ENSEMBLE IBN ARABI : Cantos sufíes arabo-andaluces

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BEETHOVEN: Cuarteto de cuerdas Op 18, Nos 1 y 2

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BOLA DE NIEVE: Una variada selección

Este blog “se viste de gala” según el decir popular (muy apropiado, por cierto, al personaje que vamos a presentar) para darle cabida a uno de los artistas más brillantes de nuestra América. Como cantante, como artista y como hombre, estamos ante un ser excepcional cuyo arte, si a ver vamos, no conoce fronteras, por lo universal de su decir y de su hacer artístico. He aquí un artista que conecta su corazón directamente al de sus oyentes para, de corazón a corazón, comunicarnos su profunda humanidad. Vamos a servirnos, como tantas veces lo hemos hecho, de la Wikipedia a fin de presentar también a este personaje singular.

Ignacio Jacinto Villa, mejor conocido por su nombre artístico, “Bola de Nieve” nació en la villa habanera de Guanabacoa, en Cuba, cuna de arraigadas tradiciones musicales y folklóricas. Sus padres fueron Inés Fernández, ama de casa, y Domingo Villa, cocinero de una fonda. Ignacio tuvo doce hermanos y aunque las condiciones económicas en que vivían no fueron las más favorables, sí participaban en el ambiente festivo criollo de la villa, lo cual marcó la personalidad creadora, la bohemia y la alegría del artista. Se matriculó en el conservatorio Mateu a los ocho años y en 1923 comenzó a estudiar solfeo y teoría musical. Su aspiración era ser doctor en Pedagogía y en Filosofía y Letras, pero cuando se matriculó en 1927 en la Academia Normal para Maestros, la crisis que provocó la dictadura de Gerardo Machado le hizo dedicarse a la música para vivir.

En cuanto a su apodo hay diferentes versiones. Según algunos Rita Montaner en una noche de espectáculo en el habanero Hotel Sevilla en 1930 o 1931, cuando la acompañaba al piano en "El manisero" y "Siboney". Para otros, como el periodista Fernando Campoamor, fue idea de un médico del barrio, Carlos Guerrero. Las historias populares cuentan que a Ignacio le molestaba el apodo, ya en la época en que aún no era famoso, cuando en su barrio esperaba ante el Teatro Carral para sustituir al pianista de la función cuando éste faltaba, o bien para acompañar los filmes mudos que por entonces allí se proyectaban. Los muchachos del barrio, en burla, lo llamaban por los motes de "Bola de Fango" y "Bola de Trapo". No obstante fue realmente Rita Montaner quien hizo popular el apodo, que se vio por primera vez escrito en público en México, cuando la cantante hizo que pusieran en el cartel de presentación: "Rita Montaner y Bola de Nieve".



A finales de 1929 se presentó como aficionado en un espectáculo en el Teatro Nacional de Cuba imitando al argentino José Böhr, pero no tuvo un gran éxito. Su primer contrato como profesional fue con la banda de Gilberto Valdés, que tocaba en el cabaret La Verbena en Marianao. Una noche de presentación en 1933 en La Habana, en el bar Biltmore del hotel Sevilla, Rita Montaner quedó impresionada con su música, tanto que lo contrató como acompañante. Partieron entonces para México y allí, ante las 4.000 personas que llenaban el Politeama, improvisó "Tu no sabe inglé, Vito Manué" (de Eliseo Grenet y Nicolás Guillén), sustituyendo a la artista que debía interpretarlo, es decir, la misma Rita Montaner. Su éxito fue enorme y desde entonces, aunque la Montaner había regresado a Cuba en el mismo 1933, continuó tocando en lugares como los teatros Principal, Lírico y Cine Máximo. En este último tocó por primera vez con el pródigo Ernesto Lecuona, quien se convirtió en su asiduo espectador y llegó a convencerle de que retornara a su Cuba natal, a tocar el piano para el público cubano.

Al llegar a La Habana tocó junto a Lecuona en el teatro Principal temas compuestos por éste, como "El cabildo de María la O" y "Como arrullo de palmas". Continuó en una gira por la isla y en 1936, como parte del elenco del compositor que lo había lanzado en Cuba, paseó su arte por toda América Latina, Estados Unidos, Europa, Rusia, China, Corea, además de participar en algunas grabaciones con ellos... Compartió escenario con grandes artistas, como la española Conchita Piquer; Teddy Wilson, Art Dayton y Lena Horne en Filadelfia; Ary Barroso y Dorival Caymmi en Brasil; la cubana Esther Borja; la argentina Libertad Lamarque...
La primera ocasión en que cantó exclusivamente composiciones de su autoría fue en la ciudad de Matanzas, donde interpretó temas como "Carlota 'ta morí" y "Mamá Inés", que rendía honor a su propia madre. En 1950 se inició en la cadena de radio cubana CMQ "El gran show de Bola de Nieve", en el que cantaba acompañado por una orquesta e invitaba a artistas nacionales e internacionales de renombre. El triunfo de la Revolución Cubana en 1959 no disminuyó su actividad y nada se le impidió, incluso ofreció conciertos gratuitos. Aun prudente en temas políticos, simpatizó con la revolución y continuó dedicándose a su arte y a expandir la música cubana por el mundo. Moscú, Leningrado, Praga, Sofía, Bucarest...Y también Asia: Beijing, Pyongyang... Pero, a pesar de toda su fama y sus éxitos en tantas latitudes, siempre regresaba a Cuba

En 1965 el restaurante Monseigneur del centro de la capital cubana fue reparado y convertido en el Chez Bola. Este sitio se convirtió en habitual para sus actuaciones y le permitía estar más cerca del público. Bola de Nieve cantaba principalmente en español y cuando era preguntado por su nacionalidad, siempre se definió latinoamericano, aunque también interpretó numerosas canciones en inglés, francés, italiano, catalán y portugués.

