domingo, 29 de mayo de 2011

FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 3


UNA EXCELENTE MANERA DE INICIARTE EN EL FASCINANTE MUNDO DE LA MÚSICA ACADEMICA - DESCARGA LA SERIE COMPLETA Y DISFRÚTALA 

La carátula mostrada arriba es sólo referencial y corresponde a la edición original en vinilo.
El juego completo de las carátulas correspondientes se pueden descargar desde AQUI


LISTA DE PISTAS DEL VOLUMEN 3:

Danza eslava  # 1            Dvorak        04:16
Preludio al Acto III de La Traviata    Verdi        04:48
Marcha Militar Op51 # 1            Schubert    03:10
Minueto                    Boccherini    02:53
Pizzicato de Sylvia            Delibes        01:39
Sueño de Amor                Liszt        05:22
Las ninas de Cadiz            Delibes        02:20
Plaisir d'amour                Martini        04:19
Aragonesa de Carmen            Bizet        02:23
Solo un corazon solitario        Tachaikovsky    03:54
Danza del sable de Gayaneh        Khachaturian    02:22
El vuelo del moscardon            Rimski Korsakov    01:23
Marcha de Escenas caucasianas        Ippolitov Ivanov03:49
Golliwog's cakewalk            Debussy        03:08
Minueto del Divertimento # 17        Mozart        04:11


LINK DE DESCARGA

domingo, 22 de mayo de 2011

FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 2


UNA EXCELENTE MANERA DE INICIARTE EN EL FASCINANTE MUNDO DE LA MÚSICA ACADEMICA - DESCARGA LA SERIE COMPLETA Y DISFRÚTALA

La carátula mostrada arriba es sólo referencial y corresponde a la edición original en vinilo.
El juego completo de las carátulas correspondientes se pueden descargar desde AQUI


LISTA DE PISTAS DEL VOL 2:

Danza # 1 de La Vida breve          Falla              03:22
Claro de Luna de Werther               Massenet       03:50
Movimiento perpetuo                     Paganini         02:16
Vals Triste                                      Sibelius          05:16
Ave Maria                                      Schubert        04:51
Rapsodia hungara # 2                     Liszt              11:24
Intermedio de Goyescas                 Granados       04:27
Farandola de La Arlesiana              Bizet              03:24
Marcha Turca K331                      Mozart           02:53
Nocturno # 2 Op 9                        Chopin           05:14
Vals # 6 Op 64 Del Minuto            Chopin           01:58
Vals de La Bella Durmiente            Tchaikovsky    04:24
Danza del Fuego de Amor Brujo    Falla               04:00
Marcha  de las Tres Naranjas        Prokofiev        01:37
Claro de Luna                               Debussy          04:16

LINK DE DESCARGA

domingo, 15 de mayo de 2011

FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 1


UNA EXCELENTE MANERA DE INICIARTE EN EL FASCINANTE MUNDO DE LA MÚSICA ACADEMICA - DESCARGA LA SERIE COMPLETA Y DISFRÚTALA

Con esta entrada iniciamos la prometida publicación de una serie dedicada a la popularización de lo que ha dado en llamarse desde hace muchísimo tiempo "Música Clásica", género que de hecho ha recibido otras muchas denominaciones, tales como música culta o música académica.

Se trata de la colección "Páginas Célebres" por Franck Pourcel y su orquesta. En nuestro post anterior hemos explicado nuestra posición en cuanto a este asunto de "poner la música clásica al alcance de un público no iniciado".

Una consideración previa: Las carátulas (o portadas) que usaré no son las que se corresponden con el CD posteado, siendo más bien el arte que se utilizó en la edición inicial en vinilo; lo he hecho así, no sólo por razones de nostágico cariño, sino porque, además, considero que éstas  portadas son, definitivamente, más hermosas. En todo caso, podrán descargar DESDE ACA  el conjunto de las carátulas de la edición en CD. Sólo me resta, pues, presentar a ustedes al encargado, en esta oportunidad, de hacer asequible a un público ampliado, lo más destacado de la Música clásica, el señor Franck Pourcel.


