sábado, 31 de marzo de 2012

SAINT-SAENS: Concierto para violín # 3 - Otras piezas para violin

(Imagen referencial)
VIOLIN CONCERTO Nº 3 IN B MINOR OP. 61

1. Allegro non troppo                (8:42)
2. Andantino quasi allegretto            (8:14)
3. Molto moderato e maestoso-allegro non troppo    (10:41)



4. HAVANAISE IN E MAJOR OP. 83            (9:40)


5. MORCEAU DE CONCERT IN G MAJOR OP. 62        (9:39)


6. INTRODICTION ET RONDO CAPRICCIOSO
   IN A MINOR OP. 28                (8:56)


7. CAPRICE ANDALOU IN G MAJOR OP. 122         (9:19)

8. PRELUDE DU "DELUGE" IN D MAJOR OP. 45    (7:24)



Ulf Hoelscher, violin
New Philarmonia Orchestra, Pierre Dervaux
Recording: 1977, Abbey Road Studios, London

Para mis hermanos de sones

viernes, 23 de marzo de 2012

INTERESANTE MANIFIESTO

Me ha parecido interesantísimo el "MANIFIESTO" que he encontrado en la página  
The sacred Monster ,
 por esa razón quiero compartirlo con ustedes.

 MANIFIESTO
No soy pirata, ni delincuente. La tecnología, los negocios y los Derechos de Autor.

           "Muchos años atrás, los mecenas eran la única respuesta económica a las necesidades de los artistas. Mayormente insertos o parte de los gobiernos, acomodaban dentro de los gastos del erario público a aquellos que tenían la suerte de gustar. Y esto no era exclusividad de una rama artística en particular, sino que músicos, escultores, pintores o poetas podían ser esos mantenidos objetos generadores de placer. El objeto en discusión es la Propiedad Intelectual. Y lo que la tecnología y el deseo de acceder a la producción cultural puso en contradicción es la idea que, una vez difundida una obra cultural, pasa a ser un activo popular y no puede ser retenido para su explotación comercial expost.

             "Sin embargo es rigurosamente cierto donde la protección (para la posterior paga al artista) es imprescindible para la preservación del mismo. Por ejemplo, parar por “derechos de autor” tiene mucha lógica cuando se pretende defender a un escritor: él ha escrito durante meses o años y debe esperar a la venta de cada ejemplar para poder comer y vivir, y así escribir su próxima obra. Si favorecemos las copias discriminadas de libros, nos quedaremos sin escritores. Ahora bien, parecería que este razonamiento puede ser aplicable para cualquier rama del arte, sin embargo no es así. La tecnología nos facilita el acceso a, por ejemplo, obras de grandes pintores. El ciberespacio nos permite navegar por sitios donde se albergan fotografías de alta calidad de, por ejemplo, La Gioconda. Por qué me facilitan alta velocidad en internet si no es porque estamos todos de acuerdo en que grandes volúmenes de datos serán subidos y bajados por los usuarios todo el tiempo? Mi cuñado es artista plástico, de los buenos.

           "Nadie pagaría por ver una fotografía de uno de sus cuadros. Si alguien desea el original colgado en su living: se lo paga. Si alguien desea nutrirse con sus conocimientos: contrata horas de su actividad como docente. Su “propiedad” es la tela en el bastidor pintada por sus manos: eso es “un original”. Si él divulga una reproducción digital sabe, de antemano, que podrá ser observada por millones vía Internet. Es un artesano que pinta una vasija objeto a ser defendido por las leyes vigentes? O éstas son sólo aplicables para lo producido con “valor comercial”? O dicho de otra manera: las leyes de copyright parecen ser aplicables cuando el objeto en cuestión tiene valor comercial, y basta de hablar de defensa del artista.

              " Mi cuñado debe vender un cuadro este mes y otro el mes siguiente si pretende tener ingresos. O dar clases. Es decir: un artista excelente que detenta premios de jerarquía mayor debe (como cualquiera) laburar para vivir. En realidad, como él es de los buenos, con un cuadro bien vendido vive 2 o 3 meses. Y esto: está mal? Con la música pasa algo similar. Si un músico es de calidad (por ejemplo… Peter Gabriel), podrá viajar por el mundo dando conciertos una vez cada 2 o 3 años para presentar su nuevo material. Yo pago con gusto mi ticket para ver a Gabriel en vivo. Roger Waters cobrará 1 millón de dólares por cada uno de los 9 recitales que dará en Buenos Aires en Marzo próximo, y me parece genial! Yo ya compré mis tickets: Quiero ver “el original”. La versión en mp3 de Dark Side of the Moon, grabada hace casi 40 años es lo mismo que ver a la Gioconda en mi monitor.

             "No me digan que iTunes defiende al desarrollo de los artistas… No traten de explicarme la hipocresía que representa el hecho que una copia en mp3 (un download) de un disco de (por ejemplo) los Beatles grabado hace 50 años debe ser pagada a iTunes (o a quien sea) porque eso es para beneficio de los artistas. Para que haya dinero, debe estar “el original”. Para que me dan 5mb o 10mb de velocidad de conexión de datos en mi casa? Sólo para ver mis emails? Empiezo a sospechar que son muchos los intereses en juego. Acaso no se tuvieron que re-pensar los diarios de papel cuando la oferta de lectura de periódicos pasó a ser gratuita por internet? Los que lucran con el tráfico de bienes culturales deben ir presos. Nadie debería cobrarme por ver a la Gioconda x internet, al igual que nadie debería pretender cobrarme por escuchar una copia digital de una obra musical.

             "Compartir música sin fines de lucro NO debería estar penado. Por supuesto que, si alguien así lo desea, puede vender sus “derechos” a quien quiera, pero esa posibilidad sólo existe en una sociedad con leyes que prohíben compartir música sin pagar. Pero no me cuenten que el FBI y la CIA estaban atrás de los delincuentes de Megaupload por la defensa de los artistas. Estaban ahí porque, faltaban pocos ajustes en los contratos para que Megaupload comenzara a representar artistas… O sea: Megaupload, que concentraba el 4%del tráfico total de internet se metía en el negocio de la distribución de contenidos “legales”. Era una situación que, claramente, no le convenía a ninguna empresa tradicional de discos. Volviendo a los escritores, éstos no pueden hacer un show mientras escriben, sólo pueden hacerlo cuando se vendan sus libros. Pero cobra el escritor cuando sus textos se escuchan en una radio o en cualquier local comercial?

