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martes, 19 de noviembre de 2013

ALBERT GOLOWIN/FRIEDRICH GULDA: Donau so blue [re-subido]


Los asiduos visitantes a este blog quizas hayan percibido, hasta cierto punto, POR DÓNDE ANDAN MIS GUSTOS.

Saben, por ejemplo, que me gusta el jazz, que amo el flamenco, la música clásica, la música étnica... Y han podido constatar tambien, mi gusto por el canto y por la voz humana como instrumento para la expresión de la belleza. Ciertamente, estoy convencido de que la voz humana no tiene comparación en lo que tiene que ver con sus potencialidades de expresión.

Y es por la vía del canto que me encamino ahora para brindarles lo que considero una de las voces más hermosas, interesantes y expresivas que he escuchado: se trata de Albert Golowin.
Lo que les ofrezco es un album que conservo desde hace mucho tiempo. En un remate cercano a un puerto venezolano, no sé por qué caprichosa coincidencia vino a parar un lote grande de viejos lps de los años '70, en general, jazz europeo de esos años, de los sellos MPS y BASF. Durante mucho tiempo constituyeron lo más preciado de mi incipiente "fonoteca"; con el tiempo tuve a la mano los recursos técnicos para "ripear" estas joyas y logré digitalizarlos todos; ahora, poco a poco, pienso irlos compartiendo con todos ustedes. Uno de mis preferidos ha sido siempre este album por Golowin y Gulda. Lo he escuchado muchísimas veces y nunca me canso de hacerlo. Luego conseguí un valiosísisimo sitio en la red donde pude conseguir muchos otros álbumes de esa serie, puesto que el site en cuestión se especializa en los discos de esos esos sellos, MPS y BASF. Está en mi "LISTA DE BLOGS", bajo el nombre "Magic Purple Sunchine" Les recomiendo encarecidamente el sitio a todos los amantes del jazz; sé que les deparará momentos sublimes.

Ahora bien, volviendo al tema quiero que sepan que con el fin de hacer esta reseña, investigué mucho en la red a ver qué información interesante podía conseguir sobre Golowin y que pudiera ofrecerle a ustedes. Me ha costado mucho trabajo: increible como parezca no he logrado ubicar una biografía de él; tampoco he logrado dar con algun otro album donde él cante. Solo logré encontrar atisbos de que Golowin es un cantante lírico, porque ví por allí algunos indicios de que como cantante ha grabado obras de Bach, de Schubert y de Debussy, entre otros. Más de eso, no me siento documentalmente autorizado a comentarles. En términos generales, pues, considero que, hasta cierto punto, les ofrezco algo novedoso, si se quiere.

En cuanto al pianista que acá lo acompaña, con toda seguridad no se puede decir lo mismo: Friedrich Gulda es ampliamente conocido en el mundo artístico: un instrumentista que teniendo una formación eminentemente clásica (algunos críticos consideran por ejemplo que no hay quien lo supere en la interpretación de Mozart), no le teme a incursionar en el jazz, tal como lo ha hecho en diversas ocasiones. Esta es una de ellas y no se puede negar que entre los dos, Golowin en el canto y Gulda en el piano, logran efectos de una maestría y de una belleza incomparable.

Les invito a que lo juzguen por ustedes mismos

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sábado, 3 de noviembre de 2012

LOUIS ARMSTRONG: July 4, 1900 - July 6,1971 [actualizado]




Si a alguna persona puede considerársele en justicia sinónimo de JAZZ, es este señor: Louis Armstrong ("Satchmo") Y digo señor en el más amplio sentido de la palabra: Como músico, como jazzista, como persona, como ser humano.
Esta compilación fué hecha poco despues de su muerte y consta de 2 lps que recogen grabaciones comprendidas entre los años 1932 y 1956. Luego de ripear los vinilos hice una selección que en realidad contiene la casi totalidad de los vinilos, dando preferencia a lo más antiguo, a fin de tener una antología que tuviera cabida en un cd de audio y esto es lo que resultó. Espero que lo disfruten tanto como yo.
LINK DE DESCARGA
Louis Armstrong en la
WIKIPEDIA

domingo, 18 de marzo de 2012

ORNETE COLEMAN: This is our music

El bebop arremetió contra el peligro de estancamiento que amenazaba al arte jazzístico en virtud de la preeminencia del "swing", el cual, orientaba el jazz hacia lo utilitario (léase danza, baile) y en ultimo término a la banalización del jazz. En el club "Minton", nucleo de la vanguardia del bebop había un letrero que decía: "Está prohibido bailar"