Bola de Nieve padecía de diabetes y asma y en enero de 1969 se le descubrió una cardiopatía arteroesclerótica. A pesar de un infarto que sufrió en 1970, declaraba "los trastornos que me está ocasionando la diabetes no me incapacitan para continuar martirizando al piano y a mi público". Su última actuación fue el 20 de agosto de 1971 en el teatro Amadeo Roldán, durante un homenaje a Rita Montaner. Apareció en la televisión por última vez en el programa musical "Álbum de Cuba", un día después de haber cumplido 60 años. Chabuca Granda junto a amigos y admiradores le preparaban un homenaje en Perú y, antes de partir, concedió una entrevista en Radio Habana Cuba que sería la última.

DISCOGRAFIA

El primer disco de Bola de Nieve fue un LP que se lanzó en 1953 bajo el sello de RCA Víctor Mexicana, con arreglos y orquestación de José Sabre Marroquín. En él interpretó composiciones de María Grever, Vicente Garrido, Adolfo Guzmán y del propio Bola.
A finales de la década del 50 la firma española Montilla, durante una gira a través de Europa, le propuso grabar su segundo LP, que contendría solamente composiciones de autores cubanos.
En la siguiente década grabó en Cuba bajo los sellos Egrem y RCA Víctor Cubana. A principios de los setenta transitó dentro del mercado mexicano el disco El inolvidable Bola de Nieve, en el que, entre otras canciones, había una compuesta por John Lennon: "Es tan difícil".
En 1980 la discográfica mexicana Discos Fotón editó los LPs y cassettes Bola de Nieve 1 y 2 con grabaciones originales colectadas en Cuba por el productor argentino-mexicano Modesto López.
En 1995 la casa de discos catalana Discmedi lanzó un disco compacto titulado Show de Bola de Nieve, con grabaciones hechas en directo, y en el 2003 la también española Nuevos Medios lanzó la recopilación Bola de Nieve.
Las realizaciones de Discos Fotón han sido reeditadas recientemente por Ediciones Pentagrama y añadieron dos temas que no se encontraban en el original. En esta ocasión se presentan fotos de Bola de Nieve y Óscar Castro ilustró la portada.
En algunas ediciones en CD de las grabaciones de los Lecuona Cuban Boys, aparece cantando y tocando el piano en algunas piezas.


ALGUNAS OPINIONES DE BOLA DE NIEVE SOBRE SI MISMO Y SOBRE SU ARTE:

• "Me siento eminentemente latinoamericano, tan latinoamericano que no tengo nacionalidad cuando de continente se trata".

• "Todo es bueno en la vida cuando uno cree o se engaña creyendo que está haciendo arte".

• "Yo no tengo fanáticos, devotos es lo que tengo yo. ¿Por qué?... Porque yo soy la canción; yo no canto canciones ni las interpreto. Yo soy la canción".

• "No me creo que soy alguien para tocar la campanilla del éxito como compositor. Creo que la palabra compositor es demasiado seria y demasiado respetable. Yo he hecho cancioncitas... Si hubiera tenido voz habría cantado en serio; me hubiera gustado cantar ópera, pero tengo voz de vendedor de mangos, voz de manguero, tengo voz de vendedor de duraznos, de ciruelos; entonces, me resigné con vender ciruelas en el escenario, sentado en el piano".

• "Yo no sé si me inicié en el arte o si me iniciaron, no pude decir: quiero ser. Yo era un aspirante a la universidad, cuando vino una revolución en Cuba. Fue en la época de Machado (años 30) y yo tocaba el piano, sabía música, tenía nociones de lo que era hacer música popular, que es la que siempre he hecho. Pero entonces hubo que comer y me dediqué a tocar el piano en un cine, acompañando a una cantante"...

• "...nunca tuve el plan de iniciarme para vivir del arte. En eso tuve la suerte de conocer a una de nuestras más relevantes figuras del teatro en aquella época. Se llamaba Rita Montaner"...

• ..."Un día tenía un hambre de tres varas y media y hacía cualquier cosa...canté en italiano, bromeando. Me contrataron para Eurovisión y me cansé de volar entre Milán y Roma".

ALGUNAS PERSONALIDADES OPINAN EN CUANTO A BOLA DE NIEVE:

JACINTO BENAVENTE
• "No se puede hacer más con una canción".

ANDRES SEGOVIA
• "Escuchar a Bola es asistir al nacimiento conjunto de la palabra y la música".

PABLO NERUDA
• "Bola de Nieve se casó con la música y vive con ella en esa intimidad llena de pianos y cascabeles, tirándose por la cabeza los teclados del cielo. ¡Viva su alegría terrestre! ¡Salud a su corazón sonoro!".

EFRAIM HUERTA
• "Para él el piano era un juguete, un instrumento humano, un otro yo, una especie de prolongación suya, estructura nevada propicia al artista más gracioso y generoso del mundo".