            "Resulta que si alguien tiene una radio, que es una empresa con fines de lucro, puede leer poesías, obras de teatro o textos sin pagar derechos. Los escritores no tienen una maquinaria de millones que “los defiendan”. La música, a través de sus discográficas, es socia de las radios. Las radios difunden su material, cobran por publicidad, y pagan por los “derechos”. La radio es un medio de comunicación, y… pero caramba! los proveedores de internet también lo son. Es todo esto una coincidencia? Sólo los muy populares viven de los derechos, ya que la parte del León siempre pasa por otro lado. Componer un hit (Ai se eu te pego… Ai se eu te pego.. !) y que eso justifique toda la arquitectura de derechos para que le paguen al autor durante toda su vida…. No me parece que ese sea argumento suficiente para justificar todo lo que pasa. Detrás de la supuesta defensa al desarrollo cultural sólo se esconden intereses de compañías. Hay que defender al escritor para que no deje de escribir. Luego, el músico habrá de ser igual que yo, igual que el pintor, o igual que aquellos que trabajan a diario. Si son buenos haciendo lo suyo, ganarán muy buen dinero. Pero que quede claro: Yo no soy un pirata. Voy a intentar seguir compartiendo, sin que por eso me sienta delincuente alguno".

miércoles, 21 de marzo de 2012

Chan Chan - Compay Segundo


El siguiente texto es de la autoría del buen amigo Alejandro Alfredo Dizeo, músico, folklorista argentino, autor del excelente blog de la bella música del Noroeste Argentino Folklore del NOA

"Maravilloso video grabado en vivo en el Olimpia de París, Francia en el año 1999, donde podemos ver y oír interpretar el son cubano "Chan-Chan" (hermoso y simple a la vez) a uno de los más grandes músicos de Cuba, Máximo Francisco Repilado Muñoz, el famoso "Compay Segundo" a los 92 años de edad con toda su garra, fuerza y espíritu juvenil, acompañado de su grupo musical (observen la sencillez y sobriedad musical de los integrantes) compuesto por el mismo Compay Segundo cantando la segunda voz y ejecutando su invento, EL OCTAVO, es decir una especie de guitarra requinto de 8 cuerdas, acompañado por una guitarra, un contrabajo, un cantante que hace la primera voz y toca a su vez las maracas, un bongó y una trompeta que hace un "floreo" melódico.

Máximo Francisco Repilado Muñoz se autodenominó "Compay Segundo" pues cuando cantaba a dúo siempre hacía LA SEGUNDA VOZ al tiempo que punteaba y acompañaba rítimicamente con su TRES, instrumento parecido a una guitarra pero compuesto por tres cuerdas dobles octavadas la mayoría de las veces en lugar de las seis cuerdas que encordan a las guitarras. Luego desarrolló el instrumento que vemos en el video, EL OCTAVO...

Compay Segundo (Máximo Francisco Repilado Muñoz) nació en Siboney, Cuba el 18 de noviembre de 1907 y falleció en La Habana, Cuba el 13 de julio de 2003 a los 95 años de edad.

El son es la esencia misma de la música cubana, como lo son también la guaracha, la rumba y el punto cubano, así como en la música popular argentina la esencia es la zamba, la chacarera, el gato y la milonga por citar algunos ejemplos.

¿Nos damos cuenta que no se necesita tener una parafernalia de instrumentos sonando detrás o una mal llamada "megabanda," para acompañar musicalmente e forma sencilla, sobria y agradable a un solista o un dúo vocal y hacer que se destaquen de lo instrumental como corresponde ("lo importante son las voces" decía un gran amigo músico) , como está ocurriendo actualmente...??? Esa, es mi modesta opinión totalmente personal...

La sencillez y la economía musical, como aconsejara académicamente el gran maestr George Gershwin (en cuando a la línea de la melodía y la armonía utilizadas) aquí quedan demostradas plenamente...!!!

Disfrútenlo porque vale la pena...!!! Nunca se van a arrepentir...!!!

Un saludo cordial !!!"

J.S. BACH: Siempre de frente al futuro (resubido)



Se ha dicho que toda gran obra de arte tiene dos caras: una que mira a su época y otra que mira al futuro. Esa es una gran verdad, si bien por mi parte, yo agregaría una tercera cara que estaría mirando al pasado.

La obra integral de Bach sería el ejemplo perfecto.

Porque miraba hacia el futuro, la obra de Bach ha sido, vez tras vez, a lo largo de los siglos, estudiada, imitada y parodiada. Y con toda seguridad, en el futuro, ese mismo fenómeno se seguirá presentando, quien sabe hasta cuándo. Sinceramente no creo que Bach condenaría, por heterodoxas, todas la elaboraciones que se hayan hecho con su música. Es probable que a algunos de estas experiencias las rechazara por banales, otras, tal vez le harían sonreír complacido y hasta es posible que algunas otras le plantearan la necesidad perentoria de departir con los músicos de hoy día las profundidades técnicas implicadas en las propuestas.

Por mi parte no voy a aventurar una opinión en cuanto a cómo reaccionaría el maestro Bach ante la escucha de las dos “elaboraciones” de obras bachianas que les presento hoy. Cada quien que juzgue, lleve o deje, según su gusto
oooOOOooo


La primera es una propuesta flamenca hecha por la pianista española Miriam Méndez quien proviene de una familia de músicos y se formó en los conservatorios de Sevilla y Barcelona, especializándose luego en la obra de Bach en Bélgica, Suiza, Holanda e Italia. Junto al piano de Miriam, el acompañamiento tradicional del flamenco inclusive, canto. Varios “palos” del cante están incluidos.