Franck  Pourcel nació el 14 de agosto de 1913 en Marsella, Francia. Es principalmente conocido por dos cosas:

- sus arreglos sobre los éxitos musicales de su tiempo
- la música clásica.

Despues de disfrutar de un merecido prestigio como acompañante de los más conocidos cantantes populares, tales como Charles Aznavour e Ives Montand, por mencionar sólo dos de ellos,quiso popularizar la música clásica para hacerla más accesible a un público mayor. Es ahí cuando da inicio a la serie ” Páginas Célebres ” seguida por “Clásicos en Digital “. Inmediatamente, sus ventas se convirtieron en #1 en la sección clásica del sello EMI, superando a las de Karajan o Georges Prêtre.   Pourcel murió el 12 de noviembre del 2002, en Neuilly-sur-Seine, Francia, aquejado de la enfermedad de Parkinson. Michel Drucker dijo de él:

 “En el mundo extraño del show business donde se pueden encontrar muchos valores falsos y comerciantes de molino de viento que circulan y se agitan con aplomo y que me dejan a veces pensativo, hay un hombre distinguido cuyo físico se parece a uno que se encuentra en la Escuela Nacional de Administración que a uno que se encuentra en los corredores de un Music Hall: Franck Pourcel es la discreción y la modestia. Sin alboroto y sin ruido, este hombre callado, con silueta de hombre joven, ha vendido más discos que la mayoría de los artistas franceses reunidos. Su carrera es mundial: desde “Limelight” y ” Blue Tango “, al himno de “Concorde “, pasando por “Only you “, es el primer director de orquesta francés en haber tenido éxito en los EE.UU. “.

 Vale la pena señalar que el señor Pourcel ha realizado en esta serie "Pages Celebres" versiones que, no por su carácter vulgarizador, desmerecen en lo más mínimo la dignidad de las partituras originales. En adelante estaré publicando los otros 7 álbumes, limitándome en los posteriores posteos a incluir la lista de las pistas.

Espero que lo disfruten

Y, por favor, apreciaré sus valiosos comentarios

LISTA DE PISTAS DEL VOL 1:
Tchaikovsky    Vals de las Flores                05:44
Rubinstein        Melodia en Fa                    03:44
Wieniawsky    Obertura Mazurca               02:22
Toselli             Serenata                              02:49
Schumann      Traumerel (Ensuenyo)           03:42
Monti            Czardas                                 04:14
Saint Saens    El Cisne de Carnaval de los animales    03:24
Ganne            La Zarina                              03:25
Massenet       Meditacion de Thais              05:44
Addinsell       Concierto de Varsovia            08:59
Schubert       Serenata                                 04:22
Gounod        Vals de Fausto                        05:28
Brahms        Vals                                         02:21

LINK DE DESCARGA

sábado, 14 de mayo de 2011

REFLEXION: Popularizar la música "clásica"



Ante todo... las comillas en el título de esta entrada.... ellas vienen dadas por el hecho de que el término "clásico" suele tener varias acepciones. Genericamente se refiere (segun el Diccionario de la RALE)  a "el autor o la obra que se tiene por modelo digno de imitación en cualquier literatura o arte"  ¡¡Me gusta esa definicion!! ...principalmente por su amplitud... Según ella el término no es limitativo, sino abarcador. En el plano de la música, por ejemplo, cualquier obra que por sus valores intrínsecos se pueda tener por "modelo digno de imitación" sería una obra clásica, no importa su origen, complejidad o género. En ese sentido podría considerarse, por ejemplo, que un tango cantado por Gardel (sólo por mencionar un nombre eminente en ese género) o una canción en la voz de Edith Piaf, o un raga interpretado por Ravi Shankar... deberían considerarse, con todo derecho, obras clásicas.