Hasta alli todo iba bien: no había nada de malo en el swing, peeeero.... se respiraba en el aire la necesidad de un viraje y el bebop vino a llenar ese vacío. Esta no era sencillamente una música para bailar, sino más bien para ser escuchada. En último termino, una música para músicos.

Pero hasta el bebop llevaba en si el germen de la disolución, porque el jazz es así, como todo arte lleva la necesidad interna de evolucionar, de dirigir sus pasos por los caminos de las búsquedas y la experimentación.

Es así como dentro del propio movimiento bebop comenzó a surgir una nueva generación de músicos, que se adentraron por terrenos de mayor libertad, el "free jazz", gente como Cecil Taylor, Charlie Haden, Miles Davis, por mencionar sólo unos pocos ejemplos.

 ...Y gente, tambien, como Ornette Coleman, a quien, en compañía de Donald Cherry, Ed Blackwell y Charlie Haden escuchamos en este album, diciendo orgullozamente:

"THIS IS OUR MUSIC!!!"  (ESTA ES NUESTRA MÚSICA)

 PARA MIS HERMANOS DE SONES

sábado, 10 de marzo de 2012

ABDULLAH IBRAHIM: African Suite for Trio & String Orchestra

Abdullah Ibrahim es el nombre musulman adoptado por Adolphe Johannes Brand, conocido en el mundo del jazz, como Dollar Brand. Fue apadrinado en el mundo del jazz por Duke Ellington, de quien puede considerarse discípulo y seguidor. No obstante ello, desarrolló su propia personalidad, manteniendose siempre en una posición adelantada, ecléctica e innovadora en su encantador lenguaje jazzístico.

Para serles francos, lo estoy comenzando a conocer recien ahora y me ha dejado maravillado con este hermosísimo álbum que mezcla el swing del trio jazzístico, con el clacisismo de una orquesta sinfónica de cuerdas. Me parece que ha logrado una síntesis incomparable de ambos "mundos" musicales. En éste y en muchos otros sentidos, pienso que este es un álbum realmente imprescindible.

Más sobre Abdulla Ibrahim en la Wikipedia

PARA MIS HERMANOS DE SONES

jueves, 1 de marzo de 2012

ALBERT MANGELSDORFF: Birds of underground (resubido)



Albert Mangelsdorff, es un compositor y trombonista alemán nacido en Frankfurt el 5 de septiembre de 1928 y fallecido en la misma ciudad el 25 de julio de 2005.

Albert comenzó a interesarse por el jazz en una época muy poco propicia: durante la dictadura de Hitler, que desarrolló una política muy represiva respecto a este tipo de música, por lo que las reuniones del Hot Club de su ciudad, se celebraban en la clandestinidad. Finalizada la Gran Guerra, deja la guitarra para pasarse definitivamente al trombón, fascinado por Bill Harris y J.J.Johnson. No obstante, su primer trabajo profesional en el jazz, con una big band de swing, será tocando la guitarra.

Trabaja con el saxofonista austriaco Hans Koller y, ocasionalmente, con Dizzy Gillespie (1953-1954). En 1958, tras tocar con Elvin Jones, viaja a Estados Unidos, invitado por George Wein al Festival de Jazz de Newport. Después, trabaja con Dusko Gojkovic y con sus propios grupos. Regresa repetidas veces a Newport en los años 60, para tocar con Lee Konitz, Joe Chambers, Art Blakey o John Lewis, con quien graba.

Va de gira y graba con la Kenny Clarke-Francy Boland Big Band y con músicos como Don Cherry o Attila Zoller, integrándose en 1969 en la`Globe Unity Orchestra de Alexander von Schlippenbach. En 1972, animado por el crítico y productor Joachim E. Berendt, realiza una serie de conciertos de trombón solo, con una técnica multifónica desarrollada por él mismo y que le permitía emitir, en un solo trombón dos y más notas simultaneamente.