LISTA DE PISTAS:
1.Concierto En Sol M, 1er Mov. (Bulería)
2. Introducción (Bulería) - Preludio Nº2 En Do M De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 (Rumba)
3. Fuga Nº2 En Do M De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 (Tango)
4. Preludio Nº1 En Do M De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 Extracto Coral 147 (Nana - Sevillanas)
5. Preludio Nº20 En La M De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 (La Alboreá)
6. Preluidio Nº20 En La M De "El Clave Bien Temperado" Libro 2 (Caña - Siguirillas)
7. Preludio Nº14 De "El Clave Bien Temperado" Libro 1 (Fiesta Por Bulería)
8. Preludio Nº8 De "El Clave Bien Temperado" Libro 2 (Soleá - Soledad)


MUSICOS:
Manuela Vargas: Dance and Taconeo
Yerbabuena: Choir
Eugenio Iglesias: Spanish Guitar
Mariano Bizarraza: Percussion and Congas
Tania Vinokur: Violin
Ángel Morilla: Cello
Miriam Méndez: Piano

oooOOOooo



La otra propuesta es una elaboración electrónica realizada por el grupo Die Form . Die Form es una banda francesa integrada por Éliane P., Philippe Fichot. Su nombre significa en alemán "La forma" y fue fundada en 1977. Su música se caracteriza por sonidos electrónico combinados con coros femeninos.

LISTA DE PISTAS:
1,.BWV 42-7 Am Abend aber desselbigen Sabbats (Church Cantata)
2. BWV 243-3-4 Magnificat: Quia Respexit & Omnes Generationes
3. BWV 1031 Sonata Nr 2 in Es-Dur
4. BWV 1002 Partita Nr 1 in B Moll
5. BWV 147-5 Bereite Dir Jesu noch itzo die Bahn (Herz und Mund)
6. BWV 1030 Sonata Nr 1 in H Moll
7. BWV 1004 Partita Nr 2 in D Moll
8. BWV 565 Toccata Nr 2 in D Moll
9. BWV 54-1 Aria: Widerstehe doch der Sünde
10. BWV 29 Wir danken Dir Gott wir danken Dir
11. BWV 209 2+3 Recitativ: Non sa che sia dolore & Aria: Parti pur
12. BWV 4 Christ lag in Todesbanden
13. BWV 244-39 Matthäus Passion - Aria: Erbarme Dich mein Gott!

Debo agradecer a FRIDA por haberme concedido, de sus archivos, los links para esta entrada

PARA DESCARGAR:
MIRIAM MENDEZ
DIE FORM

NOTA: Más elaboraciones electrónicas de la música de Bach, en este caso por el tecladista Walter Carlos las podrán conseguir explorando>>>>>>> AQUI (Recomiendo, por su frescura y brillantez, en especial, los álbumes "Switched on Bach" Vol 1 y 2)

domingo, 18 de marzo de 2012

ORNETE COLEMAN: This is our music

El bebop arremetió contra el peligro de estancamiento que amenazaba al arte jazzístico en virtud de la preeminencia del "swing", el cual, orientaba el jazz hacia lo utilitario (léase danza, baile) y en ultimo término a la banalización del jazz. En el club "Minton", nucleo de la vanguardia del bebop había un letrero que decía: "Está prohibido bailar"

Hasta alli todo iba bien: no había nada de malo en el swing, peeeero.... se respiraba en el aire la necesidad de un viraje y el bebop vino a llenar ese vacío. Esta no era sencillamente una música para bailar, sino más bien para ser escuchada. En último termino, una música para músicos.

Pero hasta el bebop llevaba en si el germen de la disolución, porque el jazz es así, como todo arte lleva la necesidad interna de evolucionar, de dirigir sus pasos por los caminos de las búsquedas y la experimentación.

Es así como dentro del propio movimiento bebop comenzó a surgir una nueva generación de músicos, que se adentraron por terrenos de mayor libertad, el "free jazz", gente como Cecil Taylor, Charlie Haden, Miles Davis, por mencionar sólo unos pocos ejemplos.

 ...Y gente, tambien, como Ornette Coleman, a quien, en compañía de Donald Cherry, Ed Blackwell y Charlie Haden escuchamos en este album, diciendo orgullozamente:

"THIS IS OUR MUSIC!!!"  (ESTA ES NUESTRA MÚSICA)

 PARA MIS HERMANOS DE SONES

jueves, 15 de marzo de 2012

J.S.BACH/BOBBY GUTESHA: Rockin' Bach Dimensions (resubido)


Definitivamente, mientras existan músicos y Música en este planeta, el señor Johan Sebastian Bach, seguirá dando de qué hablar entre músicos y no-musicos. Es un hecho que Bach es el músico por excelencia. En él se cumple una frase que leí no recuerdo en qué autor, según la cual las verdaderas obras de arte tienen una cara mirando hacia el pasado y otra mirando hacia el futuro; por esa razón, por tener una cara que miraba al futuro, la música del viejo maestro de capilla, cantor y organista ha inspirado a músicos de nuestra generación y seguro que a los que están por venir, también.
“Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.” (Tomado de Wikipedia)

Volviendo al asunto de la universalidad de J.S. Bach, cabe destacar que músicos de todas las épocas y de todos los géneros se han sentidos llamados a atender la voz del viejo maestro. Es así como gente del mundo del rock, del jazz y de la música popular, en general, han sabido beber en las fuentes de las polvorientas y muy actuales partituras de Bach.
Es por ello que en esta oportunidad quiero ofrecerles un álbum realizado por un grupo de músicos de jazz europeos (principalmente alemanes) que por allá por los años ’70, bajo la dirección y según los arreglos de Bobby Gutesha, montaron un Bach que mira, yo no diría que al rock, como sugiere el título, sino más bien al jazz
Es cierto que existen puristas que tal vez consideren un sacrilegio, una ofensa grandísima al maestro Bach el hacer estos arreglos tan heterodoxos; yo por mi parte me atrevería a asegurar que el propio Johan Sebastian gozaría de lo lindo escuchando su propia música sonando en otras dimensiones, Y es que por lo que sabemos Bach era un verdadero Músico y, como tal, abierto a la experimentación


LISTA DE PISTAS:

Inventio 13 03:03
Inventio 9 03:28
Inventio 2 03:06
Inventio 15 03:58
Inventio 1 03:14
Inventio 8 05:23
Fuga In A 03:26
Air 03:50
Fuga In D 04:40
Fuga In E 03:31