Por supuesto, en la práctica, cuando hablamos de música clásica, por lo general nos estamos ubicando en una posición muy alejada de esta acepción amplia del término: en nuestro caso nos estamos refiriendo, más bien, a cierto tipo o categoría de música con unas características bien definidas. Por ejemplo, la música clásica está hecha, casi en la generalidad de los casos, exclusivamente para ser oída, a diferencia de otras músicas que suelen estar adjuntas a algunas formas de entretenimiento,  con un caracter eminentemente utilitario. Los conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté en silencio para evitar distraer al músico y a los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de respeto para con la música y el público; y tampoco interactúan directamente o bromean con el público, como suele ocurrir en otro tipo de "performance". Estas son características, si a ver vamos, secundarias, porque existen otras de naturaleza más sutil, como por ejemplo, la clase de instrumentos que se utilizan, el hecho de poseer una tradición musical escrita, el tener un desarrollo estilístico e histórico muy marcado (por cierto, el jazz comparte con la música clásica esta última característica), la peculiar dicotomía notación-interpretación, en fín... la música clásica... o culta... o académica, se distingue muy bien, al menos en principio, del resto de las categorías o géneros de musicas.

Con frecuencia ocurre que, muy lamentablemente por cierto, esa singularidad propia de la música "clásica" deviene en una brecha muy marcada con relación al público melómano. ¡¡No debería ser!!     ¿Merced a qué prodigio esta música debe gustar sólo  a un público selecto mientras tenga que "dejar sin cuidado" a una mayoría? ¿Es que se requiere algun tipo de preparación muy sofisticada para llegar a esas cumbres? ¿Es que en esencia constituye una música para el deleite exclusivo de una élite "iluminada"?..... No lo creo así: ¡¡¡Definitivamente no!!! Cierto, no hay duda de que se requiere algun tipo de preparación; pero ésta es de tal categoría que está al alcance de cualquier oído apreciativo y atento, Yo diría que se hace necesario que de alguna manera la música clásica nos haga, por decirlo así, "una invitación": "Ven, acércate y escucha, por favor, ¡Inténtalo!"

Algo así como esta invitación es la que se logra gracias al talento y el espíritu generoso de muchos músicos que quieren romper esos paradigmas segun los cuales la música clásica es para las élites, y que por ello se esfuerzan por seleccionar del repertorio clásico, lo que, en principio, se presta mejor para "tocar" de alguna manera la sensibilidad escondida, el corazón apreciativo, que todos llevamos dentro y que es necesario despertar, por la música culta, académica... o "clásica"   Ya hemos presentado algunos ejemplos en este blog: Las adaptaciones de Stokowski de alguna música de Wagner y Mussorgsky. Y estos no son casos aislados. Músicos de una formación académica tan dilatada, solvente y reconocida como, por ejemplo, Daniel Baremboin, siguen clamando por la necesidad de un acercamiento de la música académica al gran público. Se podría decir (y este servidor está plenamente convencido de ello) que el disfrute de la "gran música" es un derecho inherente a todo ser humano  ¡¡por el solo hecho de serlo!!.

Las anteriores consideraciones vienen a cuento en razón de que, a partir de esta semana estaré publicando, uno a uno, los 8 volúmenes de una famosa colección que, en su momento, hace ya unas cuantas décadas, tuvo como propósito, precisamente, dar a conocer al gran público, las "joyas escondidas" (escondidas al menos para algunos) del repertorio clásico.

Por ahora no les cuento nada más, que ya a estas alturas estarán ustedes aburridos de mi larga perorata de hoy

¡¡Mañana "nos vemos"!!

sábado, 9 de abril de 2011

V.A. : World of Gypsies - Selección afterbach


Ayer se celebró el día mundial de los gitanos. Es una buena ocasión para acercarnos un poco a esta cultura.

Desde luego, lejos está de nuestro propósito el ahondar en una materia que, para empezar, escapa a los dominios de mis capacidades. Si el lector quiere ampliar sus conocimientos al respecto hay muchísimo material en las bibliotecas y, por supuesto, tambien en la web.

