contenidos sendos discos de oro en los que van registrados una serie de sonidos e imágenes del planeta Tierra destinados a algun hipotético habitante extra-terrestre que pudieran apoderarse de esas sondas (¡oh vanidad humana: nos preocupan los extra-terrestres, mas no nuestro vecino de al lado)

En esos discos, como representación o emblema de la música norteamericana se incluye una canción de nuestro personaje, (junto a obras, por cierto del mismísimo Johann Sebastian Bach y de otros varios compositores académicos consagrados) una enigmática y sublime canción que ni siquiera tiene letra, pero cuyo espíritu habla mejor que si tuviera palabras; me refiero a "Dark was the night"  pista que, logicamente, encontrarán ustedes, en esta recopilación de toda la obra grabada por Blind Willie Johnson, 30 pistas en total, todas ellas spirituals, porque este humilde hombre nunca grabó blues ni tuvo preocupación más grande que la de andar en los caminos del Buen Dios... y darle honra.

La suya fué una vida trágica, desde su niñez de huérfano, su temprana ceguera (a los 7 años apenas, producida al parecer por el ácido arrojado a su cara por su madrastra, en represalia por una paliza que el padre de Willie le hubiera propinado), hasta su temprana muerte al contraer una enfermedad respiratoria de gravedad por dormir a la intemperie, luego de que la humilde casa donde viviera fuera incendiada, no se sabe si por alguna mano criminal  o por algun hecho fortuito. No quiero aburrirlos con más datos de su casi desconocida y fragmentada biografía; prefiero remitirlos a la
 Wikipedia
donde encontrarán una breve reseña suya.

Si todavía quieren seguir investigando, les recomiendo otros links que me han parecido sumamente interesantes:

 UNA EXTENSA DISCOGRAFIA (¡¡¡¡de un hombre que sólo grabó 30 pistas!!!!)

 RESEÑA, EN UNA PAGINA DEDICADA A SU CIUDAD NATAL, AUSTIN,TEXAS

 OTRA NOTA BIOGRAFICA DE INTERES

 En cuanto a la Música en sí; prefiero que juzguen por ustedes mismos. Sólo señalaré 2 hechos que a mí en particular me llaman la atención:
1.- El uso que hace Willie de un registro gutural, áspero y ronco, cuando otros pasajes nos lo muestran con una voz bastante tierna y dulce.
2.- El acierto que constituye el acompañamiento armónico de una voz femenina en segundo plano (al parecer la de su mujer) que le da un encanto especial a estas 30 joyas

 Estoy convencido de que ningun ser humano con un mediano grado de sensibilidad podrá seguir siendo el mismo despues de escuchar con oído, mente y (sobre todo) corazón bien abiertos a este insigne caballero del espíritu, ante quien, con todo respeto, "me quito el sombrero"

 VOL I

VOL II