MUSICOS:

Herb Geller – flute
Horst Jankowski - cembalo
Ack van Rooyen, Rolf Ericson - trumpets
Ake Persson, Kurt Krause, Alfred Pendzialek - trombones
Eric van Lier - tuba
Klaus Markowski - french horn
Sigi Schwab - concert guitar, lead guitar amplified with Torax Sound System, div. pedals ring modulator for guitar
Wolfgang Dauner - synthesizer
Branislav Kovacev - drums
Rudi Risavy - percussion and violin
Milian Pilar - bass

Arreglos y conducción: Bobby Gutesha
Grabado en: Junio de 1972

LINK DE DESCARGA

RAVI SHANKAR: East greets east (resubido)


Ravi Shankar no necesita mayor presentación. Es un músico que se ha ganado una merecida fama internacional gracias, no solo a su maestría en tocar el sitar, sino también por el eclecticismo que ha demostrado al participar en grabaciones y conciertos con músicos de todo genero, desde el rock-pop hasta la música académica. Es un músico de gran peso artístico, un maestro en todo el sentido de la palabra.
“El nombre de su madre era Hemanginee, y su hermano mayor Uday Shankar era un famoso bailarín hindú clásico. De adolescente Ravi tocó el sitar con la compañía de baile de Uday Shankar, más notablemente con Anna Pávlova en la Unión Soviética.Amen de su virtuosismo, logro influenciar increíblemente la música occidental abriendo así las puertas de la percepción.
“Ravi Shankar dejó una posible carrera de baile y comenzando en 1938 pasó largos años de estudio bajo su gurú Khan Allaudin. Su primera presentación en público en la India fue en 1939. El entrenamiento formal acabó en 1944 y trabajó en las afueras de Bombay. Comenzó a escribir canciones para películas y ballet clásico y comenzó una carrera de grabación con el afiliado indio HMV. Se hizo director de música de All India Radio en los años 1950.
“Shankar entonces se hizo conocido fuera de la India, primero presentándose en la Unión Soviética en 1954 y luego en el Oeste en 1956. Se presentó en acontecimientos principales como en Edinburgo Festival así como lugares principales como el Royal Festival Hal
“George Harrison, miembro de The Beatles, comenzó a experimentar con el sitar en 1965. Los dos se encontraron eventualmente debido a este interés común y se hicieron amigos cercanos, ampliando la fama de Shankar como una estrella pop y como el mentor de Harrison. Esto desarrolló enormemente su carrera. Le invitaron a tocar en lugares que eran insólitos para un músico clásico, como el Monterrey Pop Festival, 1967 en Monterrey, California. Él era también uno de los artistas que tocaron en el Woodstock (1969) y el Concierto para Bangladesh en 1971. Ravi Shankar y Amigos eran también el acto de apertura para la gira de Harrison de los Estados Unidos en 1974.
“Shankar ha escrito dos conciertos para sitar y orquesta, composiciones de sitar-violín para Yehudi Menuhin y él, la música para el virtuoso de flauta Jean Pierre Rampal, y la música para Hozan Yamamoto, maestro del shakuhachi (la flauta japonesa), y el virtuoso del koto Musumi Miyashita. Ha compuesto extensivamente para películas y ballets clásicos en India, Canadá, Europa y los Estados Unidos, incluyendo Chappaqua, Charly, Gandhi, y Apu Tryology. Su grabación Tana Mana, lanzado por el sello Private Music en 1987, penetró el género New Age con su combinación única de instrumentos tradicionales con la electrónica. El compositor clásico Philip Glass reconoce a Shankar como una influencia principal y los dos colaboraron para producir Passages, una grabación de composiciones en las cuales cada uno adapta temas compuestos por el otro. Shankar también compuso la parte de sitar en la composición de Glass de 2004, Orión.
“En el año 1998 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música"(Fuente: Wikipedia)

El álbum que acá les presento viene a poner de manifiesto, una vez más, la versatilidad de este maestro: ha unido músicos hindúes y músicos japoneses para crear “East greets east” (Oriente saluda a oriente), logrando momentos de verdadera genialidad, de parte y parte, tanto los hindúes como los japoneses. Note el tercer tema: “Improvisaciones sobre un tema del Rokudan”, de una belleza celestial”

LISTA DE PISTAS:
Padhasapa
Kaharwa
Improvisaciones sobre un tema del “Rokudan”
Namah Shivaya
Tributo a Japón

MUSICOS :
Ravi Shankar: sitar, tambura
Alla Rakha: tabla
Susumu Miyashita: koto
Hozan Yamamoto: shakuhashi
LINK DE DESCARGA

RABIH ABOU-KHALIL / JOACHIM KÛHN: Journey to the centre of an egg (resubido)




Nacido y criado en el clima cosmopolita de Beirut en los años sesenta y setenta, Rabih Abou-Khalil se inició en tocar el oud, laúd árabe de cuello corto, a la temprana edad de cuatro.. En el mundo árabe este instrumento es tan popular como la guitarra o el piano en Occidente, y es instrumento por excelencia para la composición,..La guerra civil libanesa lo forzó a abandonar su país en 1978 para estudiar flauta clásica en la ciudad alemana de Munich, donde recibió clases en la Academia de Música de Múnich por Walther Theurer. La inmersión en la tradición analítica clásica europea le permitió captar la música árabe desde una perspectiva bastante teórica, abriéndole los ojos a la posibilidad de trabajar simultáneamente en las diferencias musicales de ambas culturas musicales.

Mientras otros instrumentistas del oud se contentaron casi siempre con imitar las técnicas propias de la voz humana, Abou-Khalil quiso explorar nuevas formas de tocar su instrumento. Los críticos musicales comenzaron a verlo muy favorablemente debido a que su técnica estaba explorando al oud a semejanza de lo que desde siempre habían estado haciendo los guitarristas de jazz, mientras que, por otro lado, recreaba con sus baladas,la atmósfera poética de la cultura árabe, sin tener que recurrir al sonido tradicional del laud.