Una cosa es cierta: Los gitanos han constituído siempre un tema para el debate, la mitificación y la imaginación popular. Otro hecho incontrovertible es que ellos poseen toda una cultura en la cual el Arte ocupa un lugar prominente. En particular el Arte de los Sonidos, la Música, ha contado (y sigue contando) con cultores de elevadísima calidad. El album que hoy les ofrezco es una prueba contundente de ello.

Esta es una compilación hecha por este servidor en base a la edición original, la cual consta de tres cds. Posteriormente y en entregas sucesivas postearé cada uno de esos tres álbumes. No obstante ello, no resistí la tentación de prepararles una selección (MI selección) de lo que en especial me impactó en esta colección.

Aclaro: toda la colección es preciosa; pero como todos son gustos en este mundo y de gustos no se discute, tuve la idea de prepararles un abreboca. Si a alguien le gusta todo lo que he recomendado, puede, en las entregas siguientes descargar los tres álbumes originales; en el caso contrario, no tendrá que descargar más nada y ¡todos contentos!

Las músicas acá reunidas, aunque tienen el denominador comun de haber sido hecha por gitanos, en realidad presentan un amplio manojo de "tonalidades de color", desde lo más popular y étnico, hasta lo más refinado, elevándose a las cimas de lo académico. Y en lo que tiene que ver con la nacionalidades, encontramos acá músicas desde Rusia hasta España, pasando por Egipto y Rumania. ¡Todo un viaje por la cultura musical gitana!

Espero les guste y lo disfruten

LISTA DE PISTAS:
01. E. Redzepov & S. Teodosievski (Macedonia)
Hajri Ma Te Dike
02. Kanizsa Csillagai (Hungary)
Fa Nye Mama
03. Saban Bajramovic (Serbia)
Peno
04. Talisman (Russia)
Gypsy Soul
05. Fanfare Din Cozmesti (Romania)
Cantecul Miresei (Bride's Song)
06. Taufiq Qureshi (Rajasthan)
Campfire
07. Musafir (Rajasthan)
Ninderli (Come To Sleep Near Me, My Beloved
08. Titi Winterstein Quintett (Germany)
Hunn, O Pani Naschella
09. Hala Mahmoud & Gypsies Of The Nile (Egypt)
I Blame The Days For His Absence ...
10. Bireli Lagrene (France)
Blues For Ike
11. Ibro Lolov & His Gypsy Orchestra (Bulgaria)
Sofiysky Kjuchek
12. Kocani Orkestrar (Macedonia)
Nikol
13. Hansch'che Weiss Ensemble (Sinti, Germany)
280 SE
14. E. Redzepova & S. Teodosievski (Macedonia)
Ciganka Je Malena
15. Kalman Balogh (Hungary)
Bulgar Cigany Horo
LINK DE DESCARGA

domingo, 3 de abril de 2011

BLOOD, SWEAT & TEARS: Greatest Hits

"Blood, Sweat & Tears (también conocidos como BS&T) es una banda de rock, fundada en 1967 en Nueva York (Estados Unidos), que se convirtió en el principal icono del llamado Jazz Rock, fusionando rock, blues, pop y jazz a través de arreglos complejos, concebidos para una sección rítmica clásica y una sección de instrumentos de viento, creando una peculiar forma de R&B y soul. Junto con el grupo Chicago, conforman la cabeza más visible de lo que el musicólogo Joachim E. Berendt llamó las Big Bands de Rock

El pianista y organista Al Kooper, que había estado en sesiones históricas con Bob Dylan, Jimi Hendrix o los mismos Rolling Stones, y que por entonces estaba enrolado en una banda de rock denominada The Blues Project, fue el impulsor del grupo, cuyo nombre tomó de un disco, de 1963, del cantante de country, Johnny Cash que, a su vez, lo recogió de la famosa expresión de Winston Churchill. El grupo, al que se incorporaron su compañero de banda, el guitarrista Steve Katz, y el bajista Jim Fielder, un veterano que había estado en grupos como Buffalo Springfield o The Mothers Of Invention de Frank Zappa, se concibió con una estructura derivada de las bandas de soul de los sesenta, con una base rítmica clásica (guitarra, teclados, bajo y batería) y una potente sección de metales (dos trompetas, trombón y saxo), y con un bagaje musical que incluía, por supuesto, rock y blues, pero también psicodelia, pop, jazz y soul.