ROBERTO FERNANDEZ RETAMAR
• "Se recuerda la primera vez que uno oyó a Bola de Nieve como un cubano recuerda la primera vez que vio la nieve; como algo natural y misterioso que daba alegría y, desde luego, un poco de tristeza; que uno sabía que iba a contar después. Pertenezco a la estirpe feliz de gentes que han oído a Bola de Nieve".

NICOLAS GUILLEN
• "[Bola de Nieve dice sus canciones] a media voz, casi recitadas, dejándolas escapar en el aire de la sala absorta".

• "Bola, además de su cultura musical, tiene una bien hecha cultura literaria. Su charla (no pública, pues no es charlista de ese jaez, sino la corriente entre amigos) está siempre salpicada de ingenio, con lo que hace buena la observación del clásico según la cual la destreza en decir donaires es signo de grande inteligencia".

• "Bola quedará en la historia y lo que es más poético, en la leyenda, allí donde la historia sea impotente para explicarlo...".

ALEJO CARPENTIER
• "[El arte de Bola de Nieve está] nutrido de esencias cubanas, de sensibilidades nuestras".
• "Bola de Nieve era el único artista acerca del cual los intelectuales se ponían de acuerdo. Otros son discutidos, impugnados o, por el contrario, elevados en Zócalos. Bola de Nieve, en cambio, es el hombre a quien todos tienen en su justo lugar, reconociendo que en él, la gracia desenfadada de la persona se empareja con una auténtica musicalidad. Nos pone a todos de acuerdo, evidentemente. Pero ha tenido, por encima de esto, el talento necesario para ponerse de acuerdo con todos los públicos del mundo".


NOTA: La presente compilación incluye, además de las canciones del álbum cuya carátula he colocado como imagen para esta entrada, otras varias que consideré valiosísimas y que vale la pena escuchar por cuanto abarcan toda la gama de matices y de géneros en los que Bola de Nieve incursionó con su voz ÚNICA, EXQUISITA; "HUMANAMENTE HUMANA" Por ejemplo, escucha ésto:


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GIACOMO PUCCINI: "E lucevan le stelle" (Tosca)

He re-fundido en una sola las dos entradas relativas al aria “E lucevan le stelle” de Puccini. Me pareció una mejor opción para todos los amables visitantes que de aquí en adelante deseen descargar y disfrutar de esta bellísima aria. De las arias de ópera para tenor ésta es mi favorita y quise ofrecérsela a ustedes en varias versiones, divididas en dos compilaciones. Ante todo, una breve explicación:

La ópera “Tosca” de Puccini (1858-1924) fue estrenada en Roma, el 14 de Enero de 1900. Está ambientada en Roma, a principios del siglo XIX. La Tosca, famosa cantante, y Mario Cavaradosi, un artista, se aman, pero el jefe de la policía de Roma, Scarpia, está encaprichado con la cantante y conspira y maquina a fin de dar muerte a su rival, Mario.

En el acto III, encontramos que, al amanecer, y ya para ser fusilado, Cavaradosi pide, como una gracia, escribir una carta a su amada; mientras lo hace, se detiene y comienza a rememorar sus amores con Tosca,y en esta aria, describe, como en un ensueño, los bellos momentos vividos y el dolor de tener que morir, perdiéndola para siempre. El texto es un corto y bello poema que dice así:

E lucevan le stelle...
ed olezzava la terra...
stridea l'uscio dell'orto...
e un passo sfiorava la rena...
Entrava ella, fragrante,
mi cadea fra le braccia...
Oh! dolci baci, o languide carezze,
mentr'io fremente
le belle forme disciogliea dai veli!
Svanì per sempre
il sogno mio d'amore...
L'ora è fuggita...
E muoio disperato!
E non ho amato mai tanto la vita!...

He aquí la traducción:

…Y brillaban las estrellas
…y olía la tierra...
chirriaba la puerta del huerto
y unos pasos hacían florecer la arena...
Entraba ella fragante
y caía entre mis brazos...
¡Oh dulces besos, lánguidas caricias!
Mientras yo estremecido
las bellas formas iba desvelando...
Para siempre se ha desvanecido
mi sueño de amor...
Ese tiempo ha acabado...
¡y voy a morir desesperado!
¡Y jamás he amado tanto la vida!


He recopilado para ustedes unas cuantas versiones de esta exquisita aria, con el deseo de que la disfruten tanto como yo. Incluyo dos versiones diferentes por Carlo Bergonzi, ambas excelentes. Y hasta me permití añadir dos cortes instrumentales (jazzísticos) por Enrico Rava, Stefano Bollani y Paul Motian

INTERPRETES EN LA PRIMERA COMPILACION:

Carlo Bergonzi
Placido Domingo
Rolando Villazon
Luciano Pavarotti
Beniamino Gigli
Enrico Caruso
Giuseppe Di Stefano
Jonas Kaufmann
Carlo Bergonzi
Andrea Bocelli
José Cura
Alfredo Kraus

INTERPRETES EN LA SEGUNDA COMPILACION:

Franco Corelli
Gianni Raimondi
Jaume Aragall
Tito Schipa
Enrico Caruso
Andrew Richards
Nicolai Gedda
Mario del Monaco
Jose Carreras
Mario Lanza
Giacomo Lauri Volpi
Jussi Björling



Desde luego, hay una inmensa cantidad de otras versiones de esta bella gema, pero las que aquí ofrezco constituyen una interesante muestra, para su disfrute.