Rabih Abou-Khalil se ha afirmado firmemente en la vanguardia como compositor, así tambien como instrumentista. Aparte de ello, ha sido un músico que ha gustado de experimentar su música al lado de colegas de todos los ámbitos imaginables, desde experimentar con el Cuarteto de Cuerdas Kronos (también con el Cuarteto Balanescu) hasta un álbum con músicos portugueses, por mencionar sólo tres casos.

En el álbum que hoy les presento, lo encontramos al lado del afamado pianista alemán Joachim Kûhn, no menos inclinado por cierto a la experimentación y a la improvisación. Lo que superficialmente parecía ser solo el encuentro casual entre dos instrumentos opuestos y antagónicos se convierte en un encuentro de genios, de talentos de diferentes mundos musicales que nos brindan una propuesta unificada y novedosa. Siempre he dicho que los mestizajes musicales resultan muy gratificantes trayendo a nuestros oídos y a nuestro espíritu, nuevas sensaciones, nuevas impresiones, que a la final sólo pueden enriquecer nuestras vidas. Espero que les guste y que lo disfruten a plenitud.

PISTAS:

Shrewd Woman 03:41
Little Camels 02:50
Die Brücke 05:52
I'm Better Off Without You 11:16
Natwasheh And Kadwasheh 13:34
Mango 07:31
No Plastic Cups, Please 03:21
Sweet And Sour Milk 04:20

MUSICOS:

Rabih Abou-Khalil, oud
Joachim Kûhn, piano
Jarrod Cagwin, drums

LINK DE DESCARGA

CAPULLO DE JEREZ: Poderío (resubido)


Acá les ofrezco otro hermoso álbum de Capullo de Jerez.
Ya les conté AQUI algunas cosas sobre el noble desempeño vocal de este cantaor y sobre la predilección que tengo por su canto y su decir
Espero que lo disfruten.
Quiero dedicar esta entrada muy especialmente a Mara-bunta y a Nurya, que comparten mi pasión por el cante jondo

LINK DE DESCARGA

sábado, 10 de marzo de 2012

ABDULLAH IBRAHIM: African Suite for Trio & String Orchestra

Abdullah Ibrahim es el nombre musulman adoptado por Adolphe Johannes Brand, conocido en el mundo del jazz, como Dollar Brand. Fue apadrinado en el mundo del jazz por Duke Ellington, de quien puede considerarse discípulo y seguidor. No obstante ello, desarrolló su propia personalidad, manteniendose siempre en una posición adelantada, ecléctica e innovadora en su encantador lenguaje jazzístico.

Para serles francos, lo estoy comenzando a conocer recien ahora y me ha dejado maravillado con este hermosísimo álbum que mezcla el swing del trio jazzístico, con el clacisismo de una orquesta sinfónica de cuerdas. Me parece que ha logrado una síntesis incomparable de ambos "mundos" musicales. En éste y en muchos otros sentidos, pienso que este es un álbum realmente imprescindible.

Más sobre Abdulla Ibrahim en la Wikipedia

PARA MIS HERMANOS DE SONES

lunes, 5 de marzo de 2012

JIMENA POGLIANO: Tres Pistas ... y un video

Con orgullo les recomiendo otras tres hermosas piezas del repertorio de Jimema Pogliano, cantante y folklorista argentina
Chacarera del Tiempo
Pecado de juventud
Zamba del Arribeño ......
Y un inspirador video:

VISITA SU BLOG!!!    >>>>>     JIMENA POGLIANO

domingo, 4 de marzo de 2012

BOBBY MACFERRIN: The Voice

Siempre me ha parecido que la voz humana es el instrumento musical por antonomasia.

 Disfrútenlo

jueves, 1 de marzo de 2012

ALBERT MANGELSDORFF: Birds of underground (resubido)



Albert Mangelsdorff, es un compositor y trombonista alemán nacido en Frankfurt el 5 de septiembre de 1928 y fallecido en la misma ciudad el 25 de julio de 2005.

Albert comenzó a interesarse por el jazz en una época muy poco propicia: durante la dictadura de Hitler, que desarrolló una política muy represiva respecto a este tipo de música, por lo que las reuniones del Hot Club de su ciudad, se celebraban en la clandestinidad. Finalizada la Gran Guerra, deja la guitarra para pasarse definitivamente al trombón, fascinado por Bill Harris y J.J.Johnson. No obstante, su primer trabajo profesional en el jazz, con una big band de swing, será tocando la guitarra.

Trabaja con el saxofonista austriaco Hans Koller y, ocasionalmente, con Dizzy Gillespie (1953-1954). En 1958, tras tocar con Elvin Jones, viaja a Estados Unidos, invitado por George Wein al Festival de Jazz de Newport. Después, trabaja con Dusko Gojkovic y con sus propios grupos. Regresa repetidas veces a Newport en los años 60, para tocar con Lee Konitz, Joe Chambers, Art Blakey o John Lewis, con quien graba.

Va de gira y graba con la Kenny Clarke-Francy Boland Big Band y con músicos como Don Cherry o Attila Zoller, integrándose en 1969 en la`Globe Unity Orchestra de Alexander von Schlippenbach. En 1972, animado por el crítico y productor Joachim E. Berendt, realiza una serie de conciertos de trombón solo, con una técnica multifónica desarrollada por él mismo y que le permitía emitir, en un solo trombón dos y más notas simultaneamente.