Las dudas de la banda, y de la compañía de discos, respecto a la capacidad de Kooper como cantante (se había hecho cargo de la voz en el primer disco) y algunas divergencias conceptuales, le decidieron a dejar la banda. Con él, se fueron Brecker y Weiss, cada uno a sus proyectos. BS&T recurrieron a Laura Nyro para cubrir su puesto, y realizaron un par de actuaciones de prueba, aunque tras ellas, la cantante decidió no arriesgarse. Tras realizar gestiones infructuosas en la Motown (Stevie Wonder), Fielder tanteó a su antiguo compañero de banda, Stephen Stills, que finalmente no aceptó. Fue Katz quien propuso, entonces, al canadiense David Clayton-Thomas para hacerse cargo de la voz. Se incorporaron, además, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield, así como el trombonista Jerry Hyman, ya que Halligan se dedicó a los teclados para cubrir la baja de Kooper.

Con esta formación, publicaron su disco más exitoso, Blood, Sweat & Tears (1969), que incluyó verdaderos hits como Spinning Wheel o And when I die, aparte de auténticas joyas, como la versión de God bless the Child, el tema clásico de la cantante de jazz Billie Holiday. En estas grabaciones se plasma de forma clara y brillante el concepto musical que animó al grupo: Bases potentes, arreglos poderosos para los metales, improvisaciones de corte claramente jazzístico y, por encima, una voz carismática e identificable. BS&T fue una de las bandas que actuó en el mítico Festival de Woodstock. El disco llegó al nº 1 en álbums, y obtuvo el Grammy al mejor disco r&b del año, y ello a pesar de lo ambicioso de la propuesta, incluso para los cánones de la época.

Los siguientes discos, Blood, Sweat & Tears 3 (1970), que también llegó al nº1 de Billboard 200, y B.S. & T. 4 (1971), que alcanzó un aceptable nº 10, abundaron en la fórmula, dejando algunos temas de muy alto nivel, como Hi de Ho, uno de sus grandes éxitos de ventas, compuesta para ellos por Carole King, He's a Runner (de la cantautora Laura Nyro), Symphony for the Devil / Simpathy for the Devil, una versión oscura y reflexiva del tema de los Rolling Stones, la sutil John the Baptist, o el espectacular solo de trombón que conforma Redemption, ejecutado por Dave Bargeron, quien había sustituido, unos meses antes de la grabación, a Hyman. Cuentan también con la colaboración del clarinetista Don Heckman. En 1970, el grupo había participado en la banda sonora de la película The Owl and the Pussycat, que se editó en disco en Estados Unidos, en diciembre de ese año, y que apenas logró situarse en el puesto 186 de los charts. Nunca llegó a publicarse en España.

En esta época, BS&T estaban unánimemente valorados, sus conciertos recibían buenas críticas, se situaban en los puestos altos de los polls de la revista de jazz Down Beat y sus temas se encaramaban a las primeras posiciones de ventas de Billboard. Algunos de sus miembros, también consiguieron nominaciones como instrumentistas en los polls y adquirieron bastante prestigio. Su imagen, no obstante, había sufrido un golpe con la gira que se vieron obligados a hacer por los paises del Este, de la mano del Departamento de Estado, como contrapartida a la legalización de la situación laboral de Clayton-Thomas. Además, la banda comenzó a acusar las tensiones internas entre las distintas corrientes que albergaba: La comercial y con tendencia al «estilo Las Vegas», que siempre acompañó a Clayton-Thomas; la jazzística, que dominaba entre los metales y Colomby; y la más tradicionalmente rockera, de Katz y Fielder, lo que hizo que su siguiente disco se retrasara tanto como para que Columbia decidiera sacar un Greatest Hits (febrero de 1972), que consiguió el disco de oro en mayo y alcanzó el nº 19 del Billboard 200.