En los años 70 y 80, toca con John Surman, Palle Danielsson, Jaco Pastorius, Kenny Wheeler y, con regularidad, Michel Portal. Mantuvo sus grupos y colaboraciones hasta su fallecimiento.
Mangelsdorff se caracteriza fundamentalmente por su maestría en el conocimiento de los elementos del jazz y un rigor técnico, aliado con una exigente búsqueda de la expresión libre. Su técnica multifónica, tocando una nota y cantando otra distinta a la vez, lo que genera armónicos intermedios entre ambas, le dio un sonido característico.
Aqui les brindo estos "Pajaros del subsuelo"... Espero lo disfruten
(Fuente: Wikipedia)

PERSONAL EN ESTE ALBUM:
Albert Mangelsdorff: trombón
Heinz Sauer: saxos tenor y alto
Gerd Dudek: Flauta y saxos tenor y soprano
Buschi Niebergall: Bajo
Peter Giger: batería

LISTA DE PISTAS:
01 - Wobbling Notes and fluted crackle 14:18
02 – Grive musicienne 5:42
03 – Birds of underground 11:37
04 – Xenobiosis 11:42

Mis favoritas: pistas 1 y 3

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RADIO TARIFA: Rumba argelina (resubido)


Creo que tengo dicho por alli en una de esas entradas que una de mis cosas favoritas, en Música, son lo que yo llamaría "mestizajes" musicales, es decir, la mezcla bien elaborada de músicas de diferentes índoles y nacionalidades. Algo de eso es lo que aprecio en el grupo español "Radio Tarifa": ellos mezclan flamenco, jazz, música étnica, latina, medieval, en una maravillosa y "sabrosa" síntesis. Este es su primer trabajo grabado (hasta ahora, segun creo, han producido media docena de álbumes)y me parece toda una delicia. Espero que lo disfruten tanto como yo.
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viernes, 24 de febrero de 2012

HORACE SILVER: Song for my father (resubido)




Horace Silver es uno de los músicos pioneros del hard bop en los años cincuenta. Nacido en Norwalk el 2 de septiembre de 1928.  Pianista y compositor.  Uno de los artistas más populares e influyentes en la corriente principal del jazz contemporáneo gracias a su estilo terso, imaginativo y muy funky. Ha trabajado también dentro de la fusión.

Algunos de los que serían los músicos más influyentes de los años 50, 60 y 70 iniciaron su carrera a la sombra de Silver; artistas tales como Donald Byrd, Woody Shaw, Joe Henderson, Benny Golson y los Brecker Brothers. Incluso, miembros destacados de la vanguardia jazzística como Cecil Taylor y el trompetista Dave Douglas han sido influenciados por él.

La primera influencia musical de Silver fue la música folclórica de Cabo Verde, que pudo escuchar de su padre, oriundo de allí. Más tarde, tras empezar a tocar el piano y el saxofón en el instituto, Silver se situó bajo el influjo de los cantantes de blues y de los pianistas de boogie-woogie y de bop como Thelonious Monk y Bud Powell. En 1950, Stan Getz tocó un concierto en Hartford con una sección rítmica compuesta por Silver, el batería Walter Bolden y el bajo Joe Calloway. Getz quedó tan impresionado que contrató al trío y Silver se trasladó con él a Nueva York.

Silver trabajó con Getz durante un año, y a continuación empezó a trabajar de forma independiente por la ciudad con músicos de la talla de Coleman Hawkins, Lester Young y Oscar Pettiford. En 1952, grabó con Lou Donaldson para Blue Note lo que le permitiría grabar sus primera sesiones como líder. En 1953 unió fuerzas con Art Blakey y editaron Horace Silver and the Jazz Messengers, disco fundamental en la evolución del hard bop. Muchos de los temas escritos por Silver para ese álbum ("The Preacher", "Doodlin'", "Room 608") se convirtieron en clásicos del jazz. Hacia 1956, Silver había abandonado a los Messengers para grabar por su cuenta. Los discos que grabaría a continuación para Blue Note le consolidarían como uno de los más importantes compositores y pianistas del jazz; se trata de discos como Blowin' the Blues Away y éste que acá les presento: Song for My Father