DESCARGAR PRIMERA COMPILACION

DESCARGAR SEGUNDA COMPILACION

Giacomo Puccini en WIKIPEDIA

LA VERSION DE JOSÉ CARRERAS:

WOLFGANG DAUNER: kunstkopfindianer

El sello alemán MPS (Most Perfect Sound) se hizo famoso por allá por los años ’60-’80 por sus excelentes grabaciones de músicos europeos de jazz, sobre todo aquellos con tendencias vanguardistas. Este álbum reune unos pocos de la infinidad de músicos pertenecientes a “la cremita” del jazz alemán de aquella época que, bajo el sello MPS y MPS-BASF nos dieron un legado de CENTENARES de excelentes álbumes. En éste que hoy les brindo destaca el virtuosismo del tecladista Wolfgang Dauner, acompañado del no menos innovador saxo de Hans Koller.

El trabajo es por demás osado, contagioso y lleno de “nervio” moviéndose siempre entre el free jazz y el hard-bop, rematado con pasajes “funkeados” en la línea del bajo de Adelhard Roidinger.

Es un trabajo de primer orden que vale la pena disfrutar a plenitud. Ahí se los dejo. Espero que lo disfruten tanto como lo he disfrutado yo

(NOTA: La traducción del título del álbum, sería algo así como "El arte del tocado de cabello indiano"..... -¡¡!!- Curioso nombre ¿verdad?)

Para todos aquellos que, como yo, son aficionados a este "cerebral" estilo de jazz, les recomiendo muy encarecidamente que visiten MPS-LOVE (esta página tiene un link permanente en este blog el cual podran podrán encontrar en "mi lista de blogs"), allí hallarán música de este calibre ¡¡¡POR TONELADAS!!!

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MAHSA Y MARJAN VAHDAT: I am Eve

Los asiduos visitantes a esta modesta casa con toda seguridad han podido percibir claramente mi gusto por la música de Oriente.
Me gusta la música oriental; no sé decir si es que yo me he enamorado de ella, o si, por el contrario, es ella quien se ha enamorado de mí, para expresarlo en esos términos (tal es el grado de afinidad que se ha establecido entre nosotros) Me deleita en especial el CANTO propio de las culturas orientales. Me atrae fuertemente la espiritualidad que refleja de una manera tan vívida. Lamentablemente no conozco ninguna de esa hermosas lenguas (árabe, azerbaidjaní, urdu, industaní, persa y otros) en las que escucho cantar gente maravillosa de la talla artística de Nusrat Fateh Ali Kahn, Kaushiki Chakrabarti, Alim y Fergana Qasimov, Abida Parveen, Om Kalsoum, Farid el Atrash, cantantes de una excelencia vocal e interpretativa que me han deparado gratísimos momentos de deleite espiritual; podría decirse que, faltando el anhelado dominio del idioma, me dejo llevar por la ternura, la pasión y esa espiritualidad tan propias de la casi generalidad de las expresiones vocales del Oriente. Permito, hasta donde mis escasos medios y mi limitada capacidad me lo permiten, que la Música misma, la voz de un ser humano, aparentemente tan distante se comunique directamente con mi corazón.

Un ejemplo muy descriptivo de lo que vengo diciendo, lo podemos encontrar en el álbum que hoy les brindo. La razón misma de ser de esta música es el canto; la voz de las hermanas Vahdat son las protagonistas principales; el acompañamiento instrumental es sumamente discreto y en las pocas excepciones cuando los instrumentos asumen papel preponderante, lo hacen casi como una prolongación del canto mismo; tan delicada y etérea es este hermosa música…

Este álbum fue compuesto, arreglado y producido por Atabak Elsayi y realizado por “Kirkelig Kulturverksted” en Noruega. Fue concebido y grabado en Iran y luego mezclado y masterizado en Noruega y Suecia. Encontramos acá elementos melódicos de la tradición clásica persa, adaptados por la hermanas Vahdat y Atabak Elsayi. Los textos corresponden a poetas iraníes contemporáneos: Azar Khajavi y Layegh Shir Ali, además de algunos poetas clásicos tales como Rumi,Baba Taher y Tahereh Qorratolein.

MUSICOS:

Christophe Rezai: vocal
Pasha Hanjani y Amir Eslami: ney
Shervin Mohajer: kamancheh
Sharam Gholami: laud
Ali Razmi y Atabak Elyasi: setar
Reza Asgarzadeh: duduk
Babak Riahipour: bajo
Ali Rahimi: daf y percusión

LISTA DE PISTAS:

01 I Am Eve
02 Mystery
03 Kurdish Song
04 The Mirror Of Morning Wine
05 Navai
06 Sorrowful Spring
07 King Of Love
08 Mirage
09 Land Of Love
10 Caravan

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EDDIE PALMIERI: Echando pa'lante

Mis amigos: Llegó la hora del “swing”, del “sabor latino”.