El enfoque que le dio Blood, Sweat & Tears al rock con sección de metal no fue un fenómeno aislado sino que, por el contrario, estuvo inmerso en una corriente bastante extendida a finales de los años 1960. El mismo productor de su segundo álbum, James William Guercio, había impulsado a otro de los grupos emblemáticos del jazz-rock: Chicago Transit Authority (luego reducido a Chicago), cuyo primer disco se grabó en 1968. Otras bandas interesantes del género, fueron Dreams, fundada por el trompetista Randy Brecker, tras dejar BS&T, y el batería Billy Cobham; Chase, la banda de Bill Chase, cuya sección de metales, con cuatro trompetas, impactó en su época; los canadienses Lighthouse; la refrescante banda The Flock, liderada por el violinista Jerry Goodman, que desarrolló un estimulante estilo de improvisación colectiva, cercana al free jazz; además de otras formaciones como Electric Flag, The Ides of March, Ten Wheel Drive, Malo, Melting Pot, o artistas como Buddy Miles ("Them Changes")... En el Reino Unido, destacaron la Keef Hartley Band y CCS , la superbanda de John Cameron. Hubo, también, bandas influenciadas por Blood, Sweat & Tears en casi toda Europa, como fue el caso de los polacos The Lolas".(Wikipedia)
 LINK DE DESCARGA

sábado, 5 de marzo de 2011

ORNETTE COLEMAN: "Free Jazz: A collective improvisation by The Ornette Coleman Double Quartet"

Ocho músicos entran en una sala de grabación, donde se disponen en dos cuartetos: Uno a la izquierda, formada por un saxo alto, una pequeña trompeta, un contrabajo y una batería; el otro, a la derecha, y formado por un clarinete bajo, una trompeta, un contrabajo y una batería. La meta es improvisar sobre unos temas ya acordados; lo demás irá surgiendo de la mente y el corazón de estos ocho hombres "sobre la marcha"... en total libertad

(Solo a un genio de la talla de Ornette Coleman pudo habérsele ocurrido semejante osadía)

Claro, a estas alturas en que nos encontramos hoy (año de gracia dos mil once), ha pasado mucha agua bajo los puentes y casi hemos perdido ya la capacidad de asombro ante lo que unos buenos jazzistas pueden hacer. En el caso que nos ocupa de esta extraña reunión de un doble cuarteto improvisdando en un estudio de grabación, estamos hablando del año 1960 ¡¡Hacen 50 años!!

¿Qué puede salir de esta extraña alquimia?

Aqui está el resultado... Hablamos del album de Ornette Coleman, apropiadamente llamado "Free Jazz", que el pasado 21 de Diciembre cumplió medio siglo de haber sido grabado

El mismo constituye una prueba fehaciente de que la Música no se agota nunca, de que la chispa divina de la creatividad musical es......

in-do-ma-ble!!!

Este album, mis queridos hermanos de sones, constituye, en sí misma, una celebración.

Una celebración a la Música, al Arte y a la Vida

SE HA ELIMINADO EL LINK DE DESCARGA DEBIDO A UN RECLAMO DE LA DMCA

domingo, 30 de enero de 2011

BOBBY MCFERRIN / CHICK COREA: The Mozart Sessions



Otro interesante trabajo del extraordinario vocalista y director de orquesta Bobby McFerrin. En compañía, en esta ocasión, del genial pianista Chick Corea. De ésta singular alianza no podía salir sino un álbum excepcional. Y si la música que los une es la de Wofgang Amadeus Mozart... ¡no hay nada más qué hablar!

McFerrin, en este álbum, aparte de cantar segun su singular técnica, tambien dirige la orquesta  (St. Paul Chamber Orchestra)  Corea, por su parte (a Dios gracias) no hace nada por ocultar que tiene una sensibilidad formada, no sólo en la música académica, sino tambien (¡enhorabuena!),  en el jazz.