Silver grabó en exclusiva para Blue Note hasta la decadencia del sello a finales de los setenta, cuando empezó a trabajar para su propia compañía, Silveto. Durante los ochenta comenzó a escribir letras para sus composiciones y su música se aproximó a intenciones espirituales, como ejemplifican títulos como Music to Ease Your Disease y Spiritualizing the Senses. En los noventa, Silver cerró su sello y comenzó a grabar para Columbia, con la que retomó posiciones de popularidad en el mundo del jazz.

Selección discográfica:

    * 1954: Horace Silver and the Jazz Messengers (Blue Note)
    * 1956: 6 Pieces of Silver (Blue Note)
    * 1959: Finger Poppin' With the Horace Silver Quintet (Blue Note)
    * 1959: Blowin' the Blues Away (Blue Note)
    * 1961: Doin' the Thing (At the Village Gate) (Blue Note)
    * 1964: Song for My Father (Blue Note)
    * 1965: Natives Are Restless Tonight (Emerald)
    * 1966: The Jody Grind (Blue Note)
    * 1968: Serenade to a Soul Sister (Blue Note)
    * 1996: Hard Bop Grandpop (GRP)
(Wikipedia)


"Song for my father" fué editado en 1965, con material grabado en los años 1963 y 1964. Su fuente de inspiración fué un viaje que el músico hizo a Brasil. El caballero de la portada es el padre de Horace, el Sr. John Tavares Silva, a quien está dedicada la pieza que da título al album. Fué un caballero de origen portugués nacido  en  Maio, una de las islas de Cabo Verde. Esta pieza dedicada a él ha llegado a constituirse en un standart del jazz; con su sabroso ritmo de bossa nova ha constituido una fuente de inspiración para unos cuantos artistas, tales como Stevie Wonder y Earth Wind & Fire

Tracklist: (original)
   1. "Song for My Father" – 7:15
   2. "The Natives Are Restless Tonight" – 6:08
   3. "Calcutta Cutie" – 8:28[3]
   4. "Que Pasa" – 7:45
   5. "The Kicker" – 5:24
   6. "Lonely Woman" – 7:03
        ( En posteriores ediciones se incluyeron estas otras pistas):
   1. "Sanctimonious Sam" – 3:52   2. "Que Pasa" (trio version) – 5:35
   3. "Sighin' and Cryin'" – 5:23
   4. "Silver Treads Among My Soul" – 3:50
 
(La edición acá presentada, las incluye todas)

Personal:
    * Horace Silver — piano
    * Carmell Jones — trompeta
    * Joe Henderson — saxo tenor
    * Teddy Smith — bajo
    * Roger Humphries — baterías

Y en los tracks 3, 6 – 10

    * Horace Silver — piano
    * Blue Mitchell — trompeta
    * Junior Cook — saxo tenor
    * Gene Taylor — bajo
    * Roy Brooks — baterías

LLÉVALO

domingo, 29 de enero de 2012

MILES DAVIS: Miles ahead

TRACKLIST

Springsville    03:28
The Maids Of Cadiz    03:53
The Duke    03:35
My Ship    04:28
Miles Ahead    03:30
Blues For Pablo    05:18
New Rhumba    04:37
The Meaning Of the Blues    02:48
Lament    02:14
I Don't Want To Be Kissed     03:11
Bonus Track: Springsville     03:16
Bonus Track: Blues For Pablo     03:32
Bonus Track: Medley (Rehearsal    05:10
Bonus Track: I Don't Want To B    03:12

PARA USTEDES

domingo, 1 de enero de 2012

MILES DAVIS: Sketches of Spain

¿No les dije que les traería más de Miles Davis?

Aquí tienen, pues, esta gema preciosa

Con toda seguridad cada una de estas piezas hace un verdadero honor al sabor y el color de la bellísima música de España, objeto del amor y la devoción de músicos de todas las épocas y los géneros

(¡¡¡Y Olé!!!)