Y nadie mejor que EDDIE PALMIERI para alegrar esta fiesta. Músico que desde que tuve el grato placer de escuchar en acción me impactó. Es uno de esos hombres a los que describo con la expresión: “lleva la Música por dentro”. Eddie es así: la música le brota por los cuatro costados

Eddie Palmieri nació en Nueva York de padres boricuas (su madre era músico); empezó con las pailas para luego cambiarlas por el teclado, emulando a Charlie, su hermano mayor y uno de los mejores intérpretes del piano caribeño de todos los tiempos. Eddie, aprovecha el estímulo familiar para estudiar en Le Comte Conservatory of Music. Cuando todavía era un adolescente comenzó a tocar con el consagrado Tito Rodríguez, paso que le abrió las puertas aceleradamente a su carrera musical.

Algún tiempo después conoció a un personaje importante para toda esta historia: Barry Rogers, el trombonista por excelencia de la salsa. El año 1961 fue el punto de partida de esta etapa y esta combinación curiosa y novedosa para la música del Caribe: dos trombones -Rogers y el brasileño José Rodrigues-, que llamaron Trombanga, (mezcla de charanga y trombón). Completaban el grupo un bongosero y tocador de la paila con sonido propio (Manny Oquendo), un conguero (Tomás López), el bajo de Bobby Rodríguez, una flauta (George Castro) y un cantante que su nombre es imposible desasociarlo de La Perfecta (denominación que finalmente adoptó la agrupación) y que logró sus mejores grabaciones con esta orquesta: ISMAEL QUINTANA.

Entre otras consideraciones sobre la influencia de La Perfecta y sus músicos sobre el concepto musical que estaban creando día a día, se podría establecer que desde su formación y hasta 1967, consolidaron un sonido: dos trombones haciendo sabrosuras, entre el son montuno, el guaguancó o la bomba. Crearon un concepto -las maromas de Palmieri, sus silencios, sus solos encontrándose con él mismo, con todos, con el barrio, con el exigente bailador- estridente, sabroso, popular exigente y elitesco, a la vez.

La música de Eddie Palmieri nos elevó al mundo del sabor y la fiesta. Eran los tiempos de Baila guaguancó, Muñeca, Café, Conmigo, En cadenas, Óyelo que te conviene, Sí echo pa'lante, Sujétate la lengua, Ajiaco caliente, Azúcar pa' tí... La época del productor Pancho Cristal, de los sellos Tico y Alegre, del Mozambique, además de las sesiones con Cal Tjader, una publicada por el sello Verve. Después, como sabemos, todo cambió: vino la explosión de la Salsa. Pero Eddie se ha mantenido allí asimilando y haciendo aportes en el ámbito de la música afro-caribe; siempre como adelantado, a la vanguardia.

73 años de vida, 61 años en la música, 55 años en agrupaciones musicales y 45 años en las salas de grabación, le ameritan a Eddie Palmieri más de 35 trabajos musicales con su propia agrupación.

Eddie es considerado, con toda justicia, El Emperador de la Salsa, El Molestoso, El Rompeteclas, El Sol de la música Latina, o como dice la revista El Manicero de Barcelona, España: Palmieri, es, de todos los pianistas de la Salsa y el Latín Jazz, sin discusión, el más moderno, el más estudioso, el más arriesgado, el más gozón, en una palabra el más revolucionario.

Este hombre, verdaderamente, como decía al principio, “lleva la Música por dentro”… como debe ser. Espero que lo disfruten!!

DISCOGRAFIA

Eddie Palmieri and his Conjunto La Perfecta. Alegre. 1961
El molestoso. Alegre. 1962
Lo que traigo es sabroso. Alegre. 1963
Echando pa'lante. Tico. 1964
Mozambique. Tico. 1965
Azúcar pa'ti. Tico.1965
Molasses. Tico. 1966
El sonido nuevo. Verve. 1966
Bamboléate. Tico. 1967
Timeless, MP. 1967?
Champagne. Tico. 1968
Super-imposition. Tico. 1970
Justicia. Tico.
Vámonos pa'l monte. Tico
Live at Sing Sing, Tico, 1972
Sentido. 1973
The Sun of Latin Music. COCO. 1974
Unfinished Masterpiece. COCO.1975
Live at The University of Puerto Rico, MP, 1975
Lucumí, Macumba, Voodoo. CBS.1978
Música latina. Fania. 1981
Palo pa'rumba. Música latina.1984
Solito. Música latina. 1985
La verdad. Música latina. 1987
Sueño. Intuition Records, 1989
Llegó la India via Eddie Palmieri. Soho Latino.1992
Palmas. Elektra. 1994
Arete. RMM. 1995
Vortex. Tropi Jazz RMM. 1996
El rumbero del piano. 1998
Live! RMM. 1999
Masterpiece. RMM(Con Tito Puente) 2000
La Perfecta II. Concorde Picante. 2002
Ritmo Caliente (2003)
Listen Here (2005)
Simpático (2007) con Bryan Lynch
FUENTES: ANAPAPAYA, WIKIPEDIA

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ALIM QASIMOV: Love's deep ocean

Un deslumbramiento!
Eso fue lo que, personalmente, sentí cuando escuché por primera vez el canto de Alim Qasimov. He aquí un músico que expresa con su canto toda la gama de las emociones humanas y de una manera que sobresale por su sinceridad y maestría. Casi me he sentido tentado a no escribir ningún comentario a esta entrada y dejar que sean ustedes quienes aprecien y juzguen por si mismos el genio interpretativo de Qasimov. No obstante, un poco por respeto a ustedes, los visitantes a este blog, y otro poco por el amor que ha generado en mí el acercamiento a esta música, me he sentido de alguna manera obligado a hacer algunos comentarios de presentación, tal como acostumbro hacer siempre (ojo!): no en tono académico que no cuadra para nada con mi escasa preparación artística y musical, sino más bien con la alegría y el asombro del niño que encuentra una extraña e interesante piedrecita o una curiosa concha marina mientras camina por la playa y no duda un momento en salir corriendo a enseñársela con gran alegría a sus padres o a sus compañeros.