En los años 70 y 80, toca con John Surman, Palle Danielsson, Jaco Pastorius, Kenny Wheeler y, con regularidad, Michel Portal. Mantuvo sus grupos y colaboraciones hasta su fallecimiento.
Mangelsdorff se caracteriza fundamentalmente por su maestría en el conocimiento de los elementos del jazz y un rigor técnico, aliado con una exigente búsqueda de la expresión libre. Su técnica multifónica, tocando una nota y cantando otra distinta a la vez, lo que genera armónicos intermedios entre ambas, le dio un sonido característico.
Aqui les brindo estos "Pajaros del subsuelo"... Espero lo disfruten
(Fuente: Wikipedia)

PERSONAL EN ESTE ALBUM:
Albert Mangelsdorff: trombón
Heinz Sauer: saxos tenor y alto
Gerd Dudek: Flauta y saxos tenor y soprano
Buschi Niebergall: Bajo
Peter Giger: batería

LISTA DE PISTAS:
01 - Wobbling Notes and fluted crackle 14:18
02 – Grive musicienne 5:42
03 – Birds of underground 11:37
04 – Xenobiosis 11:42

Mis favoritas: pistas 1 y 3

LINK DE DESCARGA

RADIO TARIFA: Rumba argelina (resubido)


Creo que tengo dicho por alli en una de esas entradas que una de mis cosas favoritas, en Música, son lo que yo llamaría "mestizajes" musicales, es decir, la mezcla bien elaborada de músicas de diferentes índoles y nacionalidades. Algo de eso es lo que aprecio en el grupo español "Radio Tarifa": ellos mezclan flamenco, jazz, música étnica, latina, medieval, en una maravillosa y "sabrosa" síntesis. Este es su primer trabajo grabado (hasta ahora, segun creo, han producido media docena de álbumes)y me parece toda una delicia. Espero que lo disfruten tanto como yo.
LINK DE DESCARGA

DIEGO AMADOR: Piano Jondo (resubido)


Diego Amador, llamado “El Churri “ (Sevilla, 1973), es multi-instrumentista, cantante y compositor. Hermano menor de Raimundo y Rafael, fundadores de “Pata Negra” , comenzó su carrera profesional colaborando con ellos, pero también se deja oír con Potito, Pedro Sierra, La Susi y otros. Creó un cuarteto llamado Patita Negra que no llegó a durar un año (1994). Su verdadera carrera estaba en solitario. 'El aire de lo puro' (2001) muestra un estilo como compositor y cantante, del que se retracta en 'Piano jondo' (2003), "el disco de piano que siempre quise hacer", en palabras de Diego. Este último álbum redescubre a Diego Amador como un músico maduro, en el que la convivencia entre con jazz y el flamenco más rancios crea un estilo muy especial, que rompe muchos moldes . Como músico polifacético que es, forma parte de la banda de Tomatito, con el bajo eléctrico y la mandola.
Diego es músico las veinticuatro horas del día y un perfeccionista que se encuentra mejor en el estudio de su casa que en cualquier otro lugar. El futuro de Diego, según se cuenta, se decidió el día en que su padre apareció en casa trayendo un viejo órgano Hammond. Diego no lo dudó un instante, se sentó en el taburete, acarició el teclado y se puso a tocar ... por bulerías. Luego llegaron sus comienzos como profesional acompañando a sus hermanos, la Susi, Tomatito, el guitarrista argentino Luis Salinas, etc. Su primer disco -el muy apreciable "Patita Negra", producido por Ricardo Pachón- ya denota su pasión precoz por el jazz
Con todo, lo cierto es que Diego Amador es puro flamenco y es a esta música incomparable a la que hizo juramento de fidelidad eterna sobre el altar del Arte. Nada hay de casual en su trabajo que persigue el objetivo de tantos músicos jóvenes en los últimos tiempos: convertir el cante y el toque de los gitanos andaluces en la gran música flamenca universal. Churri está entre los músicos mejor dotados de su generación para provocar un salto cualitativo en esa evolución y esa tendencia que parece inevitable. Hoy día hay una nueva generación de músicos flamencos capaces de resolver con toda naturalidad el dilema que enfrenta a la tradición con la innovación. Diego Amador es tal vez el más brillante de todos ellos, un pianista totalmente autodidacta que embruja con sus invenciones.
En “Piano Jondo” (2003) Diego Amador se centra totalmente en el piano, en un estilo libre y personal pero totalmente flamenco. Se dejan notar los conceptos del jazz y otras músicas en una grabación directa llena de creatividad y vivacidad. Al igual que sus hermanos, Raimundo y Rafael, el virtuosismo instrumental proviene de la tradición autodidacta y familiar.

INTERPRETES:
Diego Amador: piano, guitarras, mandola, voz y palmas.
Miguel Vargas: contrabajo.
Luis Amador: cajón y percusión.
Joaquín Grilo: baile, palmas y jaleos.

CONTENIDO:
Soleá del Churri (Soleá)
Pa los viejitos (Taranta)
Comparito (Bulerías)
Quiero olvidarte (Soleá)
A mi tío Diego (Rondeña)
¡Vivan los gitanos! (Bulerías)
Seguiriya de pildorilla (Seguiriya)
El llanto de la lluvia (Tanguillos)
Continuum (por Tangos).
Les invito a disfrutar esta exquisitez

Para descargar “piano Jondo” haz click AQUÍ


ALGUNAS FRASES DE DIEGO AMADOR en entrevista (2001) que podrás leer completa AQUI:

“El flamenco está un poquito confundido hoy con esto de los grupos jóvenes. A veces voy a un sitio a tomar una copa y vuelvo con el oído roto. Hay mucha ojana. Está bien que se dé a conocer el flamenco, pero no lo podemos confundir con el flamenquito. Para hablar de flamenco hay que lavarse la boca”
“Mis ídolos….Sobre todo tres: Camarón, Jaco Pastorius y Miles Davis. Luego están Juan Talega, El Borrico, Mairena, Vallejo... A ellos nunca dejaré de escucharlos, porque son la raíz de esto”
“Paco de Lucía, como Camarón, es para mí el espejo donde mirarme. Para hablar de Paco no hay palabras. El que no escuche a Paco de Lucía es que es tonto, con perdón, no tiene cultura musical, no tiene nada. Es que cuando hablo de él me pongo nervioso. Yo he rayado discos de Camarón y de Paco de tanto escucharlos”

DMITRI SHOSTAKOVICH: Sinfonía # 5 (resubido)



Dmitri Shostakovich ha llegado a constituirse en una figura  controversial. Tanto los melómanos de todo el mundo, como  los propios músicos asumen ante su obra posiciones muy encontradas, aunque tanto unos como otros no dejan de reconocer en él a  uno de los más destacados compositores soviéticos contemporaneos

Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (en ruso: Дмитрий Дмитриевич Шостакович) (San Petersburgo, 25 de septiembre de 1906 – Moscú, 9 de agosto de 1975) fue un compositor ruso que vivió durante el período soviético, y uno de los más reconocidos compositores del siglo XX. Shostakovich obtuvo fama en la Unión Soviética bajo el patrocinio del jefe de León Trotsky de personal, Mijail Tujachevski. Pero después tuvo una relación difícil con la burocracia del Estalinismo (tuvo relaciones difíciles con el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS)). El Partido Comunista denunció públicamente su música en 1936 y en 1948, con esto temporalmente fue convirtiéndose en prohibida. A pesar de ello, con el paso del tiempo recibió halagos por su música dentro de la URSS e incluso reconocimientos del Estado. A pesar de la controversia, su trabajo fue popular y bien recibido.