LISTA DE TEMAS:
Concierto De Aranjuez (Adagio)    16:20
Will O' The Wisp    03:51
The Pan Piper    03:54
Saeta    05:09
Solea    12:20
Song Of Our Country    03:29
Concierto De Aranjuez (Part One)    12:05
Concierto De Aranjuez (Part Two Ending)    03:34

PARA MIS AMIGOS

domingo, 25 de diciembre de 2011

THE NASHVILLE JETS: Nashville Now!

Aqui tienen el sonido del viejo jazz de  Nashville (muchas trompetas, algunos clarinetes y ¡por supuesto! ¡los banjos!) con la tecnología más moderna.
He aqui una muestra:



TRACKLIST:
Kodachrome    03:06
Your cheatig heart    02:52
Out of the question    02:48
I never promised you a rose garden    03:31
The night the lights went out in Georgia    03:26
Alone again, naturally    03:50
Winchester Cathedral    02:13
Yellow rose of texas    02:14
Oh,babe, what would you say?    03:00
When the saints go marching in    02:31
Tie a yellow ribbon 'round the ole  oak tree    02:45
King gof the road    03:06

PARA USTEDES

domingo, 4 de diciembre de 2011

MILES DAVIS: Kind of Blue


Todo un clásico de este señor del jazz, innovador toda la vida, músico nato: comprometido.... y comprometedor!!!!

Si les gusta.... por ahí les traigo más

TRACKLIST:
So What
Freddie Freeloader
Blue in green
All Blues
Flamenco Sketchs


DISFRÚTENLO

domingo, 27 de noviembre de 2011

DOC SEVERINSEN: Swinging and Singing




(No será jazz puro... pero tiene swing!)

TRACKLIST.
Mas que nada    02:17
Bye bye, Blackbird    02:47
Goin' out of my head    03:05
Guantanamera    03:09
Love Theme from "Is Paris Burning"    02:35
It's not unusual    02:56
Un poco Río    02:58
Summer Wind    03:40
Don't go breaking my heart    02:14
Walk on by    02:42
So nice    03:10
Love    02:32

PARA SUS OREJITAS

domingo, 20 de noviembre de 2011

DAVE PIKE SET: Four Reasons

 

Algo más que  "música de fondo" ¿no les parece?


¡¡Jazz del bueno!!....................DISFRÚTENLO!!!!

TRACKLIST:
Greater Kalesh No 48    05:45
Prof Pornos Romance    03:51
Cornflower Girl    02:46
The Seventh Day    02:48
Turn Around Mrs Lot    05:17
Goodtime Charlie At     06:56
A Nose Opener    05:18
Four Reasons    05:47


PARA USTEDES

domingo, 9 de octubre de 2011

ENOCH LIGHT: The Brass Menagerie - 1973




TRACKLIST:
Mambo    01:56
McArthur Park    06:23
I fell the earth move    03:18
Season of the witch    04:00
Hot pants    03:41
Theme from "Shaft"    03:03
Proud Mary    02:43
The night they drove old dixie down    03:13
Boy meets horn    03:39
Sweet Julie    02:44
Explorations for Moog    03:00

DISFRÚTENLO

miércoles, 14 de septiembre de 2011

FRANK ZAPPA: "Studio Tan"

Aunque fué hecha desde la plataforma del rock,  la música de Frank Zappa  podríamos definirla como "inclasificable"... hasta tal punto este talentoso músico supo hacer una artística amalgama (con un sabor muy personal) de elementos del rock, el jazz, la música académica, ruidos de la calle, narracion, ambiente de circo... y un larguísimo etcétera. Zappa fué un músico en toda la extensión de la palabra.