Escuchen pues a este duo (trio, si contamos a Mozart, aunque es mejor hablar en este caso, no de un trío, sino más bien de un triunvirato); escúchenlo y cuentenme qué les pareció

LLÉVALO

domingo, 23 de enero de 2011

CAMARON DE LA ISLA: Reencuentro

Hace un par de años, salió en edición limitada este recopilatorio de cantes inéditos de Camarón (supongo que seguiran apareciendo nuevos hallazgos; hasta tal punto es prolífica la obra de este ícono indiscutible del cante jondo)

En términos generales hay que reconocer que, si bien se pueden detectar algunas sutiles deficiencias (quizas demasiados retoques, una que otra añadidura orquestal y cierta heterogeneidad en la selección), tambien es justicia reconocer que el álbum contiene verdaderas joyas que de alguna manera compensan las mencionadas deficiencias: Tomen nota, por ejemplo, de la bulería Soy fragüero, acompañado de guitarra de Tomatito, palmas y bajo, y el fandango en directo La víbora rabiosa. Verdaderas gemas en las que queda de manifiesto, una vez, más el genio indiscutible e insuperable de Camarón.

Espero que lo disfruten y me den sus opiniones

LLÉVALO

domingo, 16 de enero de 2011

THELONIOUS MONK: Thelonious himself

La música que conocemos como jazz está llena de innovadores. La innovación constituye, en sí misma, una característica inherente al jazz desde su nacimiento. Algunos de sus creadores, sinembargo, de alguna manera descollaron en esta característica, constituyéndose en revolucionarios dentro de una música ya de por sí revolucionaria.

Tal es el caso de Thelonious Monk, uno de los pianistas más aventajados de la era que ha dado en llamarse del be bop. Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "Julliard School" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad.

Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes da forma al nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Las jam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce a Coleman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonista Skippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk"

Posteriormente (1951) tuvo que enfrentar problemas legales por asuntos de drogas. En 1957 reapareció en el escenario jazzístico para cosechar nuevos triunfos. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos.


En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en el Hospital de Englewood de New Jersey.

Con el transcurso del tiempo, su música ha llegado ser valorada cada vez más por sus características tan innovadoras y revolucionarias.

El álbum que acá les presento, recoge, precisamente algunas de esas grabaciones que hizo ya hacia el final de su carrera artística y en las cuales toca el piano sin ninguna otra clase de acompañamiento. Disfrútenlo


LINK DE DESCARGA

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

domingo, 9 de enero de 2011

JIMI HENDRIX: Selección afterbach

Concluimos el año 2010 con la publicación,  nada menos, que de "La Pasión segun Mateo" de J. S. Bach. E iniciamos este 2011 con Las "Sonatas y partitas para violín sólo", tambien de Bach. Para lo que resta de este mes, ya tengo en mente tres o cuatro nuevas entradas... variadas, como siempre y me preguntaba ¿cuál publico primero?

.... Me decidí por Jimi Hendrix, el inmortal guitarrista  de los '70 cuya temprana desaparición nunca dejará de ser lamentada por quienes amamos los sonidos inconfundibles de su guitarra y el dulce sonido de su voz (¿cansada? ¿dolida? ¿esperanzada?).

...¡Qué contraste! No dejará quien piense: "¿pero qué hace Jimi Hendrix al lado de Bach?" Estoy seguro de que los asiduos a este blog no encontrarán en ello, seguro, nada de extraño, puesto que conocen ya de sobra que nuestra especialidad es, precisamente, no tener ninguna.

La mayoría de los blogs tiene, por decirlo de alguna manera, su especialidad. Eso es bueno... Más que eso: en realidad, eso es excelente, porque siempre sabrá uno qué puede buscar alli.