Sin embargo, en público se mostró leal con el sistema soviético, aceptó el carnet del PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. Su actitud frente al gobierno estalinista y el Estado soviético ha sido tema de agrias polémicas políticas y musicales y se ha discutido enconadamente si Shostakovich fue o no un disidente clandestino frente a la URSS.

Tras un período de influencia por Prokofiev y Stravinsky, desarrolló un estilo híbrido, como lo ejemplifica la ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934), que posteriormente derivó hacia un romanticismo musical tardío. La influencia de Mahler se combina con la de la tradición musical rusa, con Mussorgsky y Stravinsky como referentes importantes. Shostakovich integró todas esas influencias creando un estilo muy personal. La música de Shostakóvich suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos , con un componente rítmico muy destacado. En su obra destacan sus ciclos de quince sinfonías y seis conciertos; entre la música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet. (Wikipedia)

En muchos sentidos, esta Quinta Sinfonía viene a ser, por decirlo así su primer intento por congraciarse de alguna manera con las autoridades soviéticas, toda vez que el régimen stalinista llegó a considerar su obra como "decadente" y "aburguesada". Lo cierto es que su desarrollo estilístico anterior tenía visos de gran innovación y personalidad, pero a partir de éste momento (Quinta Sinfonía) los ataques de la crítica soviética más decidida e intrasigente, dispuesta a condenar todo lo que no podía ser comprendido sin esfuerzo por las masas, desenbocaron en un debilitamiento del ímpetu vanguardístico del compositor, induciéndolo a adoptar esquemas y modalidades más habituales.

Pero el genio es genio póngasele donde se le ponga, de manera que, aunque segun la opinión de casi todos los críticos la música del maestro perdió mucho de su vitalidad e innovación, logicamente, siguió teniendo la marca de su gran talento de orquestador y creador. Ello explica, por ejemplo, la gran popularidad de la que siempre ha disfrutado esta Quinta Sinfonía, una de mis favoritas del repertorio sinfónico contemporaneo. Acá se las dejo para que la disfruten en la interpretación de la National Symphony Orchestra, bajo la batuta del maestro Mstislav Rostropovich

Pienso que Shostakovich es uno de esos artistas ante cuya obra es difícil permanecer indiferentes. Les recomiendo que sigan el vínculo de más arriba a la Wikipedia, para que amplien (o refresquen, segun el caso) un poco más  su conocimiento del hombre y el músico

LINK DE DESCARGA

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

V.A.: American Yodeling (1911-1946) (resubido)


El "yodel" no es propiamente un género musical, como decir "blues" o "jazz", "country",etc, no. El yodel constituye, más bien, un estilo de canto, una forma de cantar caracterizada por el hecho de hacer un uso "desentonado" de la voz, o mejor: entre lo entonado y lo desentonado, pasando por el falsete.

Esta técnica vocal se haya extendida por todo el mundo en diferentes épocas y lugares, desde los paises alpinos hasta los pigmeos en Africa. Y, por supuesto, en Norteamérica, donde lo usan los cantantes tanto del blues, como de country y folk en general.

La presente compilación nos presenta una selección variadísima de cantantes de "yodel" que les dará un panorama bastante completo de lo que este estilo de cantar ha representado en Norteamérica. Espero que sea de su agrado.

Más información sobre el "yodel" en La Wikipedia

TRACKLIST:
Yodelin' Mountaineer (J.E. Mainer's Mountaineers) 02:53
Gonna Quit My Rowdy Ways (Callahan Brothers) 03:13
The Arizona Yodeler (The DeZurik Sisters) 02:27
My Clinch Mountain Home (The Carter Family) 03:19
The Devil's Great Grandson (The Sons Of The Pioneers) 03:02
Cowboy Night Herd Song (Roy Rogers) 03:04
Worried Devil Blues (Tampa Red) 03:25
Will There Be Any Yodelers In Heaven? 02:42
the nasty swing 03:23
Yodeling Mule 03:00
Lost lover blues 03:28
the yodelin' teacher 02:59
Lonesome yodel blues 02:41
La Valse De Marriage 03:06
Lovesick Blues 03:08
I Wanna Be A Cowboy's Sweetheart 02:43
Rockin'Yodel 03:01
mule skinner blues 02:41
rockin' yodel 02:59
yodeling fiddling blues 03:10
standin' on the corner (blue yodel #9) 02:43
Sauerkraut (Riley Puckett) 03:09
Yodeling Radio Joe (Rambling Rod Foley) 03:10
Blue Yodel No. 1 (Bob Wills & His Texas Playboys) 02:25
You Gotta To Go To Work (Rex Griffin) 02:26
Sleep, Baby, Sleep (George P. Watson) 02:53

DESCARGAR

GENTIL MONTAÑA: Suites colombianas (resubido)


     "Gentil Montaña (Guitarrista y compositor colombiano) Nació en Ibagué, 24 de noviembre de 1942.

Su verdadero nombre es Julio Gentil Albarracín Montaña. Inició sus estudios en el Conservatorio de Ibagué, a la edad de 7 años. Su primer instrumento fue el violín pero a la edad de 13 años se dedicó a la guitarra.

Fueron sus profesores : Domingo González, y Daniel Baquero M. Realizó sus estudios de armonía con Juan Carruba. A la edad de diecinueve años comenzó su carrera como concertista, llevando a cabo su primer recital en el Teatro Lido de Medellín; desde entonces se destaca como el precursor de la Guitarra clásica en Colombia. En Europa adelantó estudios de música contemporánea con Kakleen Keinell., y posteriormente se especializó en instrumentación con los maestros Blas E. Atehortúa y Gustavo Yepes.