Se me ocurre pensar que Zappa hizo, desde la plataforma del rock, lo que Charles Mingus u Ornette Coleman lograron en el jazz o lo que Gustav Mahler y Alfred Schnittke dentro de la música académica... liberarla de moldes y esquemas rígidos. Yo sugeriría el término "free rock" para definir su trabajo

El presente album fué ripeado por el autor de este blog a partir de un vinilo publicado por la Warner Bross en  el año 1978. Al parecer es uno de los 3 álbumes que esta disquera publicó sin autorización de Zappa y recoge grabaciones efectuadas por el músico entre los años 1973 y 1976

TRACKLIST:

lado A:  "Greggery Peccary"
lado B:  1 - "Lemme me take you to the beach"
             2 - "Revised Music for Guitar and Low-Budget Orchestra"
             3 - "RDNZL"
Más información sobre el album y el despampanante personal implicado en su grabación, en wiki

LINKS DE DESCARGA:
A
B1
B2
B3
caratulas

FRANK ZAPPA EN WIKIPEDIA

domingo, 14 de agosto de 2011

ENOCH LIGHT & THE LIGHT BRIGADE: Charge!




Otro de los vinilos de la serie Project 3, sonido cuadrafónico, ripeados por el autor de este blog


TRACKLIST:
Amazing grace            04:29
Bridge over troubled water    03:24
Fire and rain            03:31
Hard Day's night        03:20
Lonely Days            04:10
Soolaimon            03:01
Spinning Wheel            03:50
Sweet Caroline            03:26
Take me to the pilot        03:41
What have they done to my song, ma?    02:55
You've got a friend        04:00


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sábado, 23 de julio de 2011

ENOCH LIGHT: Future Sound Shock


Este material ha sido digitalizado por el autor de este blog a partir de un vinilo publicado en 1973 por el sello Project 3, que ofrecía brindar lo que constituía para la época lo más avanzado en estudios de grabación. El mismo forma parte de toda una serie de discos publicados bajo el concepto de "Sonido Cuadrafónico"

Este servidor ha digitalizado varios de esos vinilos y se los iré haciendo disponibles poco a poco a todos los lectores de este blog. El que les ofrezco hoy tiene una singular importancia por cuanto se diseñó con el propósito expreso de que sirviera como un muestrario de toda la excelencia en calidad de sonido que podía lograrse con la tecnología de la época. Apreciaran acá un despliegue insospechado en istrumentación y timbres (desde sitar hasta trombón y marimbas), adobado con una preciosa percusión

Lo estoy publicando sin aplicar ningún filtro, con el sonido "a pua" totalmente original. Aquellos de ustedes que lo deseen, ya podrán trabajar sobre estas tomas maestras y aplicar todos los filtros y mejoras que a bien tengan. De la acogida que tenga esta entrada depende mi entusiasmo por brindarles el resto.

CONTENIDO:
St. Thomas! Everybody!    03:12
Cute    03:14
Recado Bossa Nova    03:13
Caravan    03:30
Pick Yoursel Up    03:07
Perdido    03:10
Samba de Orfeu    02:27
Give joy to the World    03:43
One note samba    02:38
Baubles, Bangles & Beads    02:40
The girl from Ipanema    03:19


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domingo, 3 de abril de 2011

BLOOD, SWEAT & TEARS: Greatest Hits

"Blood, Sweat & Tears (también conocidos como BS&T) es una banda de rock, fundada en 1967 en Nueva York (Estados Unidos), que se convirtió en el principal icono del llamado Jazz Rock, fusionando rock, blues, pop y jazz a través de arreglos complejos, concebidos para una sección rítmica clásica y una sección de instrumentos de viento, creando una peculiar forma de R&B y soul. Junto con el grupo Chicago, conforman la cabeza más visible de lo que el musicólogo Joachim E. Berendt llamó las Big Bands de Rock

El pianista y organista Al Kooper, que había estado en sesiones históricas con Bob Dylan, Jimi Hendrix o los mismos Rolling Stones, y que por entonces estaba enrolado en una banda de rock denominada The Blues Project, fue el impulsor del grupo, cuyo nombre tomó de un disco, de 1963, del cantante de country, Johnny Cash que, a su vez, lo recogió de la famosa expresión de Winston Churchill. El grupo, al que se incorporaron su compañero de banda, el guitarrista Steve Katz, y el bajista Jim Fielder, un veterano que había estado en grupos como Buffalo Springfield o The Mothers Of Invention de Frank Zappa, se concibió con una estructura derivada de las bandas de soul de los sesenta, con una base rítmica clásica (guitarra, teclados, bajo y batería) y una potente sección de metales (dos trompetas, trombón y saxo), y con un bagaje musical que incluía, por supuesto, rock y blues, pero también psicodelia, pop, jazz y soul.