Alim Qasimov es un cultor azerbaidjaní del Mugham. En términos generales se puede decir que la música de Azerbaidjan refleja el prolongado contacto entre las culturas turca e iraní dentro del territorio que ocupó lo autóctono azerbaidjaní. El Mugham, por su parte, que es la música clásica autóctona de Azerbaidjan y que es el canto que junto a su hija Fergana Qasimova, desarrolla nuestro músico, forma parte de una tradición transnacional de música clásica urbana y cortesana que floreció en todo el norte de África, el Medio Oriente, Asia Occidental y Asia Central y que se inició hace ya más de un milenio. Todavía el mugham sigue dando exquisitos frutos y Alim Qasimov es el principal cultor de este género en Azerbaidjan . La autoridad artística de Alim Qasimov se deja ver por su posición como una de los músicos más AMADOS (y recalco la palabra) de su país . El que acá les ofrezco es un bellísimo album que, por cierto, estimo – es mi apreciación- no debe escucharse, como se dice "de un tirón", si no que más bien debe irse bebiendo" a sorbitos.. para mayor deleite y mejor manejo de los sentimientos.

En nuestra cultura, aprecio que la voz humana despliega su máxima capacidad expresiva en los registros medio y grave; en términos generales, a medida que la voz se eleva a los más altos registros, tal vez pueda explayarse en logrados virtusismos de agilidad, más no de EXPRESION, que es lo que, personalmente, más busco y aprecio en el canto. Pues bien, estimo que en el caso de Alim Qasimov (también es cierto de su hija, Fergana) aun cuando alcanza una considerable altura en el registro vocal, ocurre que, en lugar de perder calidad expresiva, su voz GANA en expresión. Esto me parece lo fundamental en cuanto a su canto.

Por otro lado me conmueve el dramatismo de su desempeño vocal no solo cuando canta sino en esos pasajes que me arriesgo a llamar “recitativos”, donde la expresión dramática priva sobre lo puramente melódico. Todo ello, por momentos me hace recordar un poco a las óperas de Leos Janacek: el grito se hace llanto desgarrado o susurro enamorado. Por supuesto, todo lo que tengo dicho hasta ahora no son más que comentarios muy sinceros y enamorados, hechos “al vuelo” por parte de un diletante inexperto en todo lo que tiene que ver con ese misterio consumado que llamamos Música y muy “experto” (je je) en dejarse arrebatar por la pasión que ella comunica. Estoy seguro que la mayoría de mis amables lectores están más autorizados que yo para opinar y comentar, quizás hasta para derribar todas esas elucubraciones mías; pero en lo que verdaderamente nadie podrá interferir jamás es en el goce que esta música me depara.

Nada… que, como dijo Pero Grullo: “La Música hay que oírla”

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CHARLIE PARKER: Verve Jazz Masters # 28: "Plays standars"

Charlie Parker ha llegado a constituirse en un icono del jazz y de lo que es un músico de jazz: Su humanidad, su absoluto compromiso con su arte y su credo artístico lo han convertido en un verdadero héroe y un punto de referencia en este Universo Insondable que constituye el jazz. Julio Cortazar ha querido retratar en una novela breve titulada “El Perseguidor” la vida atormentada y atropellada de este “perseguido” que a su vez se convirtió en “perseguidor” de un ideal inmarcesible de belleza y perfección

Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City. Con 13 años ingresó en el "College Lincoln" donde se despertó en el el interés por la música. Empezó a estudiar bajo la dirección de Alonzo Lewis, que había tenido como alumno suyo anteriormente a Walter Page entre otros. En la banda de alumnos del colegio, le pusieron a tocar la tuba, pero su madre -bendita madre- no lo consideró un instrumento adecuado para el y con sus ahorros le compró su primer saxo alto.

Aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, como Ben Webster y sobre todo, Lester Young. Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del "Local 627", sindicato de músicos de Kansas; se acababa de casar con una compañera del colegio mayor que el; iba a ser padre y ya había probado todo tipo de estupefacientes en una ciudad, Kansas City, cuyo alcalde, Tom Pendergast, era un notorio gangster. En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marcha a Chicago y de allí salta a New York.