Participó en el primer concurso mundial de guitarra Alirio Díaz efectuado en la ciudad de Caracas en 1975, donde obtuvo el tercer premio. Allí fue como guitarrista autodidácta ya que en Colombia para la época no existía aún una catedra de guitarra. En 1994 y en el 2002, este mismo concurso invitó al maestro a participar como jurado e interprete.

Ha sido solista con las orquestas Filarmónica de Bogotá, Sinfónica de Colombia, Sinfónica de Antioquia, Colegium Musicum, Cámara de Colombia, del Conservatorio entre otras. Ha realizado conciertos con gran éxito, en las principales salas de Colombia y del mundo: España, Francia, Alemania, Suiza, Grecia, Italia, Venezuela, Chile, Uruguay, Paraguay, Argentina, Cuba, Costa Rica, Ecuador, Estados Unidos e Inglaterra.

Fue profesor en la Academia Luis A. Calvo, en los períodos 1966 - 1972, y desde 1983 hasta el año 2001. Ha enseñado además en la Universidad Pedagógica Nacional desde 1985 hasta 1996, y en el Conservatorio de la Música de la Universidad Nacional en 1991. Ha participado como jurado en concursos de guitarra en Colombia y en el exterior; Primer Concurso Iberoamericano de Guitarra, auspiciado por la Fundación Arte de la Música y la Móbil, "Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz ", en el Concurso Nacional de Interpretación Musical Anselmo Durán Plazas, en el Festival del Pasillo Colombiano y el "Colono de Oro" en Florencia, Festival "Principes de la canción" en Ibagué. Fue ganador de una beca de Colcutura en la modalidad de composición.

Ha grabado siete discos como solista de la guitarra, destacándose los que hizo con la Orquesta Filarmónica de Bogotá en honor a los Reyes de España, con música de la independencia de Carmen Caycedo, y otro en Francia, para el sello Carré, con obras homenaje a Agustín Barrios Mangore. Su producción discográfica incluye además fonogramas para Discos Zeida en 1964 y 1965, un CD grabado en 1967, y fonogramas para Discos Bambuco.

Recientemente fue invitado a dirigir un Master Class en el Conservatorio Superior de Música de Paris y en la Universidad Charles Darwin en Australia.

Además de su gran éxito como intérprete, Gentil Montaña es un reconocido compositor, campo en el que se le considera destacado junto con grandes virtuosos y compositores latinoamericanos como Agustín Barrios-Mangoré, Heitor Villa-Lobos, Antonio Lauro, Leo Brouwer y Manuel Ponce" (Wikipedia)

Disfruten los dulces, frescos, sinceros y sabrosos sonidos de la guitarra de Gentil Montaña y sus cuatro Suites Colombianas
NOTA: La carátula que se muestra no corresponde al album acá posteado; sólo tiene carácter referencial


Suite Colombiana Nº 1: 
Danza,
Canción,
Guabina
Pasillo.

Suite Colombiana Nº 2:
Pasillo,
Guabina,
Bambuco
Porro

Suite Colombiana  Nº 3:
Pasillo,
Guabina,
Danza,
Bambuco

Suite Colombiana Nº 4:
Pasillo,
Danza,
Bambuco,
Porro.

LINK DE DESCARGA

V.A.: Train 45 (resubido)


Hoy día los trenes han dejado de tener la importancia que en otros tiempos tuvieron. Sinembargo en lo que tiene que ver con la era que va desde mediados del siglo XIX hasta las primeras décadas del siglo XX, los trenes eran la vida misma de Norteamérica. Por esa razón todo lo relacionado con los trenes y ferrocarriles llegó a ser tema de inspiración para millares de músicos de toda categoría durante todo ese tiempo.

Es facil entenderlo, no sólo por la  importancia de ese medio de transporte durante la época señalada, sino tambien por el hecho de que el tren de por sí facilmente llega a constituirse en  una fuente inagotable de inspiración y de rebuscadas metáforas para músicos de todo género, desde el blues y el gospel hasta el folk, country y bluegrass.

Lo interesante de esta compilación es que recoge  más de una veintena de temas inspirados en los trenes y todo lo relacinado con ellos. Canciones de varios géneros interpretadas por toda una pléyade de artistas que van desde bluesmen y songsters, hasta simples presidiarios

Ya saben ustedes el gusto y el re-gusto que tengo por la música añeja (la "vintage music") de manera que  estoy seguro de que nadie  se extrañará al saber (y yo no tengo reparos en confesarles) que esta preciosa colección de antiquísimos temas es lo que bien podría llamar uno de mis  "discos de cabecera"

TRACKLIST:
Andrew and Jim Baxter K. C. Railroad Blues
Arizona Wranglers Wreck of the 97
Captain Appleblossom Time Table Blues
Convicts of Bellwood Prison Camp, Atlanta, GA The Longest Train
Convicts of Cummins Farm, Gould, AR Rock Island Line
Crowder Brothers Depot Blues
Curly Fox Wreck of the 1256
G. B. Grayson and Henry Whitter He is Coming to Us Dead
G.B. Grayson and Henry Whitter Red and Green Signal Lights
Gene McNulty The Lightning Express
George Edgin Pine Knot Cannonball
Golden Gate Jubilee Quartet Golden Gate Gospel Train
Harry McClintock Jerry, Go Ile That Car
Home and Jethro Poor Little Liza, Poor Girl
Jerry and Sky Orange Blossom Special
Joe 'Cannonball' Lewis Train Whistle Nightmare
Jolly Two Railroad Stomp
Lew Childre Riding the Elevated Train
Lullaby Larkers True and Trembling Brakeman
Palmer McAbee McAbee's Railroad Piece
Pullman Porters Quartette Pullman Passenger Train
Sam McGee Railroad Blues
Steve Ledofrd, Wade Mainer, And Zeke Morris Riding on That Train 45
T. C. I. Section Crew Section Gang Song
Uncle Dave Macon Death of John Henry
Wade Mainer and Sons of the Mountaineers Old Ruben

DESCARGAR