La especialidad de este blog sería, en todo caso, la falta de especialidad. Y no precisamente se trata de querer ir contra la corriente o por llevar la contraria, o escandalizar, No!, rotundamente: ¡NO! Ocurre, simplemente, que mis gustos caminan por muchos senderos (quisiera que mis pasos pudieran transitar TODOS los terrenos de este bendito arte de los sonidos). De manera que, lejos de querer romper esquemas, simplemente procuro ser sincero conmigo mismo. Pero tambien con ustedes, mis queridos amigos usuarios de este humilde blog, los más asiduos de los cuales han aprendido a no sorprenderse y antes por el contrario parece que en el fondo estuvieran esperando, cada semana, mis fabulaciones


Pero volviendo a la aparente disparidad Bach-Hendrix, supongo que en el fondo no hay ninguna. Porque lo que caracteriza a todo Arte, inclusive el de la Música, es una búsqueda y en ese sentido, tanto Bach como Hendrix, fueron por naturaleza eso: unos buscadores: buscadores de nuevos medios de expresión, buscadores de nuevos hitos en el terreno de la belleza.

En los predios de lo bello, cada quien busca a su manera: Unos buscan sobre el terreno, otros en el aire... otros excavan en las profundidades; algunos utilizan bisturí y microscopio, otros desmalezan a fuerza de machetazos, algunos hurgan con las uñas... o con los dientes pero siempre.... siempre, se trata de una búsqueda.

Hendrix estuvo en eso toda su vida y por ello cada una de sus notas, bien sea por su amada/odiada/amada guitarra o a traves de esa voz suya tan especial y única, cada una de sus notas, repito, convence. Por la sencilla razón de que cada una de esas notas transpira SINCERIDAD, esa sinceridad que siempre lo caracterizó.

No es fácil desde luego hacer una selección de la música de Jimi, que pueda satisfacer el gusto de todos. Me he atrevido a preparar esta pequeña selección de algunas de las cosas que, en lo personal, son de mi agrado (lamento la ausencia de piezas tan geniales como, por ejemplo, "Machine Gun"). Demasiadas joyas quedan por fuera, pero eso resulta inevitable en toda selección

Mi selección:
1 Bleeding Heart
2 Highway Chile
3 Johnny B. Goode
4 Voodoo Child
5 The Queen
6 Sgt Pepper's Lonley Hearts Club Band
7 Come On (Let The Good Times Roll)
8 Stepping Stone
9 Izabella
10 Gypsy Eyes
11 Little wing
12 Beginnings
13 Voodoo Child (Slight Return)
14 Red house
15 Changes
16 Purple Haze


Escúchenla, pues, y luego me cuentan.....

LINK DE DESCARGA

lunes, 3 de enero de 2011

J. S. BACH: Sonatas y partitas para violin sólo, KWV 1001-1006


Las Sonatas y Partitas para violín solo (BWV 1001–1006) forman un conjunto de seis obras:  tres sonatas da chiesa en cuatro movimientos y tres partitas consistentes de movimientos basados en danzas. El conjunto completo fue publicado por primera vez en 1802. Hoy en día, las "Sei Solo  a violino senza basso accompagnato", como Bach las llamó originalmente, son una parte integral del repertorio para violín y nuevas interpretaciones y grabaciones se realizan con frecuencia.


Bach compuso estas obras en 1720, mientras ocupaba el puesto de Maestro de capilla o Kapellmeister en Köthen. El manuscrito no fue destruido por poco, alguien lo salvó de que fuera utilizado como papel de cocina. En Köthen Bach se dedicaba más a la música de cámara que a la sacra; los Conciertos de Brandenburgo, el Concierto para dos Violines y las Suites para Violonchelo Solo datan también de esta época.

El intérprete original de las seis sonatas y partitas es desconocido. J.G. Pisendel y J.B. Volumier fueron sugeridos, al ser ambos violinistas talentosos de la corte de Dresden. También pudo haber sido Joseph Spiess, líder de la orquesta en Köthen. Sin embargo, han habido algunos investigadores que sugieren que el mismo Bach fue el primer intérprete de sus propias obras, apuntando a sus talentos como violinista. Su padre Johann Ambrosius Bach, era violinista, y de acuerdo a su hijo Carl Philipp Emanuel Bach, "en su juventud, hasta acercarse a la ancianidad, tocaba el violín limpia y poderosamente".  (Fuente: Wikipedia)

Sonatas
Partitas