Las dudas de la banda, y de la compañía de discos, respecto a la capacidad de Kooper como cantante (se había hecho cargo de la voz en el primer disco) y algunas divergencias conceptuales, le decidieron a dejar la banda. Con él, se fueron Brecker y Weiss, cada uno a sus proyectos. BS&T recurrieron a Laura Nyro para cubrir su puesto, y realizaron un par de actuaciones de prueba, aunque tras ellas, la cantante decidió no arriesgarse. Tras realizar gestiones infructuosas en la Motown (Stevie Wonder), Fielder tanteó a su antiguo compañero de banda, Stephen Stills, que finalmente no aceptó. Fue Katz quien propuso, entonces, al canadiense David Clayton-Thomas para hacerse cargo de la voz. Se incorporaron, además, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield, así como el trombonista Jerry Hyman, ya que Halligan se dedicó a los teclados para cubrir la baja de Kooper.

Con esta formación, publicaron su disco más exitoso, Blood, Sweat & Tears (1969), que incluyó verdaderos hits como Spinning Wheel o And when I die, aparte de auténticas joyas, como la versión de God bless the Child, el tema clásico de la cantante de jazz Billie Holiday. En estas grabaciones se plasma de forma clara y brillante el concepto musical que animó al grupo: Bases potentes, arreglos poderosos para los metales, improvisaciones de corte claramente jazzístico y, por encima, una voz carismática e identificable. BS&T fue una de las bandas que actuó en el mítico Festival de Woodstock. El disco llegó al nº 1 en álbums, y obtuvo el Grammy al mejor disco r&b del año, y ello a pesar de lo ambicioso de la propuesta, incluso para los cánones de la época.

Los siguientes discos, Blood, Sweat & Tears 3 (1970), que también llegó al nº1 de Billboard 200, y B.S. & T. 4 (1971), que alcanzó un aceptable nº 10, abundaron en la fórmula, dejando algunos temas de muy alto nivel, como Hi de Ho, uno de sus grandes éxitos de ventas, compuesta para ellos por Carole King, He's a Runner (de la cantautora Laura Nyro), Symphony for the Devil / Simpathy for the Devil, una versión oscura y reflexiva del tema de los Rolling Stones, la sutil John the Baptist, o el espectacular solo de trombón que conforma Redemption, ejecutado por Dave Bargeron, quien había sustituido, unos meses antes de la grabación, a Hyman. Cuentan también con la colaboración del clarinetista Don Heckman. En 1970, el grupo había participado en la banda sonora de la película The Owl and the Pussycat, que se editó en disco en Estados Unidos, en diciembre de ese año, y que apenas logró situarse en el puesto 186 de los charts. Nunca llegó a publicarse en España.

En esta época, BS&T estaban unánimemente valorados, sus conciertos recibían buenas críticas, se situaban en los puestos altos de los polls de la revista de jazz Down Beat y sus temas se encaramaban a las primeras posiciones de ventas de Billboard. Algunos de sus miembros, también consiguieron nominaciones como instrumentistas en los polls y adquirieron bastante prestigio. Su imagen, no obstante, había sufrido un golpe con la gira que se vieron obligados a hacer por los paises del Este, de la mano del Departamento de Estado, como contrapartida a la legalización de la situación laboral de Clayton-Thomas. Además, la banda comenzó a acusar las tensiones internas entre las distintas corrientes que albergaba: La comercial y con tendencia al «estilo Las Vegas», que siempre acompañó a Clayton-Thomas; la jazzística, que dominaba entre los metales y Colomby; y la más tradicionalmente rockera, de Katz y Fielder, lo que hizo que su siguiente disco se retrasara tanto como para que Columbia decidiera sacar un Greatest Hits (febrero de 1972), que consiguió el disco de oro en mayo y alcanzó el nº 19 del Billboard 200.