Parker llegó por primera vez a Nueva York en 1939, donde trabajó como lavaplatos en un club donde podía oír todas las noches a Art Tatum. Realizó su grabación de debut con Jay McShann en 1940, creando solos destacados con un pequeño grupo de la orquesta de McShann en temas como "Oh, Lady Be Good" y "Honeysuckle Rose". Con la big band de McShann lograría en 1941 impresionar a las audiencias con sus nuevas ideas musicales. Tras tocar con Dizzy Gillespie por primera vez en 1940, tuvo una breve colaboración con la orquesta de Noble Sissle en 1942, tocó el saxo tenor con la orquesta de bop de Earl Hines en 1943 y estuvo varios meses de 1944 en la orquesta del cantante Billy Eckstine, aunque la abandonaría antes de que el grupo hiciese sus primeras grabaciones. Gillespie formaba parte también de las orquestas de Hines y Eckstine; a finales del 1944 los dos músicos empezaron a trabajar juntos.
Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum, tocaba el piano y tras cuatro de años con el carné de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista, Jay McShann, con quien permanecerá hasta 1942, siendo un elemento fundamental en la sección de saxos. Con Jay McShann, grabará sus primeros discos importantes y en ellos está el germen del genio extraordinario que vendría poco después. En una de las estancias de la orquesta de McShann en el Savoy Ballroom de Harlem, se cruza por primera vez con quien seria su alter ego musical, el trompetista, Dizzy Gillespie.

En 1945, Charlie Parker grabará junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. La música contenida en las sesiones de Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son hoy indiscutibles clásicos del jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marcho a California con un contrata para tocar en el club "Billy Berg's" de Los Ángeles y la experiencia es un fracaso musical y económicamente. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar mas con el, cosa que cumple con contadísimas excepciones. Cuando Gillespie regresa a New York, Parker se queda en Los Ángeles dada la relativa facilidad con que allí encontraba la heroína. Su cuerpo no resistió y tuvo que ser ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, después de una sesión fatídica de grabación de la que salió un angustioso "Lover Man" con Parker casi sin poder sujetar el saxo.

Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa mas brillante y creativa de su carrera. Charlie Parker, llevó el mensaje del bebop por los clubes mas importantes de New York, -incluyendo el que inauguraron en 1949, cerca d Broadway y que bautizaron "Birdland" en su honor- y de las principales ciudades del país. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas: Down Beat y Metronome, lo eligen varias veces como "Numero Uno" en su instrumento. 1949, es el año de su primer viaje a Europa con ocasión del Primer Festival Internacional de Jazz de Paris. En 1950 vuelve a visitar Europa tocando en Escandinavia y en 1951, lo hace en una gira organizada por Norman Granz bajo el patrocinio del JATP.

Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta ultima en 1954 por carecer de dinero para una adecuada atención por una neumonía, la que acelera su fin. Protagonizó dos intentos de suicidio, Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez mas frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez mas caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo. Su ultima aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. Muere pocos días después.

Charlie Parker, tenía apenas 35años ¡¡35 años!! y su muerte según el parte médico del forense - que dejó escrito que el cadáver era de un hombre que aparentaba 60 años- fue producto de una combinación entre neumonía, ulcera de estomago, cirrosis e infarto posterior.

Al día siguiente, aparecieron por todas las paredes de New York, y en los vagones de metro, graffitis e inscripciones que decían: "BIRD LIVES". Y tenían razón. Charlie Parker, el más extraordinario saxo alto y el mas grande improvisador de toda la historia del jazz, había, en poco mas de una década, cambiado con su música el curso de esa misma historia de forma imparable y las consecuencias de su gigantesca aportación sigue hoy tan valida como entonces.

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Charlie Parker en WIKIPEDIA

PERO GRULLO: “La música hay que oírla”

Si vamos a ver bien, de música no deberíamos hablar mucho:
La música, como dijo Pero Grullo (según cito por ahí en un “gadget” de mi blog)… “hay que oírla” Cierto, es una perogrullada porque ¿qué otra cosa se puede hacer con la música, si no es OIRLA?
¿? ……

Bueno, aunque parezca mentira hay muchas otras cosas que se pueden hacer, y de hecho HACEMOS, con la Música. Por ejemplo… hablar de ella. Y no es que esté mal hacerlo, no. Con frecuencia ES INEVITABLE que lo hagamos; lo que es más, a veces, el no hacerlo sería una traición a nuestros sentimientos, hasta a nuestra propia esencia.
Pero
tal como también se puede leer en el mismo “gadget”, citando un verso de Baudelaire: “A veces que la Música me envuelve como un mar” O, como vierten otros traductores.. “A veces que la Música me envuelve como un OCEANO”
El océano ….
Con frecuencia el océano suele ser muy peligroso. Sobre todo cuando no somos buenos nadadores; o cuando no tenemos fuerzas para seguir nadando; o cuando nos aqueja un simple calambre, en fin… es entonces cuando necesitamos la ayuda de alguien.
Pueda que con la Música ocurra algo parecido. A veces su ímpetu es tan fuerte que nos sentimos avasallados, ahogados ante tanta belleza, ante tantos sentimientos in-expresados. Y es entonces cuando tenemos que hablar…
Hablar, hablar de Música, para no ahogarnos. A veces hablamos solos, pero ¿no es cierto que nuestra habla se hace más consoladora cuando hay un oído que nos escuche? Es cuando encontramos a alguien que quiere también hablar … de Música.
Con frecuencia es poco lo que podemos decir, porque las palabras a veces se quedan cortas. Parafraseando una bella frase que leí en alguna parte, podría decirse que

“el sentimiento es un pájaro del espacio que, en una jaula de palabras, puede en verdad abrir sus alas, pero nunca volar”

Es lo que ocurre a veces cuando queremos expresar los sentimientos que nos embargan ante la escucha de las notas de un coral de Bach, o de un mugham en la voz de Alim Qasimov, o de un fraseo de Charlie Parker, o un “jipío” del cante maravilloso de Camaron, por poner solo unos cuantos ejemplos.
Es entonces cuando no nos queda otra salida que hacer lo que recomienda el siempre sabio Pero Grullo: “La música hay que oírla”

“La música hay que oírla”……..