El enfoque que le dio Blood, Sweat & Tears al rock con sección de metal no fue un fenómeno aislado sino que, por el contrario, estuvo inmerso en una corriente bastante extendida a finales de los años 1960. El mismo productor de su segundo álbum, James William Guercio, había impulsado a otro de los grupos emblemáticos del jazz-rock: Chicago Transit Authority (luego reducido a Chicago), cuyo primer disco se grabó en 1968. Otras bandas interesantes del género, fueron Dreams, fundada por el trompetista Randy Brecker, tras dejar BS&T, y el batería Billy Cobham; Chase, la banda de Bill Chase, cuya sección de metales, con cuatro trompetas, impactó en su época; los canadienses Lighthouse; la refrescante banda The Flock, liderada por el violinista Jerry Goodman, que desarrolló un estimulante estilo de improvisación colectiva, cercana al free jazz; además de otras formaciones como Electric Flag, The Ides of March, Ten Wheel Drive, Malo, Melting Pot, o artistas como Buddy Miles ("Them Changes")... En el Reino Unido, destacaron la Keef Hartley Band y CCS , la superbanda de John Cameron. Hubo, también, bandas influenciadas por Blood, Sweat & Tears en casi toda Europa, como fue el caso de los polacos The Lolas".(Wikipedia)
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sábado, 5 de marzo de 2011

ORNETTE COLEMAN: "Free Jazz: A collective improvisation by The Ornette Coleman Double Quartet"

Ocho músicos entran en una sala de grabación, donde se disponen en dos cuartetos: Uno a la izquierda, formada por un saxo alto, una pequeña trompeta, un contrabajo y una batería; el otro, a la derecha, y formado por un clarinete bajo, una trompeta, un contrabajo y una batería. La meta es improvisar sobre unos temas ya acordados; lo demás irá surgiendo de la mente y el corazón de estos ocho hombres "sobre la marcha"... en total libertad

(Solo a un genio de la talla de Ornette Coleman pudo habérsele ocurrido semejante osadía)

Claro, a estas alturas en que nos encontramos hoy (año de gracia dos mil once), ha pasado mucha agua bajo los puentes y casi hemos perdido ya la capacidad de asombro ante lo que unos buenos jazzistas pueden hacer. En el caso que nos ocupa de esta extraña reunión de un doble cuarteto improvisdando en un estudio de grabación, estamos hablando del año 1960 ¡¡Hacen 50 años!!

¿Qué puede salir de esta extraña alquimia?

Aqui está el resultado... Hablamos del album de Ornette Coleman, apropiadamente llamado "Free Jazz", que el pasado 21 de Diciembre cumplió medio siglo de haber sido grabado

El mismo constituye una prueba fehaciente de que la Música no se agota nunca, de que la chispa divina de la creatividad musical es......

in-do-ma-ble!!!

Este album, mis queridos hermanos de sones, constituye, en sí misma, una celebración.

Una celebración a la Música, al Arte y a la Vida

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domingo, 16 de enero de 2011

THELONIOUS MONK: Thelonious himself

La música que conocemos como jazz está llena de innovadores. La innovación constituye, en sí misma, una característica inherente al jazz desde su nacimiento. Algunos de sus creadores, sinembargo, de alguna manera descollaron en esta característica, constituyéndose en revolucionarios dentro de una música ya de por sí revolucionaria.

Tal es el caso de Thelonious Monk, uno de los pianistas más aventajados de la era que ha dado en llamarse del be bop. Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "Julliard School" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad.

Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes da forma al nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Las jam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce a Coleman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonista Skippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk"

Posteriormente (1951) tuvo que enfrentar problemas legales por asuntos de drogas. En 1957 reapareció en el escenario jazzístico para cosechar nuevos triunfos. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos.


En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en el Hospital de Englewood de New Jersey.

Con el transcurso del tiempo, su música ha llegado ser valorada cada vez más por sus características tan innovadoras y revolucionarias.

El álbum que acá les presento, recoge, precisamente algunas de esas grabaciones que hizo ya hacia el final de su carrera artística y en las cuales toca el piano sin ninguna otra clase de acompañamiento. Disfrútenlo


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