A veces, sin embargo, cuando la fuerza impetuosa de los sonidos (Y DE LOS SILENCIOS, que NUNCA lo olvidemos) nos abrume,
para no ahogarnos, como Baudelaire, salgamos a flote y hablemos..
Hablemos un poco
de esa cosa maravillosa que a falta de otro nombre llamamos, sencillamente
Música.

THE DAVE PIKE SET: Album

El vibrafonista, Dave Pike inició sus estudios a los ocho años, tocando primero la batería y después el vibráfono, instrumento con el que desarrollaría su carrera profesional. Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.
Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike la inició con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista, Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964.
Pionero del vibráfono amplificado, Dave Pike pertenece a una generación de solistas que trató con éxito en los sesenta, de renovar el lenguaje del vibráfono en el jazz, dominado desde hacia mas de una década por el extraordinario maestro, Milt Jackson.
Participó en 1968 en el Festival de jazz de Berlín, vivió cinco años en Europa donde formó su propio cuarteto con músicos alemanes. De esta época precisamente data el álbum que acá les ofrezco. Le acompañan Volker Kriegel en la guitarra, J.A. Rettenbacher en el bajo y el bajo eléctrico y Peter Baunmeister en la batería; adicionalmente, los cuatro miembros trabajan la percusión.
Algunos han intentado descalificar la música del Dave Pike Set, tildándola de “facilona” (easy listening), pero tales juicios obedecen más bien a una escucha apresurada; lo cierto es que, aparte de la brillantez y claridad de esta música, tiene también mucho swing jazzístico

LISTA DE PISTAS:
Big Schlepp 04:05
Country Shit 02:43
King Of The Tumbas 03:24
Papa Joy 07:10
Toys 02:50
Hong Kong Woman 06:07
Times Out Of Mind 05:08
Inside Crime 03:55
Greasy Spoon Blues 05:51

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CAPULLO DE JEREZ: Este soy yo

He aquí otro de los músicos que desde hacía rato quería publicar: Miguel Benítez, cuyo nombre artístico es: Capullo de Jerez. Permitan por favor que lo presente con un extracto de la Wikipedia:

Miguel Flores, "El Capullo de Jerez", nació el 3 de abril de 1954 en el Barrio de Santiago, Jerez de la Frontera (Cádiz). A los pocos años, su familia se trasladó al barrio de La Asunción, donde también vivían Tío Borrico, Terremoto, Paco Laberinto o La Paquera. El que más le marcó de todo aquel plantel de figuras fue Fernando Terremoto. Miguel, de niño, visitaba su casa a diario: "En una ocasión, fueron a aquella casa Antonio Mairena y sus hermanos Curro y Manuel", recuerda, "Fernando hizo una seguiriya y se pusieron a llorar los tres".
Despuntó en los "Jueves Flamencos" que organizaba el tocaor Manuel Morao. Pocos flamencos están tan pasados de compás como El Capullo y tienen esa capacidad natural para cuadrar los tercios. El único cantaor profesional de su familia es él, pero sus dos hermanas y sus tres hermanos bailan. Todos lo han mamado de su madre, Isabel "La Moza".
Miguel es payo y sostiene que, dentro del mundo artístico Jerezano no se pueden establecer diferencias entre gitanos y gachós "Lo importante es criarse en la cuna del arte... yo llevo toda la vida con El Torta, el Mijita o Manuel Moneo. Aquí, puros somos todos". Criado en los populares barrios jerezanos de Santiago y La Asunción, Miguel Flores creció escuchando los cantes festeros de artistas tan importantes comoTerremoto o La Paquera de Jerez.1 Si bien en un principio quiso ser jugador de fútbol, pronto inició su trayectoria artística dentro de los Jueves Flamencos, de Manuel Morao, llegando en 1985 a actuar en los tablaos madrileños de «La Venta el Gato» y «los Canasteros».

No sabía que Capullo fuera payo hasta que lo leí, precisamente allí, en la Wikipedia y el hecho me pareció muy notable, porque estoy convencido de que pocos como él tienen en su canto desgarrado, en su timbre tan personal y en su decir franco, el sabor de lo auténticamente flamenco y gitano.
Yo diría que Capullo de Jerez es único y si no, por favor escuchen el martinete que se ofrece en este álbum; o… los fandangos… o la rumba, en fín: el tango (mi favorito), los primeros compases del cual les ofrezco, más abajo, en el mini-reproductor: “¿por qué sufrimos tanto? (si nos tenemos que morir)”. Por cierto que en ese breve retazo se deja ver, no solo la calidad interpretativa de Capullo, sino también el excelente desempeño de Diego Amaya, el guitarrista. Cuando escuchamos con verdadera pasión flamenquista este tipo de canto, difícilmente podemos evitar llegar al borde de las lágrimas (… o ceder a ellas, de una buena vez)
Siempre lo he dicho: “Cante, toque y baile, en el flamenco todo es Arte”
Este álbum, por lo demás, creo que tiene muy bien puesto el nombre: “Este soy yo” Como en ninguna otra parte, tal vez, encontramos aquí la esencia y la presencia viva de Capullo de Jerez
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UN BREVÍSIMO EXTRACTO: