Afterbach-Bach : Música para ver

JIMENA POGLIANO: Tres Pistas ... y un video

2012-03-05T09:42:00.001-04:30

Con orgullo les recomiendo otras tres hermosas piezas del repertorio de Jimema Pogliano, cantante y folklorista argentina
Chacarera del Tiempo
Pecado de juventud
Zamba del Arribeño......
Y un inspirador video:

VISITA SU BLOG!!! >>>>> JIMENA POGLIANO

BOBBY MACFERRIN: The Voice

2012-03-04T07:02:00.000-04:30

Siempre me ha parecido que la voz humana es el instrumento musical por antonomasia.

Disfrútenlo

ALBERT MANGELSDORFF: Birds of underground (resubido)

2012-03-01T07:00:00.000-04:30

Albert Mangelsdorff, es un compositor y trombonista alemán nacido en Frankfurt el 5 de septiembre de 1928 y fallecido en la misma ciudad el 25 de julio de 2005.

Albert comenzó a interesarse por el jazz en una época muy poco propicia: durante la dictadura de Hitler, que desarrolló una política muy represiva respecto a este tipo de música, por lo que las reuniones del Hot Club de su ciudad, se celebraban en la clandestinidad. Finalizada la Gran Guerra, deja la guitarra para pasarse definitivamente al trombón, fascinado por Bill Harris y J.J.Johnson. No obstante, su primer trabajo profesional en el jazz, con una big band de swing, será tocando la guitarra.

Trabaja con el saxofonista austriaco Hans Koller y, ocasionalmente, con Dizzy Gillespie (1953-1954). En 1958, tras tocar con Elvin Jones, viaja a Estados Unidos, invitado por George Wein al Festival de Jazz de Newport. Después, trabaja con Dusko Gojkovic y con sus propios grupos. Regresa repetidas veces a Newport en los años 60, para tocar con Lee Konitz, Joe Chambers, Art Blakey o John Lewis, con quien graba.

Va de gira y graba con la Kenny Clarke-Francy Boland Big Band y con músicos como Don Cherry o Attila Zoller, integrándose en 1969 en la`Globe Unity Orchestra de Alexander von Schlippenbach. En 1972, animado por el crítico y productor Joachim E. Berendt, realiza una serie de conciertos de trombón solo, con una técnica multifónica desarrollada por él mismo y que le permitía emitir, en un solo trombón dos y más notas simultaneamente.

En los años 70 y 80, toca con John Surman, Palle Danielsson, Jaco Pastorius, Kenny Wheeler y, con regularidad, Michel Portal. Mantuvo sus grupos y colaboraciones hasta su fallecimiento.
Mangelsdorff se caracteriza fundamentalmente por su maestría en el conocimiento de los elementos del jazz y un rigor técnico, aliado con una exigente búsqueda de la expresión libre. Su técnica multifónica, tocando una nota y cantando otra distinta a la vez, lo que genera armónicos intermedios entre ambas, le dio un sonido característico.
Aqui les brindo estos "Pajaros del subsuelo"... Espero lo disfruten
(Fuente: Wikipedia)

PERSONAL EN ESTE ALBUM:
Albert Mangelsdorff: trombón
Heinz Sauer: saxos tenor y alto
Gerd Dudek: Flauta y saxos tenor y soprano
Buschi Niebergall: Bajo
Peter Giger: batería

LISTA DE PISTAS:
01 - Wobbling Notes and fluted crackle 14:18
02 – Grive musicienne 5:42
03 – Birds of underground 11:37
04 – Xenobiosis 11:42

Mis favoritas: pistas 1 y 3

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RADIO TARIFA: Rumba argelina (resubido)

2012-03-01T06:00:00.000-04:30

Creo que tengo dicho por alli en una de esas entradas que una de mis cosas favoritas, en Música, son lo que yo llamaría "mestizajes" musicales, es decir, la mezcla bien elaborada de músicas de diferentes índoles y nacionalidades. Algo de eso es lo que aprecio en el grupo español "Radio Tarifa": ellos mezclan flamenco, jazz, música étnica, latina, medieval, en una maravillosa y "sabrosa" síntesis. Este es su primer trabajo grabado (hasta ahora, segun creo, han producido media docena de álbumes)y me parece toda una delicia. Espero que lo disfruten tanto como yo.
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DIEGO AMADOR: Piano Jondo (resubido)

2012-03-01T05:00:00.001-04:30

Diego Amador, llamado “El Churri “ (Sevilla, 1973), es multi-instrumentista, cantante y compositor. Hermano menor de Raimundo y Rafael, fundadores de “Pata Negra” , comenzó su carrera profesional colaborando con ellos, pero también se deja oír con Potito, Pedro Sierra, La Susi y otros. Creó un cuarteto llamado Patita Negra que no llegó a durar un año (1994). Su verdadera carrera estaba en solitario. 'El aire de lo puro' (2001) muestra un estilo como compositor y cantante, del que se retracta en 'Piano jondo' (2003), "el disco de piano que siempre quise hacer", en palabras de Diego. Este último álbum redescubre a Diego Amador como un músico maduro, en el que la convivencia entre con jazz y el flamenco más rancios crea un estilo muy especial, que rompe muchos moldes . Como músico polifacético que es, forma parte de la banda de Tomatito, con el bajo eléctrico y la mandola.
Diego es músico las veinticuatro horas del día y un perfeccionista que se encuentra mejor en el estudio de su casa que en cualquier otro lugar. El futuro de Diego, según se cuenta, se decidió el día en que su padre apareció en casa trayendo un viejo órgano Hammond. Diego no lo dudó un instante, se sentó en el taburete, acarició el teclado y se puso a tocar ... por bulerías. Luego llegaron sus comienzos como profesional acompañando a sus hermanos, la Susi, Tomatito, el guitarrista argentino Luis Salinas, etc. Su primer disco -el muy apreciable "Patita Negra", producido por Ricardo Pachón- ya denota su pasión precoz por el jazz
Con todo, lo cierto es que Diego Amador es puro flamenco y es a esta música incomparable a la que hizo juramento de fidelidad eterna sobre el altar del Arte. Nada hay de casual en su trabajo que persigue el objetivo de tantos músicos jóvenes en los últimos tiempos: convertir el cante y el toque de los gitanos andaluces en la gran música flamenca universal. Churri está entre los músicos mejor dotados de su generación para provocar un salto cualitativo en esa evolución y esa tendencia que parece inevitable. Hoy día hay una nueva generación de músicos flamencos capaces de resolver con toda naturalidad el dilema que enfrenta a la tradición con la innovación. Diego Amador es tal vez el más brillante de todos ellos, un pianista totalmente autodidacta que embruja con sus invenciones.
En “Piano Jondo” (2003) Diego Amador se centra totalmente en el piano, en un estilo libre y personal pero totalmente flamenco. Se dejan notar los conceptos del jazz y otras músicas en una grabación directa llena de creatividad y vivacidad. Al igual que sus hermanos, Raimundo y Rafael, el virtuosismo instrumental proviene de la tradición autodidacta y familiar.

INTERPRETES:
Diego Amador: piano, guitarras, mandola, voz y palmas.
Miguel Vargas: contrabajo.
Luis Amador: cajón y percusión.
Joaquín Grilo: baile, palmas y jaleos.

CONTENIDO:
Soleá del Churri (Soleá)
Pa los viejitos (Taranta)
Comparito (Bulerías)
Quiero olvidarte (Soleá)
A mi tío Diego (Rondeña)
¡Vivan los gitanos! (Bulerías)
Seguiriya de pildorilla (Seguiriya)
El llanto de la lluvia (Tanguillos)
Continuum (por Tangos).
Les invito a disfrutar esta exquisitez

Para descargar “piano Jondo” haz click AQUÍ

ALGUNAS FRASES DE DIEGO AMADOR en entrevista (2001) que podrás leer completa AQUI:

“El flamenco está un poquito confundido hoy con esto de los grupos jóvenes. A veces voy a un sitio a tomar una copa y vuelvo con el oído roto. Hay mucha ojana. Está bien que se dé a conocer el flamenco, pero no lo podemos confundir con el flamenquito. Para hablar de flamenco hay que lavarse la boca”
“Mis ídolos….Sobre todo tres: Camarón, Jaco Pastorius y Miles Davis. Luego están Juan Talega, El Borrico, Mairena, Vallejo... A ellos nunca dejaré de escucharlos, porque son la raíz de esto”
“Paco de Lucía, como Camarón, es para mí el espejo donde mirarme. Para hablar de Paco no hay palabras. El que no escuche a Paco de Lucía es que es tonto, con perdón, no tiene cultura musical, no tiene nada. Es que cuando hablo de él me pongo nervioso. Yo he rayado discos de Camarón y de Paco de tanto escucharlos”

DMITRI SHOSTAKOVICH: Sinfonía # 5 (resubido)

2012-03-01T05:00:00.000-04:30

Dmitri Shostakovich ha llegado a constituirse en una figura controversial. Tanto los melómanos de todo el mundo, como los propios músicos asumen ante su obra posiciones muy encontradas, aunque tanto unos como otros no dejan de reconocer en él a uno de los más destacados compositores soviéticos contemporaneos

Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (en ruso: Дмитрий Дмитриевич Шостакович) (San Petersburgo, 25 de septiembre de 1906 – Moscú, 9 de agosto de 1975) fue un compositor ruso que vivió durante el período soviético, y uno de los más reconocidos compositores del siglo XX. Shostakovich obtuvo fama en la Unión Soviética bajo el patrocinio del jefe de León Trotsky de personal, Mijail Tujachevski. Pero después tuvo una relación difícil con la burocracia del Estalinismo (tuvo relaciones difíciles con el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS)). El Partido Comunista denunció públicamente su música en 1936 y en 1948, con esto temporalmente fue convirtiéndose en prohibida. A pesar de ello, con el paso del tiempo recibió halagos por su música dentro de la URSS e incluso reconocimientos del Estado. A pesar de la controversia, su trabajo fue popular y bien recibido.

Sin embargo, en público se mostró leal con el sistema soviético, aceptó el carnet del PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. Su actitud frente al gobierno estalinista y el Estado soviético ha sido tema de agrias polémicas políticas y musicales y se ha discutido enconadamente si Shostakovich fue o no un disidente clandestino frente a la URSS.

Tras un período de influencia por Prokofiev y Stravinsky, desarrolló un estilo híbrido, como lo ejemplifica la ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934), que posteriormente derivó hacia un romanticismo musical tardío. La influencia de Mahler se combina con la de la tradición musical rusa, con Mussorgsky y Stravinsky como referentes importantes. Shostakovich integró todas esas influencias creando un estilo muy personal. La música de Shostakóvich suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos , con un componente rítmico muy destacado. En su obra destacan sus ciclos de quince sinfonías y seis conciertos; entre la música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet. (Wikipedia)

En muchos sentidos, esta Quinta Sinfonía viene a ser, por decirlo así su primer intento por congraciarse de alguna manera con las autoridades soviéticas, toda vez que el régimen stalinista llegó a considerar su obra como "decadente" y "aburguesada". Lo cierto es que su desarrollo estilístico anterior tenía visos de gran innovación y personalidad, pero a partir de éste momento (Quinta Sinfonía) los ataques de la crítica soviética más decidida e intrasigente, dispuesta a condenar todo lo que no podía ser comprendido sin esfuerzo por las masas, desenbocaron en un debilitamiento del ímpetu vanguardístico del compositor, induciéndolo a adoptar esquemas y modalidades más habituales.

Pero el genio es genio póngasele donde se le ponga, de manera que, aunque segun la opinión de casi todos los críticos la música del maestro perdió mucho de su vitalidad e innovación, logicamente, siguió teniendo la marca de su gran talento de orquestador y creador. Ello explica, por ejemplo, la gran popularidad de la que siempre ha disfrutado esta Quinta Sinfonía, una de mis favoritas del repertorio sinfónico contemporaneo. Acá se las dejo para que la disfruten en la interpretación de la National Symphony Orchestra, bajo la batuta del maestro Mstislav Rostropovich

Pienso que Shostakovich es uno de esos artistas ante cuya obra es difícil permanecer indiferentes. Les recomiendo que sigan el vínculo de más arriba a la Wikipedia, para que amplien (o refresquen, segun el caso) un poco más su conocimiento del hombre y el músico

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V.A.: American Yodeling (1911-1946) (resubido)

2012-03-01T04:00:00.000-04:30

El "yodel" no es propiamente un género musical, como decir "blues" o "jazz", "country",etc, no. El yodel constituye, más bien, un estilo de canto, una forma de cantar caracterizada por el hecho de hacer un uso "desentonado" de la voz, o mejor: entre lo entonado y lo desentonado, pasando por el falsete.

Esta técnica vocal se haya extendida por todo el mundo en diferentes épocas y lugares, desde los paises alpinos hasta los pigmeos en Africa. Y, por supuesto, en Norteamérica, donde lo usan los cantantes tanto del blues, como de country y folk en general.

La presente compilación nos presenta una selección variadísima de cantantes de "yodel" que les dará un panorama bastante completo de lo que este estilo de cantar ha representado en Norteamérica. Espero que sea de su agrado.

Más información sobre el "yodel" en La Wikipedia

TRACKLIST:
Yodelin' Mountaineer (J.E. Mainer's Mountaineers) 02:53
Gonna Quit My Rowdy Ways (Callahan Brothers) 03:13
The Arizona Yodeler (The DeZurik Sisters) 02:27
My Clinch Mountain Home (The Carter Family) 03:19
The Devil's Great Grandson (The Sons Of The Pioneers) 03:02
Cowboy Night Herd Song (Roy Rogers) 03:04
Worried Devil Blues (Tampa Red) 03:25
Will There Be Any Yodelers In Heaven? 02:42
the nasty swing 03:23
Yodeling Mule 03:00
Lost lover blues 03:28
the yodelin' teacher 02:59
Lonesome yodel blues 02:41
La Valse De Marriage 03:06
Lovesick Blues 03:08
I Wanna Be A Cowboy's Sweetheart 02:43
Rockin'Yodel 03:01
mule skinner blues 02:41
rockin' yodel 02:59
yodeling fiddling blues 03:10
standin' on the corner (blue yodel #9) 02:43
Sauerkraut (Riley Puckett) 03:09
Yodeling Radio Joe (Rambling Rod Foley) 03:10
Blue Yodel No. 1 (Bob Wills & His Texas Playboys) 02:25
You Gotta To Go To Work (Rex Griffin) 02:26
Sleep, Baby, Sleep (George P. Watson) 02:53

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GENTIL MONTAÑA: Suites colombianas (resubido)

2012-03-01T02:00:00.000-04:30

"Gentil Montaña (Guitarrista y compositor colombiano) Nació en Ibagué, 24 de noviembre de 1942.

Su verdadero nombre es Julio Gentil Albarracín Montaña. Inició sus estudios en el Conservatorio de Ibagué, a la edad de 7 años. Su primer instrumento fue el violín pero a la edad de 13 años se dedicó a la guitarra.

Fueron sus profesores : Domingo González, y Daniel Baquero M. Realizó sus estudios de armonía con Juan Carruba. A la edad de diecinueve años comenzó su carrera como concertista, llevando a cabo su primer recital en el Teatro Lido de Medellín; desde entonces se destaca como el precursor de la Guitarra clásica en Colombia. En Europa adelantó estudios de música contemporánea con Kakleen Keinell., y posteriormente se especializó en instrumentación con los maestros Blas E. Atehortúa y Gustavo Yepes.

Participó en el primer concurso mundial de guitarra Alirio Díaz efectuado en la ciudad de Caracas en 1975, donde obtuvo el tercer premio. Allí fue como guitarrista autodidácta ya que en Colombia para la época no existía aún una catedra de guitarra. En 1994 y en el 2002, este mismo concurso invitó al maestro a participar como jurado e interprete.

Ha sido solista con las orquestas Filarmónica de Bogotá, Sinfónica de Colombia, Sinfónica de Antioquia, Colegium Musicum, Cámara de Colombia, del Conservatorio entre otras. Ha realizado conciertos con gran éxito, en las principales salas de Colombia y del mundo: España, Francia, Alemania, Suiza, Grecia, Italia, Venezuela, Chile, Uruguay, Paraguay, Argentina, Cuba, Costa Rica, Ecuador, Estados Unidos e Inglaterra.

Fue profesor en la Academia Luis A. Calvo, en los períodos 1966 - 1972, y desde 1983 hasta el año 2001. Ha enseñado además en la Universidad Pedagógica Nacional desde 1985 hasta 1996, y en el Conservatorio de la Música de la Universidad Nacional en 1991. Ha participado como jurado en concursos de guitarra en Colombia y en el exterior; Primer Concurso Iberoamericano de Guitarra, auspiciado por la Fundación Arte de la Música y la Móbil, "Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz ", en el Concurso Nacional de Interpretación Musical Anselmo Durán Plazas, en el Festival del Pasillo Colombiano y el "Colono de Oro" en Florencia, Festival "Principes de la canción" en Ibagué. Fue ganador de una beca de Colcutura en la modalidad de composición.

Ha grabado siete discos como solista de la guitarra, destacándose los que hizo con la Orquesta Filarmónica de Bogotá en honor a los Reyes de España, con música de la independencia de Carmen Caycedo, y otro en Francia, para el sello Carré, con obras homenaje a Agustín Barrios Mangore. Su producción discográfica incluye además fonogramas para Discos Zeida en 1964 y 1965, un CD grabado en 1967, y fonogramas para Discos Bambuco.

Recientemente fue invitado a dirigir un Master Class en el Conservatorio Superior de Música de Paris y en la Universidad Charles Darwin en Australia.

Además de su gran éxito como intérprete, Gentil Montaña es un reconocido compositor, campo en el que se le considera destacado junto con grandes virtuosos y compositores latinoamericanos como Agustín Barrios-Mangoré, Heitor Villa-Lobos, Antonio Lauro, Leo Brouwer y Manuel Ponce" (Wikipedia)

Disfruten los dulces, frescos, sinceros y sabrosos sonidos de la guitarra de Gentil Montaña y sus cuatro Suites Colombianas
NOTA: La carátula que se muestra no corresponde al album acá posteado; sólo tiene carácter referencial

Suite Colombiana Nº 1:
Danza,
Canción,
Guabina
Pasillo.

Suite Colombiana Nº 2:
Pasillo,
Guabina,
Bambuco
Porro

Suite Colombiana Nº 3:
Pasillo,
Guabina,
Danza,
Bambuco

Suite Colombiana Nº 4:
Pasillo,
Danza,
Bambuco,
Porro.

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V.A.: Train 45 (resubido)

2012-03-01T01:00:00.000-04:30

Hoy día los trenes han dejado de tener la importancia que en otros tiempos tuvieron. Sinembargo en lo que tiene que ver con la era que va desde mediados del siglo XIX hasta las primeras décadas del siglo XX, los trenes eran la vida misma de Norteamérica. Por esa razón todo lo relacionado con los trenes y ferrocarriles llegó a ser tema de inspiración para millares de músicos de toda categoría durante todo ese tiempo.

Es facil entenderlo, no sólo por la importancia de ese medio de transporte durante la época señalada, sino tambien por el hecho de que el tren de por sí facilmente llega a constituirse en una fuente inagotable de inspiración y de rebuscadas metáforas para músicos de todo género, desde el blues y el gospel hasta el folk, country y bluegrass.

Lo interesante de esta compilación es que recoge más de una veintena de temas inspirados en los trenes y todo lo relacinado con ellos. Canciones de varios géneros interpretadas por toda una pléyade de artistas que van desde bluesmen y songsters, hasta simples presidiarios

Ya saben ustedes el gusto y el re-gusto que tengo por la música añeja (la "vintage music") de manera que estoy seguro de que nadie se extrañará al saber (y yo no tengo reparos en confesarles) que esta preciosa colección de antiquísimos temas es lo que bien podría llamar uno de mis "discos de cabecera"

TRACKLIST:
Andrew and Jim Baxter K. C. Railroad Blues
Arizona Wranglers Wreck of the 97
Captain Appleblossom Time Table Blues
Convicts of Bellwood Prison Camp, Atlanta, GA The Longest Train
Convicts of Cummins Farm, Gould, AR Rock Island Line
Crowder Brothers Depot Blues
Curly Fox Wreck of the 1256
G. B. Grayson and Henry Whitter He is Coming to Us Dead
G.B. Grayson and Henry Whitter Red and Green Signal Lights
Gene McNulty The Lightning Express
George Edgin Pine Knot Cannonball
Golden Gate Jubilee Quartet Golden Gate Gospel Train
Harry McClintock Jerry, Go Ile That Car
Home and Jethro Poor Little Liza, Poor Girl
Jerry and Sky Orange Blossom Special
Joe 'Cannonball' Lewis Train Whistle Nightmare
Jolly Two Railroad Stomp
Lew Childre Riding the Elevated Train
Lullaby Larkers True and Trembling Brakeman
Palmer McAbee McAbee's Railroad Piece
Pullman Porters Quartette Pullman Passenger Train
Sam McGee Railroad Blues
Steve Ledofrd, Wade Mainer, And Zeke Morris Riding on That Train 45
T. C. I. Section Crew Section Gang Song
Uncle Dave Macon Death of John Henry
Wade Mainer and Sons of the Mountaineers Old Ruben

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BLIND WILLIE JOHNSON: Complete Recordings (1927-1930)

2012-02-26T01:00:00.000-04:30

Ya lo tengo dicho: Todos y cada uno de los álbumes que acá intento publicitar son, ni más ni menos, los que en un momento u otro han llenado mi corazón y mi cerebro de esa infantil, espiritual e inexplicable alegría que invade el espíritu humano ante lo maravilloso y sublime.

Peeero.... tambien es cierto que hay ocasiones en las que, al publicar algo demasiado ceñido a mi espíritu de "dilettante", es una emoción mucho más intensa la que me invade. Me ocurrió al publicar, por ejemplo, "La Pasion segun Mateo" de Bach, "Las Estaciones" de Haydn o "Love's Deep Ocean" de Alim Qasimov, por mencionar sólo tres ejemplos.

Lo antedicho viene a cuento por el personaje que me toca presentar (a los que no lo conocían) y/o traer a la memoria a los que sí han tenido la dicha de conocerlo, me refiero al grande (humilde) hombre Blind Willie Johnson. Este personaje por cierto o, mejor dicho, su música, está en este momento lejos de los confines de nuestro Sistema Solar.

En efecto, en una de las sondas espaciales Voyager lanzadas al espacio por la NASA en el año 1977 están contenidos sendos discos de oro en los que van registrados una serie de sonidos e imágenes del planeta Tierra destinados a algun hipotético habitante extra-terrestre que pudieran apoderarse de esas sondas (¡oh vanidad humana: nos preocupan los extra-terrestres, mas no nuestro vecino de al lado)

En esos discos, como representación o emblema de la música norteamericana se incluye una canción de nuestro personaje, (junto a obras, por cierto del mismísimo Johann Sebastian Bach y de otros varios compositores académicos consagrados) una enigmática y sublime canción que ni siquiera tiene letra, pero cuyo espíritu habla mejor que si tuviera palabras; me refiero a "Dark was the night" pista que, logicamente, encontrarán ustedes, en esta recopilación de toda la obra grabada por Blind Willie Johnson, 30 pistas en total, todas ellas spirituals, porque este humilde hombre nunca grabó blues ni tuvo preocupación más grande que la de andar en los caminos del Buen Dios... y darle honra.

La suya fué una vida trágica, desde su niñez de huérfano, su temprana ceguera (a los 7 años apenas, producida al parecer por el ácido arrojado a su cara por su madrastra, en represalia por una paliza que el padre de Willie le hubiera propinado), hasta su temprana muerte al contraer una enfermedad respiratoria de gravedad por dormir a la intemperie, luego de que la humilde casa donde viviera fuera incendiada, no se sabe si por alguna mano criminal o por algun hecho fortuito. No quiero aburrirlos con más datos de su casi desconocida y fragmentada biografía; prefiero remitirlos a la
Wikipedia
donde encontrarán una breve reseña suya.

Si todavía quieren seguir investigando, les recomiendo otros links que me han parecido sumamente interesantes:

UNA EXTENSA DISCOGRAFIA (¡¡¡¡de un hombre que sólo grabó 30 pistas!!!!)

RESEÑA, EN UNA PAGINA DEDICADA A SU CIUDAD NATAL, AUSTIN,TEXAS

OTRA NOTA BIOGRAFICA DE INTERES

En cuanto a la Música en sí; prefiero que juzguen por ustedes mismos. Sólo señalaré 2 hechos que a mí en particular me llaman la atención:
1.- El uso que hace Willie de un registro gutural, áspero y ronco, cuando otros pasajes nos lo muestran con una voz bastante tierna y dulce.
2.- El acierto que constituye el acompañamiento armónico de una voz femenina en segundo plano (al parecer la de su mujer) que le da un encanto especial a estas 30 joyas

Estoy convencido de que ningun ser humano con un mediano grado de sensibilidad podrá seguir siendo el mismo despues de escuchar con oído, mente y (sobre todo) corazón bien abiertos a este insigne caballero del espíritu, ante quien, con todo respeto, "me quito el sombrero"

VOL I

VOL II

alim qasimov; bagishlamani

2012-02-25T16:14:00.000-04:30

....La voz humana... sin duda, el instrumento musical por experiencia

Esma Redzepova - Hajri Ma Te Dike

2012-02-24T23:00:00.000-04:30

MUSSORGSKY/STOKOWSKI: Síntesis sinfónica de Boris Godunov (resubido)

2012-02-24T17:57:00.000-04:30

Leopold Stokowski fué un controversial director de orquesta ingles, nacido en 1882 y fallecido en 1977. Su nombre está ligado a la Orquesta Sinfónica de Filadelfia, la cual dirigió durante 25 años, creando lo que dió en llamarse el sonido Filadelfia caracterizado tanto por la audacia de sus creaciones, como por la versatilidad y teatralidad de sus presentaciones. Realizó grandes producciones musicales para el cine. Debido a su genio polifacético e investigador, su nombre hasta está asociado a la producción del sonido estereofónico. Participó en la película "Fantasía" de Disney dirigiendo la banda sonora con la orquesta de Filadelfia. Por otra parte, dedicó buena parte de su ingenio a la cvreación de lo que él dió en llamar "síntesis sinfónicas" consistentes en el ensamblado de trozos sinfónicos de una o más obras de un compositor consagrado, tomándose algunas libertades en la orquestación y la interpretación de las mismas. El álbum que acá les presento, constituye, precisamente, una de estas "síntesis", dedicada en este caso a la ópera de Modest Mussorgsky "Boris Godunov" El album contiene, además su versión de la "Marcha Eslava" de Tchaikowsky

No hay duda de que Stokowski fué todo un personaje, no sólo por su carrera como director de orquesta, sino, además, por su vida toda, su estética y su concepción revolucionaria del Arte en general y de la Música en particular, temas que expone en su obra "Música para todos nosotros", cuya lectura recomiendo muy encarecidamente a todos los melómanos asiduos a este blog

Se ha dicho que su biógrafo nunca pudo descubrir su verdadera nacionalidad y entre los músicos se le tilda desde "bufón" (Arturo Toscanini) hasta "Maestrissimo" (Leonard Bernstein),
Su primera mujer lo bautizó como "X", el término algebraico para lo desconocido. Olga Samarnoff, pianista y primera cónyuge, al parecer, nunca despejó esa "X". Oliver Daniel, biógrafo de Stokowski escribió 1.090 póginas en las cuales lo único que queda claro es el sentido teatral que caracterizó la vida de Stokowski.

Nunca quiso hablar de su pasado, y cada vez que se refería a él, inventaba un nuevo cuento. Insistió siempre que había nacido en Cracowia, Polonia en 1887. La verdad es que nació en Londres en 1882 y por sus venas corría sangre polaca, inglesa, escocesa e irlandesa, ninguno de los cuales explica su inubicable acento.

Leopoldo Stokowsk¡ comenzó su enigmática vida musical como organista en lo iglesia de San Bartolomé de Nueva York, donde interpretaba un repertorio que poco tenía que ver con los servicios religiosos. Llegó a dirigir lo Orquesta Sinfónica de Filadelfia que junto con él, como ya he dicho, llegó a ser una de las más famosas y populares de los EE.UU. Los músicos recuerdan, que en sus primeros tiempos de director, confirmando su gusto por lo teatral, subió a su puesto de director y arrojando al suelo la partitura que estaba en el atril, emprendió el ensayo dirigiendo de memoria, luego tiró la batuta para usar sus manos, que hacía iluminar especialmente.

Al decir de sus músicos aquellas manos eran tan expresivas que sólo les faltaba hablar. Introdujo a los compositores, Mussorgsi (Boris Goudonov) y Arnold Schoenberg (Concierto para violín) al público norteamericano. Aunque caprichoso y hasta insolente con mucha de la gente que estaba a su alrededor, era generoso con los compositores y ejecutantes noveles y de infinita paciencia con los niños.

El compositor-director Gunther Schuller resume así la intrigadora personalidad de Stokowski al decir, "El hombre era mitad payaso, mitad genio, sin embargo yo colocaría primero su condición de genio: El hecho objetivo es que Stokowski creó una nueva manera de lograr un sonido especial de una orquesta además de llevar la apreciación y el gusto por la música académica a auditorios cada vez más amplios.

LLÉVALO

HORACE SILVER: Song for my father (resubido)

2012-02-24T17:53:00.000-04:30

Horace Silver es uno de los músicos pioneros del hard bop en los años cincuenta. Nacido en Norwalk el 2 de septiembre de 1928. Pianista y compositor. Uno de los artistas más populares e influyentes en la corriente principal del jazz contemporáneo gracias a su estilo terso, imaginativo y muy funky. Ha trabajado también dentro de la fusión.

Algunos de los que serían los músicos más influyentes de los años 50, 60 y 70 iniciaron su carrera a la sombra de Silver; artistas tales como Donald Byrd, Woody Shaw, Joe Henderson, Benny Golson y los Brecker Brothers. Incluso, miembros destacados de la vanguardia jazzística como Cecil Taylor y el trompetista Dave Douglas han sido influenciados por él.

La primera influencia musical de Silver fue la música folclórica de Cabo Verde, que pudo escuchar de su padre, oriundo de allí. Más tarde, tras empezar a tocar el piano y el saxofón en el instituto, Silver se situó bajo el influjo de los cantantes de blues y de los pianistas de boogie-woogie y de bop como Thelonious Monk y Bud Powell. En 1950, Stan Getz tocó un concierto en Hartford con una sección rítmica compuesta por Silver, el batería Walter Bolden y el bajo Joe Calloway. Getz quedó tan impresionado que contrató al trío y Silver se trasladó con él a Nueva York.

Silver trabajó con Getz durante un año, y a continuación empezó a trabajar de forma independiente por la ciudad con músicos de la talla de Coleman Hawkins, Lester Young y Oscar Pettiford. En 1952, grabó con Lou Donaldson para Blue Note lo que le permitiría grabar sus primera sesiones como líder. En 1953 unió fuerzas con Art Blakey y editaron Horace Silver and the Jazz Messengers, disco fundamental en la evolución del hard bop. Muchos de los temas escritos por Silver para ese álbum ("The Preacher", "Doodlin'", "Room 608") se convirtieron en clásicos del jazz. Hacia 1956, Silver había abandonado a los Messengers para grabar por su cuenta. Los discos que grabaría a continuación para Blue Note le consolidarían como uno de los más importantes compositores y pianistas del jazz; se trata de discos como Blowin' the Blues Away y éste que acá les presento: Song for My Father

Silver grabó en exclusiva para Blue Note hasta la decadencia del sello a finales de los setenta, cuando empezó a trabajar para su propia compañía, Silveto. Durante los ochenta comenzó a escribir letras para sus composiciones y su música se aproximó a intenciones espirituales, como ejemplifican títulos como Music to Ease Your Disease y Spiritualizing the Senses. En los noventa, Silver cerró su sello y comenzó a grabar para Columbia, con la que retomó posiciones de popularidad en el mundo del jazz.

Selección discográfica:

    * 1954: Horace Silver and the Jazz Messengers (Blue Note)
    * 1956: 6 Pieces of Silver (Blue Note)
    * 1959: Finger Poppin' With the Horace Silver Quintet (Blue Note)
    * 1959: Blowin' the Blues Away (Blue Note)
    * 1961: Doin' the Thing (At the Village Gate) (Blue Note)
    * 1964: Song for My Father (Blue Note)
    * 1965: Natives Are Restless Tonight (Emerald)
    * 1966: The Jody Grind (Blue Note)
    * 1968: Serenade to a Soul Sister (Blue Note)
    * 1996: Hard Bop Grandpop (GRP)
(Wikipedia)

"Song for my father" fué editado en 1965, con material grabado en los años 1963 y 1964. Su fuente de inspiración fué un viaje que el músico hizo a Brasil. El caballero de la portada es el padre de Horace, el Sr. John Tavares Silva, a quien está dedicada la pieza que da título al album. Fué un caballero de origen portugués nacido en Maio, una de las islas de Cabo Verde. Esta pieza dedicada a él ha llegado a constituirse en un standart del jazz; con su sabroso ritmo de bossa nova ha constituido una fuente de inspiración para unos cuantos artistas, tales como Stevie Wonder y Earth Wind & Fire

Tracklist: (original)
   1. "Song for My Father" – 7:15
   2. "The Natives Are Restless Tonight" – 6:08
   3. "Calcutta Cutie" – 8:28[3]
   4. "Que Pasa" – 7:45
   5. "The Kicker" – 5:24
   6. "Lonely Woman" – 7:03
        ( En posteriores ediciones se incluyeron estas otras pistas):
   1. "Sanctimonious Sam" – 3:52   2. "Que Pasa" (trio version) – 5:35
   3. "Sighin' and Cryin'" – 5:23
   4. "Silver Treads Among My Soul" – 3:50

(La edición acá presentada, las incluye todas)

Personal:
    * Horace Silver — piano
    * Carmell Jones — trompeta
    * Joe Henderson — saxo tenor
    * Teddy Smith — bajo
    * Roger Humphries — baterías

Y en los tracks 3, 6 – 10

    * Horace Silver — piano
    * Blue Mitchell — trompeta
    * Junior Cook — saxo tenor
    * Gene Taylor — bajo
    * Roy Brooks — baterías

LLÉVALO

WAGNER/STOKOWSKI: Síntesis sinfónica (resubido)

2012-02-24T17:52:00.000-04:30

Esta es otra de las famosas síntesis sinfónicas preparadas por Leopold Stokowski a fin de dar a conocer o popularizar a los grandes compositores. En esta oportunidad se trata de Richard Wagner.

Hace poco publicamos acá otra de esas Síntesis, dedicada en ese caso a la conocida ópera de Modest Mussorgsky "Boris Godunov" En esa oportunidad dímos una breve explicación en torno a la polémica personalidad de Stokowski, asi como tambien con relación a la estética y propósito de estas atípicas piezas de música académica.

En el caso del "Boris Godunov" el propio Stokowski estuvo al frente de la orquesta. En el caso presente, el director es José Serebrier, al frente de la Bournemoutn Symphony Orchestra. Espero que les guste

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WORLD OF GYPSIES Vol 1 (resubido)

2012-02-24T03:00:00.000-04:30

CONTENIDO:

01. Roby Lakatos (Hungary) - On The Waves Of The Balaton

02. E. Redzepov & S. Teodosievski (Macedonia) - Hajri Ma Te Dike

03. Saban Bajramovic (Serbia) - Peno

04. Vera Bila (Czech Republic) - Sar Me Khere Avava (When I Come Home)

05. Fanfare Din Cozmesti (Romania) - Cantecul Miresei (Bride's Song)

06. Andras Farkas (Hungary) - Jaroka Csardas

07. Camaron De La Isla (Spain) - No Siento En El Mundo Mas

08. Musafir (Rajasthan) - Ninderli (Come To Sleep Near Me, My Beloved

09. Hala Mahmoud & Gypsies Of The Nile (Egypt) - I Blame The Days For His Absence ....

10. Kocani Orkestrar (Macedonia) - Nikol

11. Goran Bregovic & Kayah (Serbia, Poland) - Caje Sukarije

12. Ibro Lolov & His Gypsy Orchestra (Bulgaria) - Varnenski Tantz (Dance From Varna)

13. Taraful Din Baia (Romania) - Trec Tiganii (Gypsies Are Passing)

14. Chrisoula Christopoulou, Kostas Pavlidis (Greece) - Rom

15. Kalman Balogh (Hungary) - Bulgar Cigany Horo

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WORLD OF GYPSIES: Vol 2 (resubido)

2012-02-24T02:00:00.000-04:30

CONTENIDO:
01. Sandor Deki Lakatos (Hungary)    Rhapsody For Violin And Gipsy Band
02. Lida Goulesco (Russia)    Vsiega Z'Gitaroi
03. Gypsies From Turkey (Turkey)    Gecemiz
04. Kurbeti (Albania)    Antoneta
05. Taufiq Qureshi (Rajasthan)    Campfire
06. Manitas De Plata (Spain)    Zingaros
07. Andreas Farkas (Hungary)    Never Grumble At Me ...
08. Vera Bila & Kale (Czech Republic)    Miro Rom Hin Ternoro
09. Vassilis Paiteris (Greece)    Two-Two
10. Ibro Lolov & His Gypsy Orchestra (Bulgaria)    Sofiysky Kjuchek
11. Valentina Ponomareva (Russia)    Kumushka
12. Kalman Balogh (Hungary)    Cintec De Dragoste & Hora De La Bolintin
13. Octavio Crespo (Danza Fuego) (Spain)    Recital & Solea Y Zambra
14. E. Redzepova & S. Teodosievski (Macedonia)    Ciganka Je Malena

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WORLD OF GYPSIES: Vol 3 (resubido)

2012-02-24T01:00:00.000-04:30

Con la publicación de éste, el volumen 3, culminamos con la serie dedicada a la música de los gitanos

CONTENIDO:
01. Fanfare Giocarlia (Romania)   Iag Bari
02. Kanizsa Csillagai (Hungary)   Fa Nye Mama
03. Talisman (Russia)   Gypsy Soul
04. I Gitanos (Spain)   Amando
05. Groupe Sidi Mimoun (Morocco)   Guafla
06. Boban Markovic Orkestar (Serbia)   Ederlezi
07. Maria Buza & Taraful Ciuleandra (Wallachia)   Piatra, Piatra
08. Titi Winterstein Quintett (Germany)   Hunn, O Pani Naschella
09. Jony Iliev & Band (Bulgaria)   Godzila
10. Bireli Lagrene (France)   Blues For Ike
11. Hansch'che Weiss Ensemble (Sinti, Germany)

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Alan Lomax Collection: "Prison Songs" Vol 1 ("Murderous Home") - Historical Recordings from Parchman Farm (1947-48) (resubido)

2012-02-23T06:30:00.000-04:30

"Alan Lomax (31 de enero de 1915 - 19 de julio de 2002), fue un importante etnomusicólogo norteamericano, considerado como uno de los más grandes recopiladores de canciones populares del siglo XX. Era hijo del también etnomusicólogo John Lomax, con quien desde los 22 años, comenzó su carrera grabando temas cantados por los esclavos negros de Texas, Luisiana y Misisipi. Se licenció en filosofía en la Universidad de Texas y Austin, y trabajó posteriormente en varios proyectos para la Biblioteca del Congreso (Library of Congress) de Estados Unidos. Desarrolló su propio sistema para analizar canciones, que llamó cantométrica, donde principalmente trataba de encontrar las relaciones entre la sociología y el corpus musical. Dedicó la mayor parte de su vida a viajar por el mundo para recoger con su grabadora muestras del folklore musical de países como España (a pesar de la oposición del régimen de Franco), Italia, Irlanda, India y Rumanía. También lanzó a la fama a varios intérpretes de blues como Muddy Waters, LeadBelly, Woody Guthrie, Jerry Roll Morton o Jeannie Robertson, además de grabar estilos musicales casi desconocidos, como los espirituales de Sea Islands. Participó en varios programas de radio y series de televisión, y desempeñó un papel importante en el “renacimiento” del folk (folk revival) que tuvo lugar en los años 50 y 60 en EE. UU. e Inglaterra.

Ganó el prestigioso premio Nacional Book Critics Circle Award en 1993 por su libro "The Land Where the Blues Began", donde exponía la historia de los orígenes del blues. Murió en Florida, a los 87 años, y un año más tarde recibió un póstumo Grammy en reconocimiento a su vida y a su aportación a la música".(Wikipedia)

Si bien, los Lomax habían visitado Parchman (una hacienda algodonera convertida en infame campo de trabajo para los prisioneros) hacia los años treinta, no se conocen grabaciones de esa primera visita. Solo que algo más de una década después volvieron y en esa oportunidad si recogieron suficiente material para los dos álbumes editados posteriormente como "Prison Songs", el primero de los cuales les presento en esta oportunidad. Estas grabaciones, desde luego, tienen un valor que trasciende lo meramente musical y se adentran en el alma sufriente de estos hombres olvidados de la sociedad que tanto en ratos libres, como en medio de la dura faena, encontraron fuerzas en sus corazones para cantar. Es impresionante el hecho de que en buena parte de estas grabaciones, los prisioneros se acompañan, escuetamente, con el ritmo acompasado de sus propias herramientas de trabajo, mientras entonan, principalmente, blues, gospels y cantos de trabajo

He incluido copia completa del libreto que acompaña la edición en disco, donde se recoge información detallada sobre los músicos y tambien sobre sus canciones, inclusive la letra (lyrics) de las mismas. Espero que sepan apreciar estos hermosos y elocuentes testimonios.

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ALAN LOMAX COLLECTION: Prison Songs Vol 2 (resubido)

2012-02-23T03:00:00.000-04:30

Ya publicamos AQUI el volumen 1 de esta interesante compilación. Tal como expliqué en esa oportunidad, se trata de un material con un valor no solo musical, e histórico, sino tambien sociológico, antropológico y humano. Ahora les traigo el volumen 2. Espero que le saquen el mayor provecho.

PARA MIS QUERIDOS AMIGO(A)S

JOSEPH HAYDN: "La Creación" + "Las Estaciones" (resubido)

2012-02-23T01:00:00.000-04:30

Esta es una ocasión muy especial, puesto que con la presente entrada este blog está arribando a los DOS AÑOS DE EXISTENCIA. Por esa razón quise ofrecer a ustedes algo muy especial. Y la ocasión es propicia, además, para que rinda homenaje a uno de los artistas a quienes más admiro, no solo como músico, sino tambien como hombre, como ser humano. Y para llevar a ustedes un somero trasunto de la calidad humana y moral del personaje, me permitiré transcribir el texto de la primera página de una breve biografía del músico publicada hace algunos años ("Haydn-Haendel" Ediciones Parramon, 1era edición, Madrid, 1982, pag 7):

"Viena, 27 de marzo de 1808. La sala central de la Universidad muestra sus mejores galas ante la inminente interpretación en público del oratorio La Creación, de Joseph Haydn. El maestro Salieri, director de la orquesta, observa complacido la enorme expectación despertada por tal acontecimiento. La crema de la nobleza vienesa se ha dado cita en tan fausto día. Se encuentran también allí los mejores compositores del momento —Beethoven al frente—, animados todos por el deseo de rendir homenaje a la obra del anciano maestro.
Cesan los murmullos repentinamente y Joseph Haydn, que acaba de cumplir setenta y seis años, hace su entrada en la sala, portado en una silla de mano hasta el lugar de honor que tenía reservado.
"Instantes más tarde, la orquesta da comienzo a la ejecución del oratorio, en un ambiente dominado por el más respetuoso silencio. Al llegar a la parte central del concierto, cuando los sones del maravilloso pasaje "Y la luz se hizo", llenan la estancia, el público asistente no puede dominar sus sentimientos y estalla en una clamorosa ovación, al tiempo que dirige su mirada hacia Haydn. Este, visiblemente emocionado, trata de quitar importancia a su música y, cual si su inspiración no fuera sino un designio divino, señala al cielo con un gesto de su mano; Beethoven corre a su lado y besa esas mismas manos con devoción, en señal de reconocimiento.
"El emotivo episodio repercute en el frágil estado de salud de Haydn y éste debe abandonar la sala. Antes de hacerlo, ya en la puerta, ordena detener la silla en que es transportado y bendice a los allí reunidos
"Fue la ultima aparición pública de Joseph Haydn. Falleció un año más tarde, el 31 de mayo de 1809".

En principio, mi intención era ofrecerles "Las Estaciones", pero, por tratarse de una ocasión especial, como ya he dicho, por el segundo aniversario del blog, me he permitido llevarles los dos oratorios, tanto "Las Estaciones" (mi preferido), como "La creación" al que algunos consideran, no sin buenas razones, el mejor.
(un dato: incluyo, además, el libreto de ambas óperas, con su traducción al español)

PARA QUE DISFRUTEN ESTAS JOYAS!!!!..........
Estaciones1 Estaciones2 Estaciones-Libreto Creación1 Creación2

HENRYK GÓRECKI: Tres Piezas al Estilo Antiguo - Sinfonía # 3 (resubido)

2012-02-22T01:00:00.000-04:30

Del compositor polaco contemporaneo Henryk Górecki les propongo este registro grabado en la sala de conciertos de la Radio Polaca, en Katowice, en Diciembre de 1993. La Orquesta es la de la Radio Nacional Polaca, que en estre caso está dirigida por el maestro Antoni Wit.

Les confieso que, de las 2 obras de las que consta el registro, las Tres Piezas al Estilo Antiguo es mi preferida, por esa razón en el título de esta entrada la he antepuesto a la Sinfonía 3, la cual, pueda que para los entendidos, quizas sea una composición de máyor importancia.

Las Tres Piezas al Estilo Antiguo ejemplifican de manera excelsa las posibilidades de una orquesta de cuerdas. Espero la disfruten... y les pido disculpas por no proporcionarles en esta oportunidad la carátula correspondiente

PARA USTEDES

PROBLEMAS CON

2012-02-21T16:00:00.003-04:30

Todo parece indicar que Multiupload no está funcionando debidamente. Tenemos unos cuantos archivos hospedados allí. No sabemos si esta situación seguirá presentándose o si es sólo un fenómeno temporal. En todo caso, si en el transcurso de los próximos días el asunto sigue sin resolverse, comenzaré a resubir esos archivos, poco a poco, a otro host. Los archivos a que me refiero son:

Gorecki: Tres piezas al estilo antiguo
Haydn: Las Estaciones cd 1
Haydn: Las Estaciones cd 2
Haydn: La Creacion cd 1
Haydn: La Creacion cd 2
Prison songs vol 2
Train 45
American Yodeling
World of Gipsys Vol 3
World of Gipsys Vol 2
World of Gipsys Vol 1
Stokowski - Sintesis sinfonica de Wagner
Horace Silver - Song for my father
Gentil Montaña - Suites Colombianas
Alan Lomax - Prison Songs vol 1
Rabi Abou-Khalil: Bukra
Shostakovich - Quinta Sinfonía
Stokowsky/Mussorgsky
Rabi Abou-Khalil: Journey to the centre of earth
Albert Mangelsdorf: Birds of underground
Capullo de Jerez: Poderío
Ravi Shankar: East greets east
Rockin Bach Dimensions
Radio Tarifa - Rumba Argelina
Diego Amador - Piano Jondo
David Russell plays Antonio Lauro

RICHARD STRAUSS: Also Sprach Zarathustra/Tod und Verklärug

2012-02-19T01:00:00.000-04:30

PARA MIS AMIGO(A)S

JIMENA POGLIANO: La Mamancy

2012-02-17T13:39:00.000-04:30

Esta muchacha argentina con su hermosísima voz quiere seguir los pasos de Mercedes Sosa, incursionando en el exigente repertorio de "La Negra". Y lo hace con una solvencia admirable, no imitando, sino más bien emulando el, ya de por sí inimitable estilo de la recientemente desaparecida artista, quien al dejarnos, nos legó un semillero de cosas bellas que fructifica ahora en el trabajo de artistas como Jimena, quien con mucha humildad pero con un serio compromiso artístico, nos regala esta gema preciosa. Un sobrio pero inteligente arreglo en manos de instrumentistas de gran calidad interpretativa le secundan en ese empeño. La pista que acá les ofrezco constituye una muestra de lo que será su prometedor album "Folklore" En un gesto de encomiable modestia artística nos ha hecho el inmerecido regalo de permitirnos traerles esta primicia. Espero que la disfruten

DESCÁRGALA

ESCÚCHALA

SAOCO: Papá Montero

2012-02-11T21:11:00.000-04:30

LISTA DE PISTAS:
El Músico
Papá Montero
La Historia de Antonio
Y todavía te quiero
Sin tí no puedo vivir
Me voy contigo (tributo a Chapotín)
Pobre Nicolás
Fiel Tambó

DISFRÚTENLO

MILES DAVIS: Miles ahead

2012-01-29T03:35:00.000-04:30

TRACKLIST

Springsville    03:28
The Maids Of Cadiz    03:53
The Duke    03:35
My Ship    04:28
Miles Ahead    03:30
Blues For Pablo    05:18
New Rhumba    04:37
The Meaning Of the Blues    02:48
Lament    02:14
I Don't Want To Be Kissed     03:11
Bonus Track: Springsville     03:16
Bonus Track: Blues For Pablo     03:32
Bonus Track: Medley (Rehearsal    05:10
Bonus Track: I Don't Want To B    03:12

PARA USTEDES

V.A.: Hommage a Nusrat Fateh Ali Khan

2012-01-22T05:36:00.001-04:30

Este invalorable y precioso álbum (2 discos) es la expresión de un merecido homenaje que una pléyade de sabios músicos asiáticos (Medio-oriente, Irán, Azerbaidjan, India, Pakistan, entre otros) tuvieron el acierto de hacer a NUSRAT FATEH ALI KHAN, el más grande cantante de Qawwali de nuestro tiempo, tan temprarna y lamentablemente fallecido.

Constituye una excelente recopilación para aquellos que deseen iniciarse en lo exquisito, profundo y sabio de la música producida en aquella región de nuestro "Planeta Musical" Y los que ya conocen esas texturas sonoras... por supuesto que lo gustarán tambien. Sólo espero que todos, sepan apreciarlo... y disfrutarlo

LOS ARTISTAS:
Nusrat Fateh Ali Khan
Alim Qasimov
Sheikh Hamza Shakkur
Fergana Qasimova
Cheikh Lo
Sharam Nazeri
Ensemble Kamkar
Abida Parveen
Salamat Ali Khan
Munadjat Yulchieva
Shafqat Ali Khan
Familia Mallik
Mehr & Sher Ali
Asif Ali Khan

1
2

Hitler se entera que el FBI cerró MegaUpload (original)

2012-01-20T07:57:00.001-04:30

SAOCO: Macho Mumba

2012-01-15T01:00:00.001-04:30

LISTA DE PISTAS:
Paso Fino
Que tenga sabor
Viejo Canuto
Clavo saca clavo
Macho Mumba
No me llores miseria
Ada
El platanero

DISFRÚTENLO

Explicacion de la ley SOPA

2012-01-11T14:37:00.000-04:30

MOZART: Requiem (Karajan)

2012-01-08T01:00:00.001-04:30

(Este hombre, Mozart, murió cuando apenas tenía 35 años y esta obra, una misa de difuntos, casi podría decirse que fué escrita para su propio funeral ¿no es cruel la vida?)

PARA USTEDES

LA ENCUESTA RELATIVA AL CIERRE DEL BLOG

2012-01-04T08:23:00.000-04:30

Me complace resumir para ustedes los resultados de la reciente encuesta en la que consultaba a ustedes la posibilidad de cierre de este blog; tambien, MIS PROPIAS APRECIACIONES SOBRE LOS RESULTADOS, que son éstos: después de transcurrido sólo 15 días, se totalizaron 33 votos, todos a favor de que no cierre ("de ninguna manera") el blog

Sólo se hicieron, como promedio, 2 votos diarios, pero es halagador el hecho de que todos coincidan, por unanimidad, en abogar por la permanencia del blog y ese es un dato que me complace mucho. De hecho, les confieso que a estas alturas me siento un poco avergonzado de que en el fondo este tipo de encuesta pueda hacer ver al autor como un personaje "algo vanidosillo" ... ¿a qué el empeño de sondear la "popularidad", o... la "aceptación" del blog?

Bueno! En mi defensa sólo puedo argüir que apenas soy un ser humano. Estos blogs, resulta obvio, no estan hechos por una máquina; el autor pone cierto grado de pasión en el asunto. Y resulta una debilidad humana muy característica el querer saber cuál es el sentido y el valor de la pasión puesta en nuestro trabajo. Esa y no ninguna otra, fué la razón que me motivó a iniciar la encuesta.

En este momento me siento más que satisfecho por el resultado y por lo tanto VOY A CERRARLA mucho antes de lo previsto (la encuesta, quise decir; el blog, por ahora, SEGUIRÁ ABIERTO)

Sólo quiero, para finalizar dar las gracias a todos los que de tan buena gana y (estoy seguro) poniendo en ello algo, tambien de PASIÓN dieron, gustosos, su voto ¡Muchísimas gracias a todo(a)s!

Si desean hacer su propio comentario..... serán bienvenidos: esta es su casa

MILES DAVIS: Sketches of Spain

2012-01-01T07:09:00.000-04:30

¿No les dije que les traería más de Miles Davis?

Aquí tienen, pues, esta gema preciosa

Con toda seguridad cada una de estas piezas hace un verdadero honor al sabor y el color de la bellísima música de España, objeto del amor y la devoción de músicos de todas las épocas y los géneros

(¡¡¡Y Olé!!!)

LISTA DE TEMAS:
Concierto De Aranjuez (Adagio)   16:20
Will O' The Wisp   03:51
The Pan Piper   03:54
Saeta   05:09
Solea   12:20
Song Of Our Country   03:29
Concierto De Aranjuez (Part One)   12:05
Concierto De Aranjuez (Part Two Ending)   03:34

PARA MIS AMIGOS

THE NASHVILLE JETS: Nashville Now!

2011-12-25T01:00:00.000-04:30

Aqui tienen el sonido del viejo jazz de Nashville (muchas trompetas, algunos clarinetes y ¡por supuesto! ¡los banjos!) con la tecnología más moderna.
He aqui una muestra:

TRACKLIST:
Kodachrome   03:06
Your cheatig heart   02:52
Out of the question   02:48
I never promised you a rose garden   03:31
The night the lights went out in Georgia   03:26
Alone again, naturally   03:50
Winchester Cathedral   02:13
Yellow rose of texas   02:14
Oh,babe, what would you say?   03:00
When the saints go marching in   02:31
Tie a yellow ribbon 'round the ole oak tree   02:45
King gof the road   03:06

PARA USTEDES

SEGUNDO ANIVERSARIO

2011-12-20T07:29:00.000-04:30

El 20 de Diciembre de 2009 nació este modesto blog. De manera que hemos cumplido ya 2 años en la web.

162 entradas... una cada cuatro días, poco más o menos. Luego, como promedio.... 60 visitas diarias

... Ningun material del publicado a dejado de descargarse.... lo cual es una demostración adicional de que tiene su público.

En ese tiempo se han expresado 208 comentarios: si tomamos en cuenta que no he dejado de responder ni a uno solo de estos comentarios, ello significaría que 104 de los mismos son de mi autoría; sacando cuentas, eso arrojaria un total de ¡SOLO 1 COMENTARIO POR SEMANA!... por parte de ustedes, queridos visitantes.... Bueno ... quizas este dato no refleje la participación que este servidor desearía, pero....¡Peor es nada!

Gracias! Gracias.... a todos los que se han sentido movidos a plasmar sus valiosas opiniones

En resumidas cuentas, el balance, segun mi modo de ver, ha sido muy positivo.... Me siento en verdad complacido.

... Y basta! No los abrumo más con mi alegría

¡Un gran saludo!

EDDIE PALMIERI: "Vamonos pa'l monte"

2011-12-18T01:00:00.000-04:30

En el ámbito de la música caribeña, Eddie Palmieri se erige como uno de los grandes.

Es que este señor (con todo lo que la palabra señor implica) realmente "se las trae"

Maestro indiscutible del piano caribeño (quizas el más grande de todos) tiene la virtud de haber creado escuela, constituyéndose en referencia obligada de los géneros afro-caribes. Aquí lo acompaña su hermano, el tambien prestigioso músico Charlie Palmieri, en el órgano

TRACKLIST:
Revolt/ La Libertad Logico    05:24
Caminando    03:53
Vamanos Pa'l Monte    07:07
Viejo Socarron    06:10
Yo no Se    04:14
Comparsa de los Locos    07:24

PARA SUS OREJITAS

ANTON DVORAK: Sinfonía del Nuevo Mundo (Karajan)

2011-12-11T01:00:00.000-04:30

Esta es una de esas obras que no necesitan presentación: La famosísima "Sinfonía del Nuevo Mundo"

Al igual que Beethoven y Bruckner, Anton Dvorak escribió 9 sinfonías, todas muy hermosas y llenas de preciosas melodías, muchas de ellas inspiradas en la música de su país natal, Checoslovaquia.

A pesar de los incuestionables méritos de cada una de ellas, ninguna ha adquirido la notoriedad y fama que siempre ha caracterizado a ésta, la Novena.

Fué escrita en el marco de un viaje que hizo el músico a Norteamérica; de allí el "subtítulo" que se le ha dado y que la hecho famosa dentro del repertorio de la música académica: Sinfonía "Del Nuevo Mundo"

PARA MIS AMIGO(A)S

MILES DAVIS: Kind of Blue

2011-12-04T01:00:00.000-04:30

Todo un clásico de este señor del jazz, innovador toda la vida, músico nato: comprometido.... y comprometedor!!!!

Si les gusta.... por ahí les traigo más

TRACKLIST:
So What
Freddie Freeloader
Blue in green
All Blues
Flamenco Sketchs

DISFRÚTENLO

DOC SEVERINSEN: Swinging and Singing

2011-11-27T01:30:00.000-04:30

(No será jazz puro... pero tiene swing!)

TRACKLIST.
Mas que nada   02:17
Bye bye, Blackbird   02:47
Goin' out of my head   03:05
Guantanamera   03:09
Love Theme from "Is Paris Burning"   02:35
It's not unusual   02:56
Un poco Río   02:58
Summer Wind   03:40
Don't go breaking my heart   02:14
Walk on by   02:42
So nice   03:10
Love   02:32

PARA SUS OREJITAS

DAVE PIKE SET: Four Reasons

2011-11-20T01:00:00.000-04:30

Algo más que "música de fondo" ¿no les parece?

¡¡Jazz del bueno!!....................DISFRÚTENLO!!!!

TRACKLIST:
Greater Kalesh No 48   05:45
Prof Pornos Romance   03:51
Cornflower Girl   02:46
The Seventh Day   02:48
Turn Around Mrs Lot   05:17
Goodtime Charlie At    06:56
A Nose Opener   05:18
Four Reasons   05:47

PARA USTEDES

GIOACCHINO ROSSINI: "El Barbero de Sevilla"

2011-11-13T01:00:00.000-04:30

"Prácticamente desde el día siguiente de su estreno -un sonado fracaso por motivos extramusicales-, el 20 de Febrero de 1816 en el Teatro Argentina de Roma, el éxito de "El Barbero de Sevilla" ha sido imparable hasta erigirse en la ópera más popular de toda la Historia. Esta extraordinaria popularidad, sin embargo, provocó, de inmediato, arbitrarias alteraciones en la partitura, tanto en lo que se refiere a la parte vocal como a la instrumental, y esos abusos injustificados acabaron por deformar el verdadero espíritu de la obra, por lo que se hizo necesario una revisión en profundidad, labor que llevó a cabo ejemplarmente Alberto Zedda en su edición crítica de 1969 para la casa Ricordi. El papel de Rosina había sido escrito para una mezzo-contralto, pero muy pronto lo reivindicaron las sopranos ligeras, lo que suponía no solamente un cambio de timbre, sino algo más importante: de personalidad. Rossini escogió una voz grave, no exenta de agilidad y ligereza, para dotar a su criatura de unos sentimientos nobles, no reñidos con el orgullo y la astucia, que la hacían mucho más convincente que las de una tesitura aguda. Por otra parte un timbre cálido potenciaba el equilibrio fónico con la voz demasiado blanca de los tenores de entonces (sopranistas o "castrati"). Don Bártolo y Basilio se vieron con el paso del tiempo despojados de la dignidad que les había otorgado Rossini, confiándose sus voces a las de "bajos parlantes". Se sustituyeron los recitativos originales por versiones habladas y la instrumentación perdió muchos de su toques sugestivos a la vez que se le añadían sonoridades extrañas que empañaban la limpieza de su textura original. Por fortuna, la tendencia de hoy día es la del respeto a la voluntad del compositor.

"Las numerosas (más de cincuenta) grabaciones existentes revelan los avatares que ha sufrido esta popularísima ópera en nuestro siglo. Suele señalarse la versión de Alceo Galliera como una de las primeras que ya en la segunda mitad del siglo (EMI, 1957) supo rescatar el espíritu de fino humor que impregna la partitura. Sobresale en ella la voz de la divina Callas, una Rosina, no en la ortodoxia que hoy se exigiría tímbricamente, pero de una cautivadora expresividad. Otro tanto podría decirse allí del Fígaro de Tito Gobbi. Referencial está considerada la de Claudio Abbado (DEUTSCHE GRAMMOPHON, 1972) por lo que respecta a la dirección orquestal y al elenco de voces, más en su conjunto que individualizadamente. Refinamiento casi mozartiano en la orquestación original y equilibrio tímbrico en las voces: Berganza, Alva, Prey, Montarsolo y Dara. Muy saludada en su aparación fue la de Riccardo Chailly (CBS,1981) con una especialista en Rossini: Marilyn Horne, aunque a la americana le van mejor incluso los papeles heroicos (piénsese en "Tancred"i). Antológicos son en esta versión el Don Bártolo de Dara, por madurez interpretativa, y el Basilio de Ramey. Nucci se mueve bien en Fígaro y no tanto Barbacini en Almaviva. Estas tres versiones están en el mercado actualmente descatalogadas, aunque suponemos que serán reeditadas en breve, por lo que pasamos a comentar las únicas que en CD están, al parecer por el momento, disponibles.

"De 1974 data esta versión de un joven Levine que se mostró muy respetuoso con la integridad del texto. Tiene interés su dirección porque en ningún momento es aburrida, ¿pero es ese Rossini? Más parece, exagerando algo, que estemos oyendo a Verdi o casi a Wagner por la densidad y los contrastes que le imprime. Acelera los "crescend" con tal vehemencia que se pierde precisamente el efecto. Levine parece otorgarle el protagonismo al foso, o así nos lo parece a falta de una mayor relevancia en las voces, entre las que destaca la de la soprano Beverly Sills, amplia, generosa, modulada, dulce, pero en una tesitura que no fue, como dijimos, la concebida por el compositor. Sí, sin embargo, resulta muy rossiniana la del Basilio de Raimondi, con una frescura y limpieza que la hacen sencillamente inolvidable. Gedda y Capecchi decepcionan. Una versión en la que la fogosidad de Levine se impone y arrincona la añorada ironía".(tomado de Melómano Digital)

Visitando ESTE ENLACE se puede ver la ópera completa

El material aqui reseñado fué ripeado por el autor de este blog a partir de vinilos (EMI - SCLX-3761)
En lo personal esta exquisita obra ha llegado a constituirse en un verdadero objeto de amor para mí. Su escucha siempre ha dejado en mi espíritu una jovialidad de espíritu y un toque de optimismo que me inspiran para la vida. De hecho, obras como éstas son las que me han inspirado a decir siempre lo que señala el subtítulo de este blog (allá arriba, en la cabecera): "Cada día la Música me reconcilia con la vida"

He incluído el texto del libreto original con su traducción al español

¡¡¡DISFRÚTENLA!!!

DISCO 1
DISCO 2
DISCO 3

NUSRAT FATEH ALI KHAN: Shahen Shah

2011-10-30T01:00:00.000-04:30

Siempre constituye un placer para mí, además de un verdadero honor, el presentar a este personaje: ¡todo un señor cantante!
Desaparecido tempranamente, llegó a representar hasta el día de su muerte la máxima expresión del canto sufí en todo el mundo, si bien ha sido apreciado no solo como tal sino tambien de manera universal por todos aquellas personas que aman el divino don del canto, entre ellos éste servidor.

Aunque desarrolló su carrera basicamente en el ámbito de la cultura musulmana, su carisma devino en el aprecio y el respeto de músicos y aficionados de todo el mundo, algunos de los cuales (Ej.: Peter Gabriel) se sintieron motivados a grabar junto a él, aparte de que su música ha sido utilizada en varios films ("Last temptation of Christ" y "Dead man walkin") Algunos han llegado hasta a compararlo a Elvis Presley por la fascinación que despertaba su actuación en vivo en los muchos conciertos ofrecidos.

Lo que me atrae en particular de Nusrat Fateh Ali Khan es la concentración anímica que trasmite su actuación y su canto, aparte esa versatilidad en la improvización que revela su musicalidad interior y su gran sentido del ritmo

Escúchenlo con muchísima atención.

...Y disfrútenlo!

PARA USTEDES

V.A.: O sole mio (Segunda compilación)

2011-10-23T02:00:00.000-04:30

¿No son demasiadas versiones de una misma canción?
¿no fué suficiente con las 21 versiones contenidas en el post de la semana pasada?
Pueda que así sea
En todo caso, existen muchímas más versiones de "O sole mio" Solo he recopilado unas pocas (¡!)

Pero si ustedes, como yo, aman esta bella canción, podrían, por ejemplo, hacer SU PROPIA SELECCIÓN a partir de las dos compilaciones que les he brindado, eliminando aquellas que de acuerdo con su gusto personal puedan obviarse.Los intérpretes incluidos en esta segunda y última compilación son:

Filippa Giordano   03:13
Fritz Wunderlich   03:14
Gabriella Ferri   03:30
Giacomo Rondinella   03:37
Giuseppe di Stefano   03:39
Jan Smit   03:20
Jose Augusto   04:32
Jose Carreras   03:20
Joseph Schmidt   03:02
Juan Diego Flores   02:25
Lina Sastri   02:27
Luis Mariano   02:50
Mario Lanza   04:23
Massimo Ranieri   03:36
Montecorvino, Pietra   02:38
ray anthony   02:14
Renzo Arbore    05:32
Richard Tauber   03:19
Roberto Murolo   02:42
russell watson   03:33
The Three Tenors   02:36
Tino Rossi   02:52
Üllar Jörberg   04:17

PARA MIS AMIGO(A)S

V.A. : O sole mio (Primera compilación)

2011-10-16T03:00:00.000-04:30

"'O sole mio" (Mi sol, o es el artículo) es una famosa canción napolitana de 1898, la letra es de Giovanni Capurro y la melodía de Eduardo di Capua. La versión original está escrita en napolitano y ha sido llevada a diferentes idiomas alrededor del mundo e interpretada por gran número artistas; por el hecho de estar escrita en napolitano, no siempre es fácil hacer una traducción fiel.

Más abajo les ofrezco la letra en napolitano, con su traducción (descargada de la web) al español. He realizado una gran compilación de versiones, por diferentes cantantes y orquestas y me produce un gran placer ofrecérsela a ustedes; por ser tan grande la he dividido en dos partes. Acá les ofrezco la primera de ellas. Los intérpretes son:

Pietra Montecorvino    02:38
Katherine Jenkins    03:19
Tulio Pane    04:07
Alfredo Kraus    03:41
Richard Tucker    03:35
Gabriele Vanorio    03:36
Octavio Ramiro Rivera    02:35
Franco Corelli    03:21
Enoch Light    02:00
August Eckert zither    03:50
Azucar Moreno    03:28
Bruno Venturini    02:59
Luciano Pavarotti & Brian Adams    03:11
Charles Harrison    04:36
Claudio Villa    02:57
Consiglia Licciardi    06:19
Dalida    02:54
Domenico Modugno    03:56
Eddy Napoli    05:33
Elizabeth Spencer    03:57
Enrico Caruso    03:20

Osole mio

Chebella cosa e' na giornata 'e sole
n'ariaserena doppo na tempesta!

Pe'll'aria fresca pare già na festa

Chebella cosa e' na giornata 'e sole

Man'atu sole,

cchiùbello, oje ne'

'Osole mio

sta'nfronte a te!

'Osole, 'o sole mio

sta'nfronte a te!

Quannofa notte e 'o sole se ne scenne,

mevene quase 'na malincunia;

sotto'a fenesta toia restarria

quannofa notte e 'o sole se ne scenne.

Man'atu sole,

cchiùbello, oje ne'

'Osole mio

sta'nfronte a te!

'Osole, 'o sole mio

sta'nfronte a te!

Elsol mío (traducción al español)

¡Quécosa bella es un día de sol!

elaire sereno después de una tempestad,

porel aire tan fresco parece una fiesta,

¡quécosa bella es un día de sol!

Perootro sol,

quées aún más bello,

elsol mío,

estáfrente a ti,

elsol, el sol mío,

¡estáfrente a ti!,

¡estáfrente a ti!

Cuandollega la noche y el sol se oculta,

casime entra la melancolía,

estoyde pie bajo tu ventana,

cuandollega la noche y el sol se oculta.

Perootro sol,

quées aún más bello,

elsol mío,

estáfrente a ti,

elsol, el sol mío,

¡estáfrente a ti!,

estáfrente a ti!,

PARA MIS HERMANOS DE SONES

ENOCH LIGHT: The Brass Menagerie - 1973

2011-10-09T01:00:00.000-04:30

TRACKLIST:
Mambo   01:56
McArthur Park   06:23
I fell the earth move   03:18
Season of the witch   04:00
Hot pants   03:41
Theme from "Shaft"   03:03
Proud Mary   02:43
The night they drove old dixie down   03:13
Boy meets horn   03:39
Sweet Julie   02:44
Explorations for Moog   03:00

DISFRÚTENLO

PORRINAS DE BADAJOZ: Grandes cantaores del flamenco

2011-10-02T12:00:00.000-04:30

¿Cómo es posible que ya van para cuatro meses que no publicaba nada de flamenco?

¡Cuatro largos meses!

Voy a reparar tamaño descuido, publicando a uno de los grandes del cante flamenco: nada más y nada menos que a Porrina de Badajoz.... Uno de mis cantaores preferidos, con una voz espectacular, un compás larguísimo y una expresión inigualables. Y como "para muestra basta un boton" (segun reza el dicho) ahí les va una muestra del cante maravilloso de este caballero del cante jondo. Siempre lo he dicho (y lo repito):

"Cante, toque y baile...
en el flamenco todo es Arte"

...aunque en este caso, obviamente, sólo podremos apreciar el cante y el toque... Noten... ¡Qué poesía!

LISTA DE PISTAS:
Gitano De Badajoz    03:16
La Repompa No Ha Muerto    03:01
Del Convento Las Campanas    04:06
Una Misa En Roma    03:17
Flores En El Campo    03:48
Tan Alta La VI Subir    02:32
Yo No Te Obligo, Serrana    03:25
To El Mundo Le Pide A Dios    03:05
En El Cristal De Mi Copa    03:12
Dejarme Flores, Dejarme    01:57
Con Cuatro Jacas Castañas    03:13
Duerme En Una Tabla    04:15
Las Dos De La Noche    05:15
Que Nos Olvide El Destino    02:57
Donde Beben Mis Palomas    03:24
Déjame Que Beba Vino    02:49
El Lleli    02:54
Valverde De Mi Valverde    02:45
Vengo De Mi Extremadura    02:44

PARA USTEDES

CHARLES MAGNATE: Carnival in far away places

2011-09-24T22:00:00.000-04:30

Una muestra:

TRACKLIST:
Carnival        02:30
Czardas            03:15
Under Paris skies    02:57
Just say I love her    03:09
Two guitars        03:06
Brasilia        03:04
Anna            02:30
April in Portugal    02:50
Yellow bird        03:27
La cucaracha        02:43
Never on Sunday        03:10
España Cañi        03:19

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FRANK ZAPPA: "Studio Tan"

2011-09-14T19:57:00.000-04:30

Aunque fué hecha desde la plataforma del rock, la música de Frank Zappa podríamos definirla como "inclasificable"... hasta tal punto este talentoso músico supo hacer una artística amalgama (con un sabor muy personal) de elementos del rock, el jazz, la música académica, ruidos de la calle, narracion, ambiente de circo... y un larguísimo etcétera. Zappa fué un músico en toda la extensión de la palabra.

Se me ocurre pensar que Zappa hizo, desde la plataforma del rock, lo que Charles Mingus u Ornette Coleman lograron en el jazz o lo que Gustav Mahler y Alfred Schnittke dentro de la música académica... liberarla de moldes y esquemas rígidos. Yo sugeriría el término "free rock" para definir su trabajo

El presente album fué ripeado por el autor de este blog a partir de un vinilo publicado por la Warner Bross en el año 1978. Al parecer es uno de los 3 álbumes que esta disquera publicó sin autorización de Zappa y recoge grabaciones efectuadas por el músico entre los años 1973 y 1976

TRACKLIST:

lado A: "Greggery Peccary"
lado B: 1 - "Lemme me take you to the beach"
2 - "Revised Music for Guitar and Low-Budget Orchestra"
3 - "RDNZL"
Más información sobre el album y el despampanante personal implicado en su grabación, en wiki

LINKS DE DESCARGA:
A
B1
B2
B3
caratulas

FRANK ZAPPA EN WIKIPEDIA

LOS SONIDOS DEL SILENCIO (Reflexión)

2011-09-08T22:12:00.000-04:30

No, no voy a referirme a la famosa canción que escribió Paul Frederic Simon por allá por el año 1964 y que llegó a constituirse en un éxito extraordinario en las voces de su autor y de su compañero Arthur (Art) Ira Garfunkel (Simon & Garfunkel: "The sounds of silence") habiendo hasta el presente sobrepasado el centenar de versiones en todos los estilos y géneros, en infinidad de idiomas así como en arreglos orquestales, etc.... ¡hasta fué tema de una película! ("El Graduado" 1967)

Cierto que esa canción, aparte de una muy bien lograda melodía, tiene una letra llena de inspiración... todo un poema, en el que el autor lamenta la escasez de contenido humano en las conversaciones de la gente (son esas vacias conversaciones, precisamente, lo que el autor describe, metaforicamente como "los sonidos del silencio") atrapada en un mundo inclinado más a la búsqueda de logros materiales que al aprecio de lo espiritual. En esa canción, al silencio se le ve, pues, desde un punto de vista eminentemente negativo, llegándose a describirlo como un cancer.

No es en esos términos que quiero hablar del silencio. Antes por el contrario, quiero hacerlo en los términos más elogiosos y positivos.

En la introducción de cierto episodio fílmico, su Director, el archi-conocido Alfred Hitchcock, fungiendo de improvisado crítico musical y en ese estilo irónico y de humor negro que le caracteriza explicaba que.... "Toda sinfonía está formada dos partes: el sonido y el silencio" (¡¡!!).... Una perogrullada, es cierto, pero que no deja de tener cierta profundidad cuando se le mira más de cerca . Veamos.

Con frecuencia pensamos en la Musica en términos de sonidos. Y claro! los sonidos son el elemento fundamental y evidente. Ocurre sinembargo que, con demasiada frecuencia, lo evidente no suele ser lo más importante. En el caso que nos ocupa, por ejemplo, está claro que sin silencios no puede existir música. Los sonidos estan organizados en un orden deleitable... o expresivo... o hermoso... o como quiera llamársele, SOLO PORQUE ESTAN SEPARADOS POR SILENCIOS!!!. Es el silencio lo que les da vida; es el silencio lo que les da sentido.

Pienso (es un punto de vista muy personal) que la perfección de la Música radica en el logro del equilibrio, (proyectado hacia el espíritu humano), entre estos dos elementos: sonido y silencio. Cuando al simple sonido se le da una excesiva importancia, privando sobre el silencio, sobrevienen las estridencias. Pero no se puede decir que se cumpla lo contrario, porque cuando es el silencio el que priva sobre el sonido, vamos asistiendo al logro de más y más intimidad, hasta el punto en que ya no hay música, solo silencio (a veces hasta a ese silencio lo disfrutamos)

En un mundo tan bullicioso como éste en el que vivimos, el silencio se torna en un bien muy deseable, por eso con frecuencia la gente abandona, siempre que tiene oportunidad de hacerlo, el bullicio de la ciudad y busca el silencio de los montes, de los campos, de las playas, porque en la Creación, los sonidos forman parte de todo aquello que ha sido dado como alimento para el espíritu y por esa razón no producen ningun tipo de fastidio. Pensemos por ejemplo en los murmullos de un bosque, el susurro de las olas, el congelado silencio de una elevada montaña....

Estoy seguro que más de un visitante ha observado que soy un gran admirador de las música oriental y la razon fundamental que tengo para ello es el hecho de que, desde mi punto de vista, en las culturas orientales, por lo general, el lenguaje musical ha ido encontrando, de una manera más plena, el perfecto equilibrio entre el sonido y el silencio. Por esa misma razón amo tambien la música del período llamado "Barroco"; alli tambien encuentro el equilibrio y la armonía entre esos dos ingredientes tan especiales, obra de la mano de un Creador sabio y amoroso... sonido y silencio.

Por extraño que pueda parecerles, en lo personal siento que ese equilibrio tambien se encuentra en la música de Gustav Mahler, un maestro a quien admiro con toda el alma. Sé que no faltará quien se extrañe de esta última consideración: ¿equilibrada la música de Mahler? (¡¡!!) ¿No es éste uno de los compositores que se caracteriza, precisamente, por las "grandes explosiones orquestales"? Pues sí... y no... porque...¿qué decir de sus "grandes explosiones de silencio" -por decirlo así-? Yo encuentro más bien en Mahler un equilibrio que busca la perfección (no soy el único que asi piensa... y tampoco estoy "descubriendo el agua tibia": son muchos los que lo ven de esa manera, ¡y no simples legos como yo, por cierto!... ¡gente muy entendida!), porque en medio del mayor tumulto orquestal y vocal (piénsese en la llamada "Sinfonía de los mil" por ejemplo) pervive el anhelo por el silencio y el recogimiento. Tan es asi que... precisamente, hablando de esa "sinfonía de los mil" si bien es cierto que el número de ejecutantes entre instrumentistas y cantantes, alcanza esa cifra desmesurada, no es menos interesante constatar que con frecuencia éstos se reparten en conjuntos contrastantes de menor tamaño.

He traído a colación el ejemplo de Mahler por ser, de una manera muy especial, emblemático, en lo que tiene que ver con el punto que vengo tratando. Pero creo que todos los grandes compositores, todos los buenos músicos han incursionado, de una manera u otra, en algunas de sus creaciones, en el terreno de ese equilibrio del que he venido tratando entre el sonido y el silencio.

Claro, todo lo que hasta acá he venido comentando, mis queridos amigos, son las divagaciones de una persona que no puede dejar de sentirse exquistamente maravillado ante ese universo acogedor, indescriptible y misterioso que se le presenta al oído humano, como lo es la Música. En este universo sonoro en el que nos desenvolvemos, cada quien es libre de acceder a la Música de la manera que su espíritu le dictamine. Y en la música, más que en ningun otro terreno se cumple el viejo refrán: "de gustos no se discute" El disfrute del divino lenguaje de la Música es un derecho primigenio (como el derecho a la vida) de todo ser humano; y cada quien ha de hallar la vía de acceso a Ella que le resulte más acorde con su propio espíritu.

Espero no haberlos aburrido en exceso con mi reflexión de hoy.

¡Un saludo, mis queridos hermanos de sones!.... ¡y de silencios!

BENNY MORÉ: Caricias Cubanas

2011-09-04T00:01:00.005-04:30

Benny Moré pertenece a esa estirpe de cantantes excepcionales que ha dado el caribe y que se caracterizan por ser tan, pero tan buenos, que se desempeñan igual de bien en el bolero, el son, el cha cha chá y todos esos ritmos sabrosos que nos vienen de Cuba.

No voy a hacer mención de ninguno de esos cantantes porque creo que con ello haría un agravio al gran Benny, quien en este asunto marcó la pauta y creo que hasta ahora no tiene igual.

Un amigo a quien considero con una excelente cultura musical me dijo cierta vez que Benny Moré tenía "oído absoluto"

Era la primera vez que escuchaba la expresión y puesto que pregunté el significado del término, se me dió una explicación de la cual saqué poco en claro en realidad, sólo la noción de que se trata de la capacidad de apreciar e identificar una nota musical por su nombre sin necesidad de tener una nota de referencia; o, en otras palabras, la capacidad de producir una nota solicitada sin tener otra como referencia (*). Lo cierto es que a pesar de no haber comprendido del todo el asunto, ello me dió una razón más para apreciar la grandeza de este maravilloso cantante.

Como apenas soy un aprendiz de "dilettante" (o poco menos que eso, a decir verdad) me guio sólo por mi oído. Y este cantante convence como pocos a mis cansadas orejitas. Espero que lo disfruten un montón

LISTA DE PISTAS:
Se va a morir 03:03
Ofrenda criolla 03:13
El santo de tia Juliana 03:01
Guantanamo 03:38
Como puedes pensar 02:54
A mi padre 03:19
Marianao 02:49
Se te cayó el tabaco 03:02
Dolor y pena 03:00
Rezo en la noche 02:55
Soy del monte 02:50
No te atrevas 03:25
Caricias Cubanas 02:43
Perdi la fè 03:00
Como esta mi conuco 02:52
Por una madre 02:46
Mulata con cola 02:39
Maria Cristina 02:31
Fiesta de tambores 02:56
Solamente una vez 03:10

(*) En WIKIPEDIA hay una reseña interesantísima sobre este asunto del "oído absoluto", por si quieren ahondar en el tema

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MERCEDES SOSA: La Mamancy

2011-08-27T22:01:00.000-04:30

No me perdonaría el seguir postergando la publicación de este bellísimo album de Mercedes Sosa: Mercedes de América, "La Negra" como se le llama en su patria, Argentina. Una voz y una personalidad humana desde lo descarnado hasta lo tierno.

Este álbum, en particular, es mi preferido. Hay algo en sus letras que llama a la ternura, a la solidaridad humana, al amor genuino. Además... ¡la instrumentación!: cada pieza es un portento en lo que tiene que ver con el arreglo musical y la instrumentación, desplegando cada una de ellas un equilibrio perfecto entre sencillez y expresividad: pocos instrumentos en cada pieza, pero siempre variados: desde el piano hasta el bandoneón y la flauta, cada uno de ellos haciendo calurosa compañía a esa voz, ÚNICA!! de "La Negra" Mercedes.

Después de escuchar este álbum, si lo escuchamos todo oídos y todo corazón... no podemos seguir siendo los mismos: algo cambia, muy en lo profundo de nosostros. ¡¡Disfrútenlo!!

LISTA DE PISTAS:
La Mamancy        02:17
Poema 15        03:15
La Trunca Norte        02:05
Las estatuas        03:43
Drume negrita        02:30
Cantor de oficio    03:00
Los pueblos de gesto antiguo    02:59
La cuna de tu hijo    02:34
Peoncito de estancia    02:56
Muchacho pelador    03:44
Cuando voy al trabajo    02:58
Indio            03:34
Me gustan los estudiantes    02:56
Te recuerdo, Amanda    02:50

¡Escuchen esto! ("peoncito de estancia")

;DESCARGAR ALBUM

V.A.: Rural Blues Vol 1 (1934-1956)

2011-08-23T12:38:00.007-04:30

¿Cómo es que hasta ahora no había compartido con ustedes, mis queridos hermanos de sones, este maravilloso álbum?

Se trata de una sabia selección debida al excelente sello "Document Records" y que recoge grabaciones efectuadas entre 1934 y 1956, si bien la música misma, como tal, corresponde a una época estilísticamente anterior. Por cierto Document Records es un sello verdaderamente portentoso: han hecho una recolección admirable de lo más primitivo del blues, el jazz, el country, el gospel, el folk en general... amen de otras músicas de varias partes del mundo, contando actualmente con un catálogo único en su género, un repertorio verdaderamente glorioso. Les invito a visitar su página, donde pueden adquirir lo mejor de la "vintage music", álbumes completos asi como tambien pistas sueltas o compilaciones mp3. Acá les dejo el link:

DOCUMENT RECORDS

Escuchando estos bellos sonidos entiende uno la razón por la cual gente como Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page o John Mayall, por mencionar sólo unos cuantos, se deslumbraron, allá por los '60, cuando apenas eran unos adolescentes ebrios de buen gusto por la buena música, valga la redundancia, bajo el influjo arrollador de ese sabor tan especial de esas voces llenas de sinceridad y de esas sabias guitarras. En este álbum la estrella es la guitarra blusera, la guitarra de ese viejo blues rural, blues del delta: es increible lo que estos viejos músicos lograban con solo seis cuerdas templadas sobre una caja resonante

Pero.... mejor vamos al grano. Disfrútenlo. Y me cuentan....

Mientras tanto, ahí les va una muestra.
Hasta donde llegan mis conocimientos, sólo existen dos pistas grabadas de este portentoso bluesman (Monroe Moe Jackson) y ambas estan contenidas en este álbum... Se las coloco acá como una simple muestra. Sé que les gustará

TRACKLIST:
Up and Down Building K.C. Line - Willie Lane 02:57
Prowlin' Ground Hog - Willie Lane 02:44
Too Many Women Blues - Willie Lane 02:26
Howlin' Wolf - Willie Lane 02:47
Black Cat Rag - Willie Lane 02:39
Black Cat Rag [Alternate Take] - Willie Lane 03:00
T.P. Railer - Black Diamond 02:44
Lonesome Blues - Black Diamond 02:32
All My Money Is Gone - Goldrush 02:48
Move It on Over - Jackson, Monroe Moe 02:40
Go 'Way from My Door - Jackson, Monroe Moe 03:01
Locked in Jail Blues - John Beck 02:28
You've Gotta Lay Down Mama - John Beck 02:38
Baby Blues - John Lee 03:26
Baby Please Don't Go - John Lee 03:05
Down at the Depot - John Lee 03:06
Alabama Boogie - John Lee 02:46
Blind's Blues - John Lee 02:15
Mississippi Boogie - Julius King 03:10
One O'clock Boogie - Julius King 03:00
If You See Me Lover - Julius King 03:06
I Want a Slice of Your Pudding -Julius King 03:03
Lonesome Old Jail - D.A. Hunt 03:00
Lonesome Old Jail D.A. Hunt 03:00
Greyhound Blues - D.A. Hunt 05:15
Greyhound Blues - D.A. Hunt 02:37
My Baby Ooo - One String Sam 03:06
I Need A Hundred Dollars - One String Sam 03:01

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BLIND BLAKE: The Essential Recordings

2011-08-21T00:31:00.005-04:30

LISTA DE PISTAS:
Police Dog Blues    02:52
Diddie wa diddie    02:58
Guitar Chimes        02:59
Blind Arthur Breakdown    02:58
sweet jivin' mama    03:01
west coast blues    03:10
Early Morning Blues    03:07
come on boy let's do that messin'    02:45
Too Tight Blues, No. 2    02:55
skeedle loo doo blues    03:02
one time blues        02:37
that will happen no more    03:07
sea bord stomp        03:03
he's in the jailhouse now 1    02:43
wabash rag        02:52
hastings street        03:13
C.C. pills        02:29
hot potatoes        03:03
southbound rag        03:22
panther squall blues    02:53
cold hearted mama blues    02:51
sweet ppa low down 1    03:15
poker woman blues    02:42
doing a stretch        02:37

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ENOCH LIGHT & THE LIGHT BRIGADE: Charge!

2011-08-14T00:05:00.001-04:30

Otro de los vinilos de la serie Project 3, sonido cuadrafónico, ripeados por el autor de este blog

TRACKLIST:
Amazing grace           04:29
Bridge over troubled water   03:24
Fire and rain           03:31
Hard Day's night       03:20
Lonely Days           04:10
Soolaimon           03:01
Spinning Wheel           03:50
Sweet Caroline           03:26
Take me to the pilot       03:41
What have they done to my song, ma?   02:55
You've got a friend       04:00

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JOSE ANTONIO CALCAÑO: Curso de Apreciación Musical

2011-08-09T17:46:00.005-04:30

A finales del año pasado publicamos los discos 3 y 9 de la serie "Apreciación Musical" del profesor José Antonio Calcaño, por considerar este material de singular interés para todos aquellas personas que quieran iniciarse, o que deseen ampliar sus conocimientos, a fin de tener una via de acceso más comprensiva a la música académica. En aquella oportunidad lamentábamos el hecho de que sólo podíamos brindarles esos dos discos que fueron los únicos que este servidor pudo rescatar de un remate callejero de viejos vinilos, y rogábamos a ustedes, los amables lectores de este blog, que si alguien tenía ese material completo lo hiciera disponible para disfrute y formación de todos nosotros. La misma publicación y solicitud hicimos en nuestro blog en Wordpress

Pues bien, no había sido posible ubicar el resto del material, hasta ahora que, gracias a la gentil y desinteresada colaboración de nuestro amigo, el señor José Ramón Quero, por mediación de Rookie, colaborador y parte del equipo del blog Encuentro Musical, de nuestro querido colega y amigo Victor , estamos en capacidad de completar, para todo(a)s ustedes la serie. Y es de hacer notar un detalle por demás hermoso: Noten la larga cadena implicada: José Ramón Quero hizo el trabajo de ripeo, Rookie sirvió de vínculo entre Quero y Victor y este último que, en atención a mi solicitud, desde hacía meses andaba tras la pista de los discos faltantes, ha hecho disponibles para este blog los vínculos correspondientes, a fin de que todos ustedes puedan aprovechar y disfrutar la colección completa. Son las cosas hermosas que se difrutan en este "gremio" de los blogueros y de los amantes de la música y tesoros afines. Verdaderamente, tal como dijo el sabio: "Hay más felicidad en dar que en recibir"

Acá, pues, les he alistado los vínculos a todas y cada una de las 24 lecciones del Curso. Espero que sepan sacarle el mayor provecho. Solo me resta reiterar mi más sincero agradecimiento al Sr Quero, a Rookie y a Victor por su buena disposición para compartir

¡¡Enhorabuena!! ¡¡Aqui está el curso completo!!

LECCIÓN 1
LECCIÓN 2
LECCIÓN 3
LECCIÓN 4
LECCIÓN 5
LECCIÓN 6
LECCIÓN 7
LECCIÓN 8
LECCIÓN 9
LECCIÓN 10
LECCIÓN 11
LECCIÓN 12
LECCIÓN 13
LECCIÓN 14
LECCIÓN 15
LECCIÓN 16
LECCIÓN 17
LECCIÓN 18
LECCIÓN 19
LECCIÓN 20
LECCIÓN 21
LECCIÓN 22
LECCIÓN 23
LECCIÓN 24

EDDIE PALMIERI: Eddie Palmieri ("Album Blanco")

2011-08-06T23:29:00.003-04:30

Y acá tenemos a este gigante del teclado, sabio pianista, (¡¡Eddie Palmieri!!) en compañía de su cantante de siempre, Ismael Quintana, al lado de Cheo Feliciano, habiéndoselas ¡hasta con el tango!, sin olvidar el son montuno y el guaguancó.
¡Disfrútenlo!

LISTA DE PISTAS:

El día que me quieras	07:17
Ritmo alegre	10:33
Páginas de mujer	06:55
No me hagas sufrir	06:08
Ven Ven	05:56

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GEORGES BIZET: Carmen (Claudio Abbado)

2011-07-30T19:52:00.001-04:30

Una excelente versión de esta hermosísima ópera de Bizet, compositor francés del siglo XIX, en las voces de Plácido Domingo y Teresa Berganza como voces protagónicas, al lado de un elenco formado por Ileana Cotrubas, Sherrill Milnes y Los Cantantes Ambrosianos. Con la Orquesta Sinfónica de Londres, bajo la batuta del maestro Claudio Abbado. Un registro verdaderamente memorable. Teresa Berganza, en particular, se luce, en esta interpretación. He incluido el libreto original en francés con su traducción al español.

Disfrútenla!!

CD 1
CD 2
CD 3

ENOCH LIGHT: Future Sound Shock

2011-07-23T12:47:00.006-04:30

Este material ha sido digitalizado por el autor de este blog a partir de un vinilo publicado en 1973 por el sello Project 3, que ofrecía brindar lo que constituía para la época lo más avanzado en estudios de grabación. El mismo forma parte de toda una serie de discos publicados bajo el concepto de "Sonido Cuadrafónico"

Este servidor ha digitalizado varios de esos vinilos y se los iré haciendo disponibles poco a poco a todos los lectores de este blog. El que les ofrezco hoy tiene una singular importancia por cuanto se diseñó con el propósito expreso de que sirviera como un muestrario de toda la excelencia en calidad de sonido que podía lograrse con la tecnología de la época. Apreciaran acá un despliegue insospechado en istrumentación y timbres (desde sitar hasta trombón y marimbas), adobado con una preciosa percusión

Lo estoy publicando sin aplicar ningún filtro, con el sonido "a pua" totalmente original. Aquellos de ustedes que lo deseen, ya podrán trabajar sobre estas tomas maestras y aplicar todos los filtros y mejoras que a bien tengan. De la acogida que tenga esta entrada depende mi entusiasmo por brindarles el resto.

CONTENIDO:
St. Thomas! Everybody!   03:12
Cute   03:14
Recado Bossa Nova   03:13
Caravan   03:30
Pick Yoursel Up   03:07
Perdido   03:10
Samba de Orfeu   02:27
Give joy to the World   03:43
One note samba   02:38
Baubles, Bangles & Beads   02:40
The girl from Ipanema   03:19

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JANIS JOPLIN: "Farewell Song"

2011-07-10T00:30:00.017-04:30

Ahora les invito a que nos remontemos, en un viaje imaginario en el tiempo, a la segunda mitad de los '60 del siglo pasado (¡Estamos hablando de casi medio siglo en el pasado!)

La escena del rock está en su apogeo: ¡¡la era dorada del rock!!. Los rockeros britanicos (John Mayall, Jeff Beck, Eric Clapton, Jimmy Page, entre otros) habían descubierto el viejo blues del Mississippi y lo habían rescatado del olvido, re-valorizándolo a los ojos de los mismos músicos norteamericanos, y ahora éstos habían comenzado a ver en ese contundente género, un filón insospechado para la creatividad que para esa época, era la atmósfera misma del rock.

Surgieron infinidad de grupos y celebridades de todo calibre.... ¡Una verdadera fiesta para el espíritu de los rockeros de todo el mundo! Era difícil decidirse por uno u otro intérprete ¡había tanta calidad! y, sobre todo, ¡tanta sinceridad en las propuestas!...Era la época de la preeminencia de genios que marcaron el rumbo de lo que vendría en las décadas subsiguientes y cuya influencia sigue viva aun hoy, mas que nunca!!!...inclusive "monstruos" tales como Jimi Hendrix .... y Janis Joplin.... esa muchacha vital, auténtica, desgarrada; con una voz portentosa: áspera y tierna al mismo tiempo, rebelde y acariciante a la vez.

Ya es un lugar comun el compararla con Bessie Smith y Billy Holliday... ¡y no es una exageración! Definitivamente: nunca serán demasiados los elogios con que se adorna, despues de cuarenta años de su lamentable partida, a esta chica maravillosa, devorada en su propia llama y consumida tragicamente, cuando apenas tenía unos 27 años; por cierto, la misma edad que tenía Jimi Hendrix al morir: Jimi era apenas dos meses mayor que Janis y murió sólo un mes antes de la, tambien trágica, desaparición de ella

He optado por compartir con ustedes este álbum, "Farewell Song", primero, porque recoge en sus nueve temas una muestra representativa de cómo en el canto de Janis se expresan todos los matices de la pena, el dolor, la esperanza y la desesperación y en segundo lugar porque es este album, hasta donde llegan mis conocimientos, el único que recoge la canción "Misery'n" , una de mis preferidas. Tengo en mente preparar más adelante, para compartir con ustedes acá en el blog, una selección personal. Por ahora les dejo este magnífico álbum ¡Disfrútenlo!

LISTA DE TEMAS:
Tell Mama;
Magic Of Love
Misery'n
One Night Stand
Harry
Raise Your Hand
Farewell Song
Amazing Grace/Hi Heel Sneakers
Catch Me Daddy.

Aca les brindo, como una muestra, la canción "Misery'n":

...y adicionalmente, "Mercedes Benz", que no pertenece a "Farewell Song", sino al último álbum ("Pearl", el cual se publicó postumamente); ésta fué la última canción que Janis grabó, y por esa razón se dió a la luz sin incluir la pista del registro instrumental, ¡a capella! como un homenaje a esa amada voz:

DESCARGAR "FAREWELL SONG"

JANIS JOPLIN EN WIKIPEDIA

FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 8

2011-07-03T00:05:00.028-04:30

UNA EXCELENTE MANERA DE INICIARTE EN EL FASCINANTE MUNDO DE LA MÚSICA ACADEMICA - DESCARGA LA SERIE COMPLETA Y DISFRÚTALA

Con esta entrada, concluimos la publicación de la interesante colección "Pages Celebres" (Páginas Célebres) por el director de orquesta Franck Pourcel, dedicada a popularizar las partituras más destacadas del repertorio clásico de todos los tiempos. Espero que haya sido de su agrado y que la disfruten a cabalidad. La próxima semana espero tenerles alguna agradable sorpresa. Hasta entonces y, como siempre: Que el Buen Dios continúe bendiciendo sus preciadas orejitas para que sigan disfrutando por muchos años de esta maravilla que, a falta de otro nombre, llamamos, sencillamente ¡¡MÚ - SI - CA!!

LISTA DE PISTAS DEL VOLUMEN 8:
Vals de Romeo y Julieta   Gounod   04:01
Los pescadores de perlas   Bizet   04:11
La donna e mobile de Rigoletto   Verdi   02:00
Habanera de Carmen   Bizet   03:14
Aria de Tannhauser   Wagner   04:07
El rey de Ys   Lalo   02:44
Va pensiero de Nabucco   Verdi   03:45
Casta Diva de Norma   Bellini   04:26
Serenata de Don Juan   Mozart   02:05
Las bodas de Figaro   Mozart   03:53
La puerta de Kiev   Mussorgsky   05:32
Gymnopedie n1   Satie   03:05
Caballeria rusticana   Mascagni   04:13
Siciliana   Bach   03:54
Obertura de Carmen   Bizet   04:01
Tango   Albeniz   04:03
Obertura de Visperas sicilianas   Verdi   06:23
Danza noruega n2   Grieg   02:15
Gymnopedie n3   Satie   03:29

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FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 7

2011-06-25T12:14:00.000-04:30

UNA EXCELENTE MANERA DE INICIARTE EN EL FASCINANTE MUNDO DE LA MÚSICA ACADEMICA - DESCARGA LA SERIE COMPLETA Y DISFRÚTALA

La carátula mostrada arriba es sólo referencial y corresponde a la edición original en vinilo.
El juego completo de las carátulas correspondientes se pueden descargar desde AQUI

LISTA DE PISTAS DEL VOLUMEN 7:
Andante de Cocierto para 2 mandolinas    Vivaldi        02:33
Ballet egipcio # 1            Luigini        03:25
Bolero                    Ravel        05:24
Concierto para Nochebuena        Corelli        05:06
En el jardin de un monasterio        Ketelby        05:41
En un mercado persa            Ketelbey    06:40
España                    Chabrier    03:07
Granada                    Lara        04:56
Greensleeves                popular        03:12
Jesus alegria de los hombres        Bach        03:05
La mañana de Peer Gynt            Grieg        04:17
Largo del concierto para mandolina    Vivaldi        01:50
Marcha hungara - Condenacion de Fausto    Berlioz        03:23
Marcha triunfal de Aida            Verdi        02:27
Minueto                    Paderewski    03:55
Tema de Te Deum                Charpentier    01:33
Vals de Coppella            Delibes        03:14
Vals # 3 Op 34                Chopin        04:52

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FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 6

2011-06-18T18:10:00.004-04:30

UNA EXCELENTE MANERA DE INICIARTE EN EL FASCINANTE MUNDO DE LA MÚSICA ACADEMICA - DESCARGA LA SERIE COMPLETA Y DISFRÚTALA

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LISTA DE TEMAS DEL VOL 6:
Concierto # 1 para piano Tchaikovsky 03:56
Danza china de Cascanueces Tchaikovsky 01:11
Danza de los comediantes de La novia vendida Smetana 04:21
Danza de los mirlitones de Cascanueces Tchaikovsky 02:12
Danza de los payasos Mendelssohn 01:43
Danza de los silfos de La condenacion de Fausto Berlioz 02:19
Danza del Hada Dulcisima Cascanueces Tchaikovsky 01:41
Danza Hungara n6 Brahms 04:06
Danzas del Principe Igor Borodin 05:10
El Moldava de Mi Pais Smetana 02:07
Estudio Op10 n3 Tristeza Chopin 04:50
La danza Rossini 02:06
Llanura mi llanura Knipper 03:43
Los remeros del Volga popular 03:16
Marcha de Radetzky J Strauss 02:44
Preludio en Do sostenido menor Rachmaninoff 06:10
Tema de El Lago de los cisnes Tchaikovsky 02:38
Tris tras polka J Strauss II 02:49

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FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 5

2011-06-12T04:48:00.002-04:30

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LISTA DE TEMAS DEL VOL 5:
Danza Hungara No. 1           Brahms       03:36
Adagio para cuerda y organo       Albinoni    03:40
Danza de Anitra de Peer Gynt       Grieg       04:13
Danza de las horas de La Gioconda   Ponchielli   03:34
Cancion de Solveig de Peer Gynt       Grieg       05:21
Diarios de la manana           J Strauss II   02:58
Bombones de Viena           J Strauss II   03:05
Rosas del Sur               J Strauss II   02:50
Las mil y una noches           J Strauss II   03:15
Aceleraciones               J Strauss II   03:20
La vida parisiense           Offenbach   03:16
Orfeo en los infiernos           Offenbach   02:53
La bella Helena               Offenbach   02:44
Barcarola-Vals -Cuentos de Hoffmann   Offenbach   04:52
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FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 4

2011-06-05T14:53:00.003-04:30

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LISTA DE TEMAS DEL VOL 4:
Danza de los jovenes kurdos de Gayaneh   Khachaturian   03:09
Aragonesa de El Cid           Massenet   01:52
Danza Hungara No. 5           Brahms   03:01
Vals No. 2 de La Serenata para Cuerrda   Tchaikovsky   03:54
Polka pizzicato           Johan II y Josef Strauss 02:38
Badinerie               Corelli   01:03
Finale de la Sonata Op2 n3       Albinoni   02:41
Aria de la Suite No. 3           Bach   04:47
Finale del Concierto en La mayor   Vivaldi   02:08
Largo de Xerxes               Haendel   02:30
Badinerie de la Suite No. 2       Bach   01:29
Allegro de Madrigalesco           Vivaldi   01:24
El trompeta voluntario           Clarke   02:22
Sonata de La caza           A Scarlati   02:54
Zarabanda de la Sonata Op5 n8       Corelli   03:10
Obertura de Dido y Eneas       Purcell   01:57
Minueto de Pequena Serenata Nocturna   Mozart   01:51
Tambourin de Las fiestas de Hebe   Rameau   01:12
Danza macabra               Saint Saens   07:53
Cancion India de Sadko           Rimski Korsakov   03:30
Galop de La Gioconda           Ponchielli   01:56
Tema de la Sinfonia No- 6 Patetica       Tchaikovsky   03:00
Ave Maria               Bach/Gounod   03:41

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FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 3

2011-05-29T01:05:00.008-04:30

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LISTA DE PISTAS DEL VOLUMEN 3:

Danza eslava # 1           Dvorak       04:16
Preludio al Acto III de La Traviata   Verdi       04:48
Marcha Militar Op51 # 1           Schubert   03:10
Minueto                   Boccherini   02:53
Pizzicato de Sylvia           Delibes       01:39
Sueño de Amor               Liszt       05:22
Las ninas de Cadiz           Delibes       02:20
Plaisir d'amour               Martini       04:19
Aragonesa de Carmen           Bizet       02:23
Solo un corazon solitario       Tachaikovsky   03:54
Danza del sable de Gayaneh       Khachaturian   02:22
El vuelo del moscardon           Rimski Korsakov   01:23
Marcha de Escenas caucasianas       Ippolitov Ivanov03:49
Golliwog's cakewalk           Debussy       03:08
Minueto del Divertimento # 17       Mozart       04:11

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FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 2

2011-05-22T07:27:00.004-04:30

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LISTA DE PISTAS DEL VOL 2:

Danza # 1 de La Vida breve          Falla              03:22
Claro de Luna de Werther               Massenet       03:50
Movimiento perpetuo             Paganini         02:16
Vals Triste                                      Sibelius          05:16
Ave Maria                                      Schubert        04:51
Rapsodia hungara # 2               Liszt              11:24
Intermedio de Goyescas                 Granados   04:27
Farandola de La Arlesiana              Bizet              03:24
Marcha Turca K331                      Mozart           02:53
Nocturno # 2 Op 9                        Chopin       05:14
Vals # 6 Op 64 Del Minuto            Chopin           01:58
Vals de La Bella Durmiente            Tchaikovsky   04:24
Danza del Fuego de Amor Brujo   Falla               04:00
Marcha de las Tres Naranjas      Prokofiev      01:37
Claro de Luna                               Debussy          04:16

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FRANCK POURCEL: Páginas Célebres Vol 1

2011-05-15T01:05:00.019-04:30

UNA EXCELENTE MANERA DE INICIARTE EN EL FASCINANTE MUNDO DE LA MÚSICA ACADEMICA - DESCARGA LA SERIE COMPLETA Y DISFRÚTALA

Con esta entrada iniciamos la prometida publicación de una serie dedicada a la popularización de lo que ha dado en llamarse desde hace muchísimo tiempo "Música Clásica", género que de hecho ha recibido otras muchas denominaciones, tales como música culta o música académica.

Se trata de la colección "Páginas Célebres" por Franck Pourcel y su orquesta. En nuestro post anterior hemos explicado nuestra posición en cuanto a este asunto de "poner la música clásica al alcance de un público no iniciado".

Una consideración previa: Las carátulas (o portadas) que usaré no son las que se corresponden con el CD posteado, siendo más bien el arte que se utilizó en la edición inicial en vinilo; lo he hecho así, no sólo por razones de nostágico cariño, sino porque, además, considero que éstas portadas son, definitivamente, más hermosas. En todo caso, podrán descargar DESDE ACA el conjunto de las carátulas de la edición en CD. Sólo me resta, pues, presentar a ustedes al encargado, en esta oportunidad, de hacer asequible a un público ampliado, lo más destacado de la Música clásica, el señor Franck Pourcel.

Franck Pourcel nació el 14 de agosto de 1913 en Marsella, Francia. Es principalmente conocido por dos cosas:

- sus arreglos sobre los éxitos musicales de su tiempo
- la música clásica.

Despues de disfrutar de un merecido prestigio como acompañante de los más conocidos cantantes populares, tales como Charles Aznavour e Ives Montand, por mencionar sólo dos de ellos,quiso popularizar la música clásica para hacerla más accesible a un público mayor. Es ahí cuando da inicio a la serie ” Páginas Célebres ” seguida por “Clásicos en Digital “. Inmediatamente, sus ventas se convirtieron en #1 en la sección clásica del sello EMI, superando a las de Karajan o Georges Prêtre. Pourcel murió el 12 de noviembre del 2002, en Neuilly-sur-Seine, Francia, aquejado de la enfermedad de Parkinson. Michel Drucker dijo de él:

“En el mundo extraño del show business donde se pueden encontrar muchos valores falsos y comerciantes de molino de viento que circulan y se agitan con aplomo y que me dejan a veces pensativo, hay un hombre distinguido cuyo físico se parece a uno que se encuentra en la Escuela Nacional de Administración que a uno que se encuentra en los corredores de un Music Hall: Franck Pourcel es la discreción y la modestia. Sin alboroto y sin ruido, este hombre callado, con silueta de hombre joven, ha vendido más discos que la mayoría de los artistas franceses reunidos. Su carrera es mundial: desde “Limelight” y ” Blue Tango “, al himno de “Concorde “, pasando por “Only you “, es el primer director de orquesta francés en haber tenido éxito en los EE.UU. “.

Vale la pena señalar que el señor Pourcel ha realizado en esta serie "Pages Celebres" versiones que, no por su carácter vulgarizador, desmerecen en lo más mínimo la dignidad de las partituras originales. En adelante estaré publicando los otros 7 álbumes, limitándome en los posteriores posteos a incluir la lista de las pistas.

Espero que lo disfruten

Y, por favor, apreciaré sus valiosos comentarios

LISTA DE PISTAS DEL VOL 1:
Tchaikovsky    Vals de las Flores                05:44
Rubinstein      Melodia en Fa                    03:44
Wieniawsky    Obertura Mazurca           02:22
Toselli             Serenata                  02:49
Schumann      Traumerel (Ensuenyo)           03:42
Monti            Czardas                                 04:14
Saint Saens    El Cisne de Carnaval de los animales    03:24
Ganne            La Zarina                              03:25
Massenet       Meditacion de Thais              05:44
Addinsell       Concierto de Varsovia            08:59
Schubert       Serenata                                 04:22
Gounod        Vals de Fausto                        05:28
Brahms        Vals                                         02:21

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REFLEXION: Popularizar la música "clásica"

2011-05-14T07:16:00.005-04:30

Ante todo... las comillas en el título de esta entrada.... ellas vienen dadas por el hecho de que el término "clásico" suele tener varias acepciones. Genericamente se refiere (segun el Diccionario de la RALE) a "el autor o la obra que se tiene por modelo digno de imitación en cualquier literatura o arte" ¡¡Me gusta esa definicion!! ...principalmente por su amplitud... Según ella el término no es limitativo, sino abarcador. En el plano de la música, por ejemplo, cualquier obra que por sus valores intrínsecos se pueda tener por "modelo digno de imitación" sería una obra clásica, no importa su origen, complejidad o género. En ese sentido podría considerarse, por ejemplo, que un tango cantado por Gardel (sólo por mencionar un nombre eminente en ese género) o una canción en la voz de Edith Piaf, o un raga interpretado por Ravi Shankar... deberían considerarse, con todo derecho, obras clásicas.

Por supuesto, en la práctica, cuando hablamos de música clásica, por lo general nos estamos ubicando en una posición muy alejada de esta acepción amplia del término: en nuestro caso nos estamos refiriendo, más bien, a cierto tipo o categoría de música con unas características bien definidas. Por ejemplo, la música clásica está hecha, casi en la generalidad de los casos, exclusivamente para ser oída, a diferencia de otras músicas que suelen estar adjuntas a algunas formas de entretenimiento, con un caracter eminentemente utilitario. Los conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté en silencio para evitar distraer al músico y a los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de respeto para con la música y el público; y tampoco interactúan directamente o bromean con el público, como suele ocurrir en otro tipo de "performance". Estas son características, si a ver vamos, secundarias, porque existen otras de naturaleza más sutil, como por ejemplo, la clase de instrumentos que se utilizan, el hecho de poseer una tradición musical escrita, el tener un desarrollo estilístico e histórico muy marcado (por cierto, el jazz comparte con la música clásica esta última característica), la peculiar dicotomía notación-interpretación, en fín... la música clásica... o culta... o académica, se distingue muy bien, al menos en principio, del resto de las categorías o géneros de musicas.

Con frecuencia ocurre que, muy lamentablemente por cierto, esa singularidad propia de la música "clásica" deviene en una brecha muy marcada con relación al público melómano. ¡¡No debería ser!! ¿Merced a qué prodigio esta música debe gustar sólo a un público selecto mientras tenga que "dejar sin cuidado" a una mayoría? ¿Es que se requiere algun tipo de preparación muy sofisticada para llegar a esas cumbres? ¿Es que en esencia constituye una música para el deleite exclusivo de una élite "iluminada"?..... No lo creo así: ¡¡¡Definitivamente no!!! Cierto, no hay duda de que se requiere algun tipo de preparación; pero ésta es de tal categoría que está al alcance de cualquier oído apreciativo y atento, Yo diría que se hace necesario que de alguna manera la música clásica nos haga, por decirlo así, "una invitación": "Ven, acércate y escucha, por favor, ¡Inténtalo!"

Algo así como esta invitación es la que se logra gracias al talento y el espíritu generoso de muchos músicos que quieren romper esos paradigmas segun los cuales la música clásica es para las élites, y que por ello se esfuerzan por seleccionar del repertorio clásico, lo que, en principio, se presta mejor para "tocar" de alguna manera la sensibilidad escondida, el corazón apreciativo, que todos llevamos dentro y que es necesario despertar, por la música culta, académica... o "clásica" Ya hemos presentado algunos ejemplos en este blog: Las adaptaciones de Stokowski de alguna música de Wagner y Mussorgsky. Y estos no son casos aislados. Músicos de una formación académica tan dilatada, solvente y reconocida como, por ejemplo, Daniel Baremboin, siguen clamando por la necesidad de un acercamiento de la música académica al gran público. Se podría decir (y este servidor está plenamente convencido de ello) que el disfrute de la "gran música" es un derecho inherente a todo ser humano ¡¡por el solo hecho de serlo!!.

Las anteriores consideraciones vienen a cuento en razón de que, a partir de esta semana estaré publicando, uno a uno, los 8 volúmenes de una famosa colección que, en su momento, hace ya unas cuantas décadas, tuvo como propósito, precisamente, dar a conocer al gran público, las "joyas escondidas" (escondidas al menos para algunos) del repertorio clásico.

Por ahora no les cuento nada más, que ya a estas alturas estarán ustedes aburridos de mi larga perorata de hoy

¡¡Mañana "nos vemos"!!

QUINTETO CONTRAPUNTO: Material adicional

2011-05-08T01:00:00.045-04:30

Los que han sido consecuentes visitantes de este blog, saben que hace cerca de un año estuve publicando varios álbumes del Conjunto vocal venezolano "Quinteto Contrapunto" que allá por los años '60 del siglo pasado sentó cátedra en todo el Continente en lo relativo a arreglos vocales de calidad. En aquella oportunidad publicamos los volúmenes 1, 2 y 4, además de una compilación de Miscelaneos, en la que recogimos material de otros álbumes que en ese momento solo disponía en parte.

Hoy, gracias a la generosidad de nuestro querido amigo Alejandro Alfredo Dizeo, vocalista argentino y propulsor, él mismo, del género vocal, con agrupaciones como Grupo Vocal Iraupen, asi como tambien un entusiasta y generoso bloguero, administrador de por lo menos 2 excelentes blogs: Folklore del NOA, con música del Noroeste argentino de tan rico folklore y Folklore Uruguay, tan vilmente agredido recientemente... gracias a la generosidad de Alejandro Alfredo, repito, tengo el agrado de ofrecer a ustedes tres álbumes que completan la serie: El volumen 2, que acá podran disfrutar COMPLETO (en el primer posteo no estaban completas las pistas "Noches larenses" y "Canto de pilón"), el volumen 3, dedicado al género conocido en nuestra tierra como "aguinaldos" y el vol 5.

¿No conoces al "Quinteto Contrapunto"? En ese caso te invito a que aprecies esta muestra:

Espero que lo disfruten cabalmente

¡¡Gracias, Alejandro, por tan valioso aporte!!

VOLUMEN 2:

DETALLE DE LOS TEMAS:

LADO A

1.- El morrocoy (diversión oriental)
Folklore / Recopilación: El Poblado, Nueva Esparta

2.- Maracaibo en la noche (danza zuliana)
Jesús Reyes

3.- El polo margariteño (polo oriental)
Folklore tradicional / Derechos reservados

4.- Brisas del Torbes (bambuco tachirense)
Luís Felipe Ramón y Rivera

5.- Canchunchú florido (canción zuliana)
Luís Mariano Rivera

6.- Tonto malembe (danza)
Recopilación: Instituto Nacional del Folklore / Caraballeda / Vargas

LADO B

1.- Quirpa (joropo)
Folklore tradicional / Derechos reservados

2.- Lérida la catuarera (canción)
José Tomás Arismendi / Claudio Fermín

3.- La guachafita (joropo)
Folklore tradicional / Derechos reservados

4.- Noches larenses (serenata)
Juan Ramón Barrios

5.- Playa Grande (valse)
Tano y Cheché Acosta / Carúpano, Sucre

6.- Canto de pilón (canto de trabajo)
Folklore tradicional / Derechos reservados / Canchunchú, Sucre

Integrantes:

MARINA AURISTELA GUANCHE: soprano
MORELLA MUÑOZ: mezzo-soprano
JESÚS SEVILLANO: tenor
RAFAEL SUÁREZ: barítono, dirección musical y arreglos
DOMINGO MENDOZA: bajo, guitarra y cuatro

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VOLUMEN 3:

LISTADO DE TEMAS:

LADO 1:

1.- La Pascua es hermosa (aguinaldo)
Luis Mariano Rivera

2.- Casta paloma (aguinaldo)
Alejandro Vargas

3.- La estrella de Nazareth (villancico)
Eduardo Plaza

4-. Aguinaldo carupanero (aguinaldo)
Folklore venezolano D.R.

5.- Tono llanero (tono)
Recopilación: Isabel Aretz / Luis Felipe Ramón y Rivera

6.- Niño lindo (aguinaldo)
Recopilación: Vicente Emilio Sojo

Lado B

1.- El Angel Gabriel (aguinaldo)
Recopilación: Francisco Carreño

2.- Adorar al Niño (villancico tachirense)
Recopilación: Isabel Aretz / Luis Felipe Ramón y Rivera

3.- El gallo (diversión navideña)
Folklore venezolano D.R.

4.- De Oriente venimos (aguinaldo)
Ventura Gómez

5.- Aguinaldo del Callao (aguinaldo)
Recopilación: Juvenal Herrera

6.- La cabra mocha (gaita zuliana)
Folklore venezolano D.R.

Integrantes:

Soprano: Marina Auristela Guanche
Mezzo-soprano: Morella Muñoz
Tenor: Jesús Sevillano
Baritono, dirección musical y arreglos: Rafael Suárez
Bajo, guitarra y cuatro: Domingo Mendoza

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VOLUMEN 5:

LISTADO DE TEMAS:

LADO A:

1.- El gaván (joropo)
Folklore

2.- Cantos de mi tierra (bambuco tachirense)
Luis E. Armas / Luis Flores

3.- El guapo (joropo caraqueño)
Angel Guanipa

4.- Juan José (merengue caraqueño)
Eduardo Serrano

5.- Canción infantil (canción de cuna)
Tradicional

6.- El Pequén (tonada chilena)
Anónimo

LADO B:

1.- Préstame tu máquina (merenque caraqueño)
Anónimo

2.- Inquietud (danza zuliana)
Luis Guillermo Sánchez

3.- La cachúa (diversión margariteña)
Folklore

4.- Alba (valse cumanés)
Lorenzo Rodríguez / Domingo Mendoza

5.- Son de la loma (son cubano)
Miguel Matamoros

Integrantes:

Soprano: Marina Auristela Guanche
Mezzosoprano: Otilia Rodríguez
Tenor: Jesús Sevillano
Baritono, dirección musical y arreglos: Rafael Suárez
Bajo, guitarra y cuatro: Domingo Mendoza

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V.A. : World of Gypsies - Selección afterbach

2011-04-09T15:03:00.011-04:30

Ayer se celebró el día mundial de los gitanos. Es una buena ocasión para acercarnos un poco a esta cultura.

Desde luego, lejos está de nuestro propósito el ahondar en una materia que, para empezar, escapa a los dominios de mis capacidades. Si el lector quiere ampliar sus conocimientos al respecto hay muchísimo material en las bibliotecas y, por supuesto, tambien en la web.

Una cosa es cierta: Los gitanos han constituído siempre un tema para el debate, la mitificación y la imaginación popular. Otro hecho incontrovertible es que ellos poseen toda una cultura en la cual el Arte ocupa un lugar prominente. En particular el Arte de los Sonidos, la Música, ha contado (y sigue contando) con cultores de elevadísima calidad. El album que hoy les ofrezco es una prueba contundente de ello.

Esta es una compilación hecha por este servidor en base a la edición original, la cual consta de tres cds. Posteriormente y en entregas sucesivas postearé cada uno de esos tres álbumes. No obstante ello, no resistí la tentación de prepararles una selección (MI selección) de lo que en especial me impactó en esta colección.

Aclaro: toda la colección es preciosa; pero como todos son gustos en este mundo y de gustos no se discute, tuve la idea de prepararles un abreboca. Si a alguien le gusta todo lo que he recomendado, puede, en las entregas siguientes descargar los tres álbumes originales; en el caso contrario, no tendrá que descargar más nada y ¡todos contentos!

Las músicas acá reunidas, aunque tienen el denominador comun de haber sido hecha por gitanos, en realidad presentan un amplio manojo de "tonalidades de color", desde lo más popular y étnico, hasta lo más refinado, elevándose a las cimas de lo académico. Y en lo que tiene que ver con la nacionalidades, encontramos acá músicas desde Rusia hasta España, pasando por Egipto y Rumania. ¡Todo un viaje por la cultura musical gitana!

Espero les guste y lo disfruten

LISTA DE PISTAS:

01. E. Redzepov & S. Teodosievski (Macedonia)	Hajri Ma Te Dike
02. Kanizsa Csillagai (Hungary)	Fa Nye Mama
03. Saban Bajramovic (Serbia)	Peno
04. Talisman (Russia)	Gypsy Soul
05. Fanfare Din Cozmesti (Romania)	Cantecul Miresei (Bride's Song)
06. Taufiq Qureshi (Rajasthan)	Campfire
07. Musafir (Rajasthan)	Ninderli (Come To Sleep Near Me, My Beloved
08. Titi Winterstein Quintett (Germany)	Hunn, O Pani Naschella
09. Hala Mahmoud & Gypsies Of The Nile (Egypt)	I Blame The Days For His Absence ...
10. Bireli Lagrene (France)	Blues For Ike
11. Ibro Lolov & His Gypsy Orchestra (Bulgaria)	Sofiysky Kjuchek
12. Kocani Orkestrar (Macedonia)	Nikol
13. Hansch'che Weiss Ensemble (Sinti, Germany)	280 SE
14. E. Redzepova & S. Teodosievski (Macedonia)	Ciganka Je Malena
15. Kalman Balogh (Hungary)	Bulgar Cigany Horo

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BLOOD, SWEAT & TEARS: Greatest Hits

2011-04-03T06:37:00.002-04:30

"Blood, Sweat & Tears (también conocidos como BS&T) es una banda de rock, fundada en 1967 en Nueva York (Estados Unidos), que se convirtió en el principal icono del llamado Jazz Rock, fusionando rock, blues, pop y jazz a través de arreglos complejos, concebidos para una sección rítmica clásica y una sección de instrumentos de viento, creando una peculiar forma de R&B y soul. Junto con el grupo Chicago, conforman la cabeza más visible de lo que el musicólogo Joachim E. Berendt llamó las Big Bands de Rock

El pianista y organista Al Kooper, que había estado en sesiones históricas con Bob Dylan, Jimi Hendrix o los mismos Rolling Stones, y que por entonces estaba enrolado en una banda de rock denominada The Blues Project, fue el impulsor del grupo, cuyo nombre tomó de un disco, de 1963, del cantante de country, Johnny Cash que, a su vez, lo recogió de la famosa expresión de Winston Churchill. El grupo, al que se incorporaron su compañero de banda, el guitarrista Steve Katz, y el bajista Jim Fielder, un veterano que había estado en grupos como Buffalo Springfield o The Mothers Of Invention de Frank Zappa, se concibió con una estructura derivada de las bandas de soul de los sesenta, con una base rítmica clásica (guitarra, teclados, bajo y batería) y una potente sección de metales (dos trompetas, trombón y saxo), y con un bagaje musical que incluía, por supuesto, rock y blues, pero también psicodelia, pop, jazz y soul.

Las dudas de la banda, y de la compañía de discos, respecto a la capacidad de Kooper como cantante (se había hecho cargo de la voz en el primer disco) y algunas divergencias conceptuales, le decidieron a dejar la banda. Con él, se fueron Brecker y Weiss, cada uno a sus proyectos. BS&T recurrieron a Laura Nyro para cubrir su puesto, y realizaron un par de actuaciones de prueba, aunque tras ellas, la cantante decidió no arriesgarse. Tras realizar gestiones infructuosas en la Motown (Stevie Wonder), Fielder tanteó a su antiguo compañero de banda, Stephen Stills, que finalmente no aceptó. Fue Katz quien propuso, entonces, al canadiense David Clayton-Thomas para hacerse cargo de la voz. Se incorporaron, además, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield, así como el trombonista Jerry Hyman, ya que Halligan se dedicó a los teclados para cubrir la baja de Kooper.

Con esta formación, publicaron su disco más exitoso, Blood, Sweat & Tears (1969), que incluyó verdaderos hits como Spinning Wheel o And when I die, aparte de auténticas joyas, como la versión de God bless the Child, el tema clásico de la cantante de jazz Billie Holiday. En estas grabaciones se plasma de forma clara y brillante el concepto musical que animó al grupo: Bases potentes, arreglos poderosos para los metales, improvisaciones de corte claramente jazzístico y, por encima, una voz carismática e identificable. BS&T fue una de las bandas que actuó en el mítico Festival de Woodstock. El disco llegó al nº 1 en álbums, y obtuvo el Grammy al mejor disco r&b del año, y ello a pesar de lo ambicioso de la propuesta, incluso para los cánones de la época.

Los siguientes discos, Blood, Sweat & Tears 3 (1970), que también llegó al nº1 de Billboard 200, y B.S. & T. 4 (1971), que alcanzó un aceptable nº 10, abundaron en la fórmula, dejando algunos temas de muy alto nivel, como Hi de Ho, uno de sus grandes éxitos de ventas, compuesta para ellos por Carole King, He's a Runner (de la cantautora Laura Nyro), Symphony for the Devil / Simpathy for the Devil, una versión oscura y reflexiva del tema de los Rolling Stones, la sutil John the Baptist, o el espectacular solo de trombón que conforma Redemption, ejecutado por Dave Bargeron, quien había sustituido, unos meses antes de la grabación, a Hyman. Cuentan también con la colaboración del clarinetista Don Heckman. En 1970, el grupo había participado en la banda sonora de la película The Owl and the Pussycat, que se editó en disco en Estados Unidos, en diciembre de ese año, y que apenas logró situarse en el puesto 186 de los charts. Nunca llegó a publicarse en España.

En esta época, BS&T estaban unánimemente valorados, sus conciertos recibían buenas críticas, se situaban en los puestos altos de los polls de la revista de jazz Down Beat y sus temas se encaramaban a las primeras posiciones de ventas de Billboard. Algunos de sus miembros, también consiguieron nominaciones como instrumentistas en los polls y adquirieron bastante prestigio. Su imagen, no obstante, había sufrido un golpe con la gira que se vieron obligados a hacer por los paises del Este, de la mano del Departamento de Estado, como contrapartida a la legalización de la situación laboral de Clayton-Thomas. Además, la banda comenzó a acusar las tensiones internas entre las distintas corrientes que albergaba: La comercial y con tendencia al «estilo Las Vegas», que siempre acompañó a Clayton-Thomas; la jazzística, que dominaba entre los metales y Colomby; y la más tradicionalmente rockera, de Katz y Fielder, lo que hizo que su siguiente disco se retrasara tanto como para que Columbia decidiera sacar un Greatest Hits (febrero de 1972), que consiguió el disco de oro en mayo y alcanzó el nº 19 del Billboard 200.

El enfoque que le dio Blood, Sweat & Tears al rock con sección de metal no fue un fenómeno aislado sino que, por el contrario, estuvo inmerso en una corriente bastante extendida a finales de los años 1960. El mismo productor de su segundo álbum, James William Guercio, había impulsado a otro de los grupos emblemáticos del jazz-rock: Chicago Transit Authority (luego reducido a Chicago), cuyo primer disco se grabó en 1968. Otras bandas interesantes del género, fueron Dreams, fundada por el trompetista Randy Brecker, tras dejar BS&T, y el batería Billy Cobham; Chase, la banda de Bill Chase, cuya sección de metales, con cuatro trompetas, impactó en su época; los canadienses Lighthouse; la refrescante banda The Flock, liderada por el violinista Jerry Goodman, que desarrolló un estimulante estilo de improvisación colectiva, cercana al free jazz; además de otras formaciones como Electric Flag, The Ides of March, Ten Wheel Drive, Malo, Melting Pot, o artistas como Buddy Miles ("Them Changes")... En el Reino Unido, destacaron la Keef Hartley Band y CCS , la superbanda de John Cameron. Hubo, también, bandas influenciadas por Blood, Sweat & Tears en casi toda Europa, como fue el caso de los polacos The Lolas".(Wikipedia)

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ORNETTE COLEMAN: "Free Jazz: A collective improvisation by The Ornette Coleman Double Quartet"

2011-03-05T20:44:00.014-04:30

Ocho músicos entran en una sala de grabación, donde se disponen en dos cuartetos: Uno a la izquierda, formada por un saxo alto, una pequeña trompeta, un contrabajo y una batería; el otro, a la derecha, y formado por un clarinete bajo, una trompeta, un contrabajo y una batería. La meta es improvisar sobre unos temas ya acordados; lo demás irá surgiendo de la mente y el corazón de estos ocho hombres "sobre la marcha"... en total libertad

(Solo a un genio de la talla de Ornette Coleman pudo habérsele ocurrido semejante osadía)

Claro, a estas alturas en que nos encontramos hoy (año de gracia dos mil once), ha pasado mucha agua bajo los puentes y casi hemos perdido ya la capacidad de asombro ante lo que unos buenos jazzistas pueden hacer. En el caso que nos ocupa de esta extraña reunión de un doble cuarteto improvisdando en un estudio de grabación, estamos hablando del año 1960 ¡¡Hacen 50 años!!

¿Qué puede salir de esta extraña alquimia?

Aqui está el resultado... Hablamos del album de Ornette Coleman, apropiadamente llamado "Free Jazz", que el pasado 21 de Diciembre cumplió medio siglo de haber sido grabado

El mismo constituye una prueba fehaciente de que la Música no se agota nunca, de que la chispa divina de la creatividad musical es......

in-do-ma-ble!!!

Este album, mis queridos hermanos de sones, constituye, en sí misma, una celebración.

Una celebración a la Música, al Arte y a la Vida

SE HA ELIMINADO EL LINK DE DESCARGA DEBIDO A UN RECLAMO DE LA DMCA

RABIH ABOU-KHALIL: Bukra

2011-02-20T07:36:00.006-04:30

Hace casi un año publicamos acá una breve reseña sobre este creativo músico libanés que ha hecho del laud, un productivo instrumento jazzístico y que a lo largo de su dilatada carrera se ha dedicado a trabajar con músico de diferentes orígenes y tendencias, lo cual ha resultado en una pléyade de excelentes álbumes. En el que acá nos ocupa, publicado en 1994, los músicos que lo acompañan son:

Sonny Fortune - Sax (Alto)
Glen Moore - Bass
Glen Velez - Percussion, Drums, Vocals (bckgr)
Gunther Kasper - Engineer
Ramesh Shotham - Percussion, Drums

PISTAS:
1. Fortune Seeker (Abou-Khalil) - 4:52
2. Bukra (Abou-Khalil) - 7:58
3. Kibbe (Abou-Khalil) - 8:16
4. Remember...The Desert (Abou-Khalil) - 7:10
5. Nayla (Abou-Khalil) - 9:24
6. Time (Abou-Khalil) - 4:25
7. Reflections (Abou-Khalil) - 8:05

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En WeLove-music podrán conseguir la discografía de Rabih Abou-Khalil. Una vez más, deseo aprovechar la oportunidad para recomendar muy cordialmente ese sitio, abundante en excelente música, en especial, la de Oriente, a la que tanto amo.

BOBBY MCFERRIN / CHICK COREA: The Mozart Sessions

2011-01-30T12:50:00.005-04:30

Otro interesante trabajo del extraordinario vocalista y director de orquesta Bobby McFerrin. En compañía, en esta ocasión, del genial pianista Chick Corea. De ésta singular alianza no podía salir sino un álbum excepcional. Y si la música que los une es la de Wofgang Amadeus Mozart... ¡no hay nada más qué hablar!

McFerrin, en este álbum, aparte de cantar segun su singular técnica, tambien dirige la orquesta (St. Paul Chamber Orchestra) Corea, por su parte (a Dios gracias) no hace nada por ocultar que tiene una sensibilidad formada, no sólo en la música académica, sino tambien (¡enhorabuena!), en el jazz.

Escuchen pues a este duo (trio, si contamos a Mozart, aunque es mejor hablar en este caso, no de un trío, sino más bien de un triunvirato); escúchenlo y cuentenme qué les pareció

LLÉVALO

CAMARON DE LA ISLA: Reencuentro

2011-01-23T13:16:00.002-04:30

Hace un par de años, salió en edición limitada este recopilatorio de cantes inéditos de Camarón (supongo que seguiran apareciendo nuevos hallazgos; hasta tal punto es prolífica la obra de este ícono indiscutible del cante jondo)

En términos generales hay que reconocer que, si bien se pueden detectar algunas sutiles deficiencias (quizas demasiados retoques, una que otra añadidura orquestal y cierta heterogeneidad en la selección), tambien es justicia reconocer que el álbum contiene verdaderas joyas que de alguna manera compensan las mencionadas deficiencias: Tomen nota, por ejemplo, de la bulería Soy fragüero, acompañado de guitarra de Tomatito, palmas y bajo, y el fandango en directo La víbora rabiosa. Verdaderas gemas en las que queda de manifiesto, una vez, más el genio indiscutible e insuperable de Camarón.

Espero que lo disfruten y me den sus opiniones

LLÉVALO

THELONIOUS MONK: Thelonious himself

2011-01-16T04:24:00.003-04:30

La música que conocemos como jazz está llena de innovadores. La innovación constituye, en sí misma, una característica inherente al jazz desde su nacimiento. Algunos de sus creadores, sinembargo, de alguna manera descollaron en esta característica, constituyéndose en revolucionarios dentro de una música ya de por sí revolucionaria.

Tal es el caso de Thelonious Monk, uno de los pianistas más aventajados de la era que ha dado en llamarse del be bop. Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "Julliard School" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad.

Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes da forma al nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Las jam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce a Coleman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonista Skippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk"

Posteriormente (1951) tuvo que enfrentar problemas legales por asuntos de drogas. En 1957 reapareció en el escenario jazzístico para cosechar nuevos triunfos. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos.

En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en el Hospital de Englewood de New Jersey.

Con el transcurso del tiempo, su música ha llegado ser valorada cada vez más por sus características tan innovadoras y revolucionarias.

El álbum que acá les presento, recoge, precisamente algunas de esas grabaciones que hizo ya hacia el final de su carrera artística y en las cuales toca el piano sin ninguna otra clase de acompañamiento. Disfrútenlo

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JIMI HENDRIX: Selección afterbach

2011-01-09T06:07:00.005-04:30

Concluimos el año 2010 con la publicación, nada menos, que de "La Pasión segun Mateo" de J. S. Bach. E iniciamos este 2011 con Las "Sonatas y partitas para violín sólo", tambien de Bach. Para lo que resta de este mes, ya tengo en mente tres o cuatro nuevas entradas... variadas, como siempre y me preguntaba ¿cuál publico primero?

.... Me decidí por Jimi Hendrix, el inmortal guitarrista de los '70 cuya temprana desaparición nunca dejará de ser lamentada por quienes amamos los sonidos inconfundibles de su guitarra y el dulce sonido de su voz (¿cansada? ¿dolida? ¿esperanzada?).

...¡Qué contraste! No dejará quien piense: "¿pero qué hace Jimi Hendrix al lado de Bach?" Estoy seguro de que los asiduos a este blog no encontrarán en ello, seguro, nada de extraño, puesto que conocen ya de sobra que nuestra especialidad es, precisamente, no tener ninguna.

La mayoría de los blogs tiene, por decirlo de alguna manera, su especialidad. Eso es bueno... Más que eso: en realidad, eso es excelente, porque siempre sabrá uno qué puede buscar alli.

La especialidad de este blog sería, en todo caso, la falta de especialidad. Y no precisamente se trata de querer ir contra la corriente o por llevar la contraria, o escandalizar, No!, rotundamente: ¡NO! Ocurre, simplemente, que mis gustos caminan por muchos senderos (quisiera que mis pasos pudieran transitar TODOS los terrenos de este bendito arte de los sonidos). De manera que, lejos de querer romper esquemas, simplemente procuro ser sincero conmigo mismo. Pero tambien con ustedes, mis queridos amigos usuarios de este humilde blog, los más asiduos de los cuales han aprendido a no sorprenderse y antes por el contrario parece que en el fondo estuvieran esperando, cada semana, mis fabulaciones

Pero volviendo a la aparente disparidad Bach-Hendrix, supongo que en el fondo no hay ninguna. Porque lo que caracteriza a todo Arte, inclusive el de la Música, es una búsqueda y en ese sentido, tanto Bach como Hendrix, fueron por naturaleza eso: unos buscadores: buscadores de nuevos medios de expresión, buscadores de nuevos hitos en el terreno de la belleza.

En los predios de lo bello, cada quien busca a su manera: Unos buscan sobre el terreno, otros en el aire... otros excavan en las profundidades; algunos utilizan bisturí y microscopio, otros desmalezan a fuerza de machetazos, algunos hurgan con las uñas... o con los dientes pero siempre.... siempre, se trata de una búsqueda.

Hendrix estuvo en eso toda su vida y por ello cada una de sus notas, bien sea por su amada/odiada/amada guitarra o a traves de esa voz suya tan especial y única, cada una de sus notas, repito, convence. Por la sencilla razón de que cada una de esas notas transpira SINCERIDAD, esa sinceridad que siempre lo caracterizó.

No es fácil desde luego hacer una selección de la música de Jimi, que pueda satisfacer el gusto de todos. Me he atrevido a preparar esta pequeña selección de algunas de las cosas que, en lo personal, son de mi agrado (lamento la ausencia de piezas tan geniales como, por ejemplo, "Machine Gun"). Demasiadas joyas quedan por fuera, pero eso resulta inevitable en toda selección

Mi selección:
1 Bleeding Heart
2 Highway Chile
3 Johnny B. Goode
4 Voodoo Child
5 The Queen
6 Sgt Pepper's Lonley Hearts Club Band
7 Come On (Let The Good Times Roll)
8 Stepping Stone
9 Izabella
10 Gypsy Eyes
11 Little wing
12 Beginnings
13 Voodoo Child (Slight Return)
14 Red house
15 Changes
16 Purple Haze

Escúchenla, pues, y luego me cuentan.....

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J. S. BACH: Sonatas y partitas para violin sólo, KWV 1001-1006

2011-01-03T05:03:00.001-04:30

Las Sonatas y Partitas para violín solo (BWV 1001–1006) forman un conjunto de seis obras: tres sonatas da chiesa en cuatro movimientos y tres partitas consistentes de movimientos basados en danzas. El conjunto completo fue publicado por primera vez en 1802. Hoy en día, las "Sei Solo a violino senza basso accompagnato", como Bach las llamó originalmente, son una parte integral del repertorio para violín y nuevas interpretaciones y grabaciones se realizan con frecuencia.

Bach compuso estas obras en 1720, mientras ocupaba el puesto de Maestro de capilla o Kapellmeister en Köthen. El manuscrito no fue destruido por poco, alguien lo salvó de que fuera utilizado como papel de cocina. En Köthen Bach se dedicaba más a la música de cámara que a la sacra; los Conciertos de Brandenburgo, el Concierto para dos Violines y las Suites para Violonchelo Solo datan también de esta época.

El intérprete original de las seis sonatas y partitas es desconocido. J.G. Pisendel y J.B. Volumier fueron sugeridos, al ser ambos violinistas talentosos de la corte de Dresden. También pudo haber sido Joseph Spiess, líder de la orquesta en Köthen. Sin embargo, han habido algunos investigadores que sugieren que el mismo Bach fue el primer intérprete de sus propias obras, apuntando a sus talentos como violinista. Su padre Johann Ambrosius Bach, era violinista, y de acuerdo a su hijo Carl Philipp Emanuel Bach, "en su juventud, hasta acercarse a la ancianidad, tocaba el violín limpia y poderosamente". (Fuente: Wikipedia)

Sonatas
Partitas

J.S. BACH: La Pasion según Mateo BWV 244, Richter (1979)

2010-12-25T14:38:00.016-04:30

Se ha dicho que la catedral no necesita adornos

Esta obra ha sido considerada la Catedral Musical del Hemisferio Occidental (si es que vamos a hacer separaciones: lo cierto es que la Tierra es una sola). La cúspide más excelsa a la que se ha elevado el arte musical de todos los tiempos.

De manera que no debo (ni quiero) hablar mucho. Solo algunos datos técnicos que puedan despertar el interés de los melómanos que suelen visitarnos. Bien quisiera que se sientan animados a escuchar esta obra, no tanto los entendidos, sino más bien, aquellos que tal vez nunca han manifestado un interés especial por la música clásica, porque pienso que es una buena forma de iniciarse en esta música, no por "lo fácil", sino más bien por el singular poder que tiene de hablar a los corazones apreciativos y sensibles

Podríamos decir sin temor a equivocarnos que todos los grandes medianos y pequeños directores del mundo han hecho versiones grabadas de esta Pasion. Estando como estoy realmente enamorado de esta obra, he escuchado con atención algo así como una docena de versiones y de todas ellas mi preferida siempre ha sido ésta, por el maestro Karl Richter, en el año 1979, con Peter Schreir en el papel del evangelista.

En total, Richter hizo 5 diferentes grabaciones de la Pasión, incluyendo una versión en vídeo. Ésta que acá presentamos (año 1979), fué la última que grabó, poco tiempo antes de fallecer. Cuatro de esos cinco registros, los hizo Richter al frente de la Munchener Bach Orchestre, incluyendo a esta que acá les brindo. Adicionalmente, hay un detalle que me resulta sumamente interesante y es el hecho de que aunque las 4 primeras versiones tienen una duración aproximadamente igual (alrededor de los 198 minutos cada una de ellas), en esta version del '79, Richter tuvo a bien alargar el tempo dando como resultado una interpretación unos 6 minutos más larga que las cuatro anteriores; con ello, pienso yo, la obra ganó mucho en majestad, solemnidad y calor humano. Claro, es cuestión de gusto personal y no debería ser éste un motivo para controversias inútiles.

Dicho esto, solo me resta dar gracias al bondadoso Dios porque me ha permitido cerrar este primer año del blog con la que considero no sólo como la obra más grande del viejo Bach, sino tambien, y en gran medida, la obra cumbre de toooooooda la música occidental.

Quise además, hacer una excepción con relación a la carátula: para introducir esta obra maestra una fría carátula no sería lo suficientemente digna; por ese motivo, puse al frente de esta entrada el detalle de una de los más conocidos retratos de Bach, que deja ver el digno rostro de este genial compositor cuyo nombre se ha ganado el honor de llegar a ser casi sinónimo de Música

A estas alturas confieso, con toda sinceridad, que me siento hasta cierto punto algo avergonzado de haber hablado tanto: ..... "La Catedral no requiere adornos"

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BESSIE SMITH: The world's greatest blues singer

2010-12-19T11:53:00.004-04:30

De todas las voces del blues surgidas tras la aparición en 1920 de la grabación de Mamie Smith "Crazy Blues" para la Paramount, es Bessie Smith, la que logra destacar por encima de sus coetáneas. La llamada "Emperatriz del Blues" nació en 1894 -difícil asegurar el día por la ausencia entre la población de color por aquel entonces de las partidas de nacimiento- el 15 de abril en Chattanooga (Tennessee). Por aquel entonces, a la esclavitud había sucedido la segregación racial y la implantación de los grandes guetos en las ciudades americanas desde finales del siglo XIX, hasta principios del siglo XX. El blues rural y campesino se transformó en blues urbano y si en el primero abundaban los cantantes masculinos, en el segundo aparecen toda una serie de voces femeninas en espectáculos teatrales y de "vaudeville" con el blues asimilándose al balbuciente jazz y codeándose con el repertorio teatral blanco de la época.

     Bessie Smith, se convirtió en profesional en 1912 cuando su hermano Clarence, le consiguió un contrato para uno de esos espectáculos. En 1913, ya actuaba por si sola en el "81 Theatre de Atlanta" y en los años posteriores por el duro pero famoso circuito TOBA. Con cierto prestigio ya ganado, en 1921 actuaba en el "Standars Theatre" de Filadelfia y al año siguiente con la orquesta de Charlie Johnson, en el "Paradise Gardens" de Atlanta, la sala de baile más elegante de la ciudad.

     1923 fue el año que marcó su carrera y la lanzó a la fama. Clarence Williams, un extraordinario pianista, presentó a Bessie Smith, al director artístico de la casa Columbia quien tras oírla cantar le ofreció un contrato discográfico y le orientó decisivamente en su carrera. Esa relación duró diez años y Bessie Smith, siempre tuvo a los mejores acompañantes para sus discos. Su éxito se cimentó en una dicción clara y rotunda, un oído y afinación extraordinario, voz perfectamente centrada, emitida con naturalidad y sin esfuerzo, un increíble control de la altura de las notas y también una manera singular de atacar las consonantes y el dominio de las inflexiones rítmicas.

     Sin duda, a esa confluencia entre el blues y el jazz vocal que se encuentra en Bessie Smith, contribuyeron de manera decisiva el papel jugado por los extraordinarios músicos que le acompañaron durante su estancia en la Columbia. Un jovencisimo, Louis Armstrong, se cruza varias veces en el camino de la cantante y sus registros constituyen toda una obra maestra. Destaca de esos encuentros el blues "Careless Love" un gemido de notas en clave de blues con enorme intensidad. Coleman Hawkins, el gran saxofonista tenor se deja oír igualmente entre la banda de Fletcher Henderson, cuando Bessie grabó "Cake Walkin' Blues" en 1925. El clarinetista, Buster Bailey, el trombonista, Charlie Green, el pianista James P. Johnson o el saxofonista, Chu Berry, fueron algunos de los músicos que le acompañaron en esa fructífera etapa.

     Vinieron luego dos años de oscuridad (1929-1931), provocados por la Gran Depresión del 29 y su cotización bajó espectacularmente; sus actuaciones escasearon llegando a cantar en lugares infectos donde la clientela sabedora de su afición por el sexo, le pedía continuamente canciones pornográficas. Pasado los efectos de la Depresión, cuando los contratos y actuaciones volvían otra vez, le sobrevino aquel fatal accidente de coche en una estrecha carretera del estado de Mississippi cuando estaba de gira con la compañía de la obra musical "Broadway Rastrus" el 26 de septiembre de 1937. Su trágico fallecimiento desató, una vez más la polémica sobre las victimas del racismo en los Estados Unidos.

     El hospital más cercano donde fue llevada de urgencia era un hospital para blancos donde le fue negada la asistencia. Sus acompañantes no tuvieron otra opción que prolongar su agonía hasta llegar al lejano Hospital afro-americano de Clarksdale, adonde llegó desangrada y sin posibilidades de supervivencia. Días después tuvo lugar su entierro en Filadelfia con una comitiva de setenta mil personas, pero su tumba estuvo sin lápida hasta 1970, cuando el sello Columbia financió con parte de los beneficios obtenidos por la reedición del primer álbum doble de canciones de Bessie Smith.

En ella se puede leer el siguiente epitafio:

"La más grande de todas las cantantes de blues del mundo, jamás dejará de cantar".

Fuente: apoloybaco

En todo caso vale la pena señalar, en torno a este asunto de la muerte de Bessie Smith, que existen otras versiones que contradicen la veracidad de ese argumento.

Mientras que Alan Lomax consideraba que este incidente era un caso "típico" de racismo en el sur, el doctor que atendió a Smith (recogido en el libro de Chris Albertson) confirmó que era extremadamente improbable que un conductor negro de ambulancia hubiese llevado a una paciente negra a un hospital de blancos, máxime cuando había un hospital para negros más cercano. El conductor, a esta pregunta, dijo al escritor George Hoefer, veinte años más tarde, que él la había llevado directamente al hospital para negros de Clarksdale, como se había afirmado, pero también mantuvo que Smith había muerto durante el camino, en lugar de morir desangrada mientras esperaba su ingreso. Como puede observarse, esta parte de su historia era incorrecta. Smith todavía se encontraba con vida cuando la ingresaron en el hospital, en el turno de noche, aunque nunca recuperó el sentido y murió a la mañana siguiente a las 11:50 horas.

El album que acá les ofrezco fué ripeado por este servidor, a partir de un doble vinilo editado por la CBS y que resulta sumamente interesante, por cuanto recoge las primeras 16 y las últimas 16 grabaciones de Bessie Smith. En verdad, todo un documento

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HUBERT LAWS: The best

2010-12-12T19:57:00.004-04:30

Nacido el 10 de noviembre del año 1939 en Houston, Texas, Hubert Laws es uno de los mejores flautistas de jazz todavía vivo. Comenzó su carrera con el grupo, The Jazz Crusaders, entre 1954 y 1960, y fue en esa época donde comenzó a destacar como músico clásico. Más tarde, tocó con grandes artistas de distintos estilos como Mongo Santamaría, Benny Golson, Jim May, Clark Terry, y finalmente formó su propio grupo debutando discográficamente con el sello Atlantic Records, donde permaneció entre 1954 y 1966.

     En 1970 firmó con el sello CTI y su primer trabajo "Afro-Classics" fue el trampolín que necesitaba para hacerse un hueco importante en el mundo del jazz. El éxito de Afro- Classics, le sirvió para grabar tres discos con Columbia sin demasiado éxito. Vuelve a CTI en 1972 grabando entre dicho año y 1975, cinco álbumes de irregular calidad, destacando por encima de todos ellos, el titulado: "In the Beginning" con el apoyo de Bob James, el guitarrista Gene Bertoncini, Ron Carter al bajo y el baterista, Steve Gadd. De ahí hasta el final de su producción discográfica, alternó las grabaciones con Columbia y CTI, con algunas excepciones

     Hubert Laws casi desaparece de los estudios de grabación en la década de los ochenta (Sólo un par de discos sin demasiada buena critica para CBS) pero su carrera toma impulso en la década de los 90 grabando alguno álbumes con el sello "Music Master" que sirvieron, básicamente, para colocarlo de nuevo en el escenario jazzistico. En 1998 editó un buen disco en homenaje a la música de Nat King Cole titulado: Hubert Laws Remembers the Unforgettable Nat "King" Cole, que siendo bueno, fue superado por el grabaría en 2004 con el sello Savoy, titulado: Moondance.

     Este trabajo le valió para ser proclamado por la prestigiosa revista "Down Beat" como el mejor flautista de jazz de 2007.

     Con Moondance, Hubert Laws cerró su producción discográfica de nivel y sus posteriores grabaciones, realizadas para CBS, estuvieron faltas de la creatividad necesaria y la inspiración jazzistica le abandonó hasta el final de su carrera.
(Fuente: apoloybaco)

LISTA DE PISTAS:
Romeo & Juliet
Land of passion
The Baron
Love gets better
It happens every day
The key
False faces
Forlane

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JOSE ANTONIO CALCAÑO: Curso de Apreciación Musical Discos 3 y 9

2010-12-07T06:26:00.012-04:30

A los venezolanos con algunas décadas de edad en su haber, con toda seguridad les resultará muy familiar el nombre del Profesor José Antonio Calcaño . Y estoy seguro, además, de que la sóla mención de su nombre evoque la imagen de un personaje muy querido y apreciado, tanto por su gran saber, como tambien por su probada humildad, su infinito amor a la Música y su gran capacidad pedagógica. Por allá por los años '60 el profesor Calcaño solía dar unas charlas de Apreciación Musical transmitidas por lo que para entonces era la Radio Nacional de Venezuela. Esas disertaciones constituían un verdadero deleite para un gran sector de la población, ávido de cultura musical. El profesor Calcaño, utilizando un lenguaje por demás sencillo y diáfano, aunque al mismo tiempo muy riguroso y correcto, iba adentrándonos, con su explicación, adobada acá y allá con certeros ejemplos concretos de lo que se tratara, todo ello presentado con un fino y chispeante humor, en ese mundo maravilloso, en ese incomparable jardín, que es el disfrute de la Música en general y, en especial, de la Música Académica.

Posteriormente, ya en la década de los '70, el sello discográfico "Círculo Musical", de grata recordación por sus bellas portadas y su variado catálogo, editó en una serie de 10 ó 12 lps (no estoy seguro del número exacto) con las jugosas charlas del querido profesor. Casi un par de décadas después, cuando sobrevino el "boom" de la grabación digital y del CD, por supuesto, los viejos discos de vinilo fueron siendo relegados (en parte de manera injusta, creo yo) y por allá por los '80 encontré en una de las tantas tiendas "Pepeganga" (¡imagínense ustedes el sitio, ni siquiera en una venta de discos!) dos de estos lps, "arrumados" como decimos por estos lares junto a un monton de otros lps de variopinto valor; con infinita paciencia nos dedicamos a revisar toooodo aquel lote de discos (creo, sin exagerar, que eran miles) y con dolor comprobamos que no habían más ninguno de la serie "Apreciación Musical" del Prof Carreño: sólo estos dos (¡¡lástima!!)

Ahora, con este asunto del "ripeo" de discos analógicos y la digitalización y más recientemente el advenimiento de los blogs, me he sentido motivado a rescatar este valioso material y a publicarlo, con la esperanza de que alguien más por ahí sea el feliz propietario del resto de la colección y lo quiera hacer disponible para el disfrute y la ilustración de la mayor cantidad posible de melómanos. De manera, mi queridísimo lector, que si tienes algo de este material, o si sabes dónde se puede conseguir, por favor, no dudes, en hacérnoslo saber. Todo sea por el bien del Arte y la Cultura (¡¡y para el cultivo, beneficio y disfrute de nuestras preciadas orejitas!!)

Para que se vayan haciendo una idea, les cuento que el contenido de los dos discos que les ofrezco es como sigue:

Disco 3:
Lecciones 5 y 6: Armonía, Modulación, Progresión, Consonancia, Disonancia, Cadencia

Disco 9:
Lecciones 17 y 18: Géneros de música vocal, Polifonía vocal, Opera, Misa, Pasión, Cantata, Oratorio

Desde luego, aparte de este valioso curso radiofónico, la trayectoria vital del profesor Calcaño estuvo marcada por toda una larga serie de actividades en pro de la cultura, pero vale la pena destacar, como punto adicional, que fué autor del libro "La Ciudad y su Música" (Monteavila, Caracas, 1985. Colección Letra y Solfa), que es un recuento al mismo tiempo erudito y ameno del acontecer musical de Venezuela a lo largo de la historia, desde la Colonia hasta la época contemporánea.

No he querido abrumarlos con un largo recuento de la vida del Profesor Calcaño, pero si desean conocerlo un poco más, pueden iniciarse con la lectura de esta breve biografía

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DISCO 3:
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DISCO 9:
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GRUPO VOCAL "IRAUPEN" - GRUPO DE JAZZ "SANTA ROSA": "Palabras Cruzadas"

2010-12-02T21:30:00.003-04:30

Se ha dicho que el blues sólo podía nacer y crecer en un ambiente como aquel en que de hecho nació y creció: el sur de los Estados Unidos de América y en medio de la comunidad negra. Existen muchísimas categóricas afirmaciones, hechas por los propios músicos que estan en la génesis misma de esta poderosa corriente musical. Afirmaciones, como por ejemplo la del famoso cantante de blues y guitarrista Leadbelly.

"Ningún hombre blanco tuvo jamás el blues, porque ningún hombre blanco tuvo jamás preocupaciones"

Esta es una aseveración que, vista desde cierto punto de vista, especialmente desde aquel que la comunidad negra norteamericana tiene todo el derecho a esgrimir, es perfectamente válida. Pero, si nos fijamos bien, y vista desde un ángulo más externo al asunto racial, tiene sus limitaciones: no es cierto que los hombres blanco no hayan tenido jamas preocupaciones. Claro que las ha tenido! lo que pasa es que Leadbelly se refería a un tipo de preocupación muy específica; y en ese sentido la frase vuelve a adquirir plena veracidad.

Lo que pasa es que el blues, en su sencillez, implica una serie de aspectos, cada uno de los cuales tiene peso e importancia por si sólo y, mucho más, en combinación unos con otros. Se puede circunscribir el blues de diversas maneras: desde un punto de vista ambiental, racial (acá encaja la afirmación de Leadbelly), pero tambien desde un punto de vista sociológico, musical y formal.

Y es acá donde el blues adquiere caracter universal; y ese sólo hecho, en lugar de restar fuerza al género, es lo que le da más y más vigor y vigencia. Esa es la razón por la que ahora el músico comienza a vislumbrar el espíritu del blues en muchísimos otros géneros de música: el fado, el bolero, cierta música árabe, por mencionar solo tres de los infinitos ejemplos que pudiéramos señalar.

Viene muy al caso el album que nos complacemos en presentar hoy: "Palabras Cruzadas" nace de la iniciativa de un grupo de músicos argentinos que quisieron presentar un espectáculo global" donde se unen el blues y el jazz con los sonidos propios del acontecer musical argentino de ayer y de hoy. El resultado lo podemos apreciar (claro, sólo en su parte meramente audible, por decirlo de alguna manera) en este interesante muestrario de piezas nuevas y viejas argentinas y "extranjeras" (si es que se puede llamar de esa manera al blues y al jazz) que se presentó en un Espectáculo en vivo en el Teatro Español de Santa Rosa, La Pampa, el día viernes 8 de septiembre de 2001.

LISTADO DE TEMAS:

1.- Cuando tenga la tierra (canción) 4:19
Armando Tejada Gómez / Daniel Toro
Voces solistas: Ariel Ponce, Eduardo Allende y Alejandro Dizeo
Voz recitado: Alejandro Dizeo
Charango: Sergio "Papelito" Suárez

2.- Cuando ya me empiece a quedar solo (beat) 4:22
Charly García
Voces solistas: Ariel Ponce y David Fernández

3.- ¡What a wonderful world! -¡Qué mundo maravilloso!- (balada) 5:03
Louis Armstrong
Voz solista: Alejandro Dizeo
Coros: Eduardo Allende, David Fernández, Ariel Ponce y Víctor Rosales
Piano solista: Manuel "Deditos" Neveu
Saxo soprano solista: Nelson "Tucho" Fernández
Trombón a vara solista: Jacobo "Yaco" Rach

4.- Balada para un loco (tango canción) 4:46
Horacio Ferrer / Astor Piazzolla
Voz solista: David Fernández
Voz recitados: Alejandro Dizeo
Risas: Víctor Rosales

5.- When the Saints go marching in -Cuando los Santos vienen marchando- (spiritual) 5:06
Popular tradicional U.S.A. / Derechos Reservados
Coro adicional: GRUPO DÉ JAZZ SANTA ROSA
Introducción banjo: Sergio "Papelito" Suárez

6.- Nobody knows the troubles I’ve seen -Nadie conoce los problemas que he visto- (spiritual) 2:04
Popular tradicional U.S.A. / Derechos Reservados
Piano solista: Manuel "Deditos" Neveu
Corneta solista: Rodolfo "Nino" Fiks

GRUPO VOCAL IRAUPÉN
INTEGRANTES:

EDUARDO ALLENDE: Voz tenor - Guitarra en “Cuando tenga la tierra” y “Balada para un loco”
DAVID FERNÁNDEZ: Voz tenor
ARIEL PONCE: Voz barítono
VÍCTOR ROSALES: Voz barítono - Toms en “Cuando tenga la tierra” - Platillo crash ride en "Balada para un loco"
ALEJANDRO DIZEO: Voz bajo - Guitarra en “Cuando ya me empiece a quedar solo” – Tambor redoblante en “Cuando tenga la tierra” Arreglos vocales, orquestales y Dirección General

GRUPO DE JAZZ SANTA ROSA
INTEGRANTES:

RODOLFO “NINO” FIKS: Corneta
NELSON “TUCHO” FERNANDEZ: Clarinete y saxo soprano
JACOBO “YACO” RACH: Trombón a vara
SERGIO “PAPELITO” SUÁREZ: Banjo
MANUEL “DEDITOS” NEVEU: Piano acústico
OMAR “MONO” GONZÁLEZ: Contrabajo
ALBERTO “CHICHE” AGOSTINO: Batería

El link de descarga que más abajo se anexa ha sido una gentil aporte de nuestro querido amigo Alejandro Alfredo Dizeo, miembro precisamente del Grupo vocal "Iraupen" que acá se presenta y parte tambien del equipo del excelente blog Folklore del NOA que recomiendo encarecidamente a todos los amantes de esos hermosísismos y seductores sonidos del sur del continente

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BENNY GOODMAN: Solid Gold - Instrumental Hits

2010-11-28T19:47:00.002-04:30

"El rey del Swing"... así llamado.

Aunque muchos especialistas sostienen que ese título lo merece con mucho más honor el extraordinario director de orquesta, músico excepcional y maestro de la batería, Chick Webb. De hecho, en una histórica y famosa competencia que tuvieron en plena era del swing, el mismo Goodman reconoció haber sido derrotado por Webb, tan temprana y tristemente desaparecido, por cierto. Pero el título, "Rey del Swing", a Goodman, pues le quedó. Quizas podamos asumir que ambos merecen, con justicia, ese título y que historicamente, lo comparten. En todo caso, soy de la opinión de que en el campo de la música ocurre que con frecuencia las comparaciones y los juicios de valor a favor de un músico y en detrimento de otro, no tienen sentido ni justificación

Lo cierto es que a Benny Goodman, hijo de padres emigrantes judíos, muy pobres, le corresponde el mérito de haber dado un impulso extraordinario a esa etapa del jazz en el que su función de acompañamiento para el baile se desbordó hasta los extremos, época que se ha dado en llamar, historicamente, "la era del swing"

La selección acá presentada corresponde a grabaciones realizadas entre los años 1940 y 1945, años de guerra, aquellos en que ya el swing estaba perdiendo su fuerza original ante el empuje de una nueva generación de músicos que querían devolver al jazz su condición de arte contestatario y revolucionario, hecho para el deleite del espíritu y el intelecto, ya que en gran medida la "era del swing" había hecho de él pura diversión... un verdadero "callejon sin salida" del que afortunadamente salió.... como TENIA QUE SALIR. Entre esos músicos que redirigieron el curso del jazz hacia los senderos en los que se inició, allá en Nueva Orleans, y por los que hasta el día de hoy sigue transitando, descuellan dos genios indiscutibles (entre una verdadera pléyade de genios, hay que reconocerlo): Dizzy Gillespie y el único, incomparable .... Charlie Parker.

...Pero eso es ya harina de otro costal. Mientras tanto entretengamos nuestras queridísimas orejitas (y hasta nuestra móvil esqueleto... en el baile) con los cautivantes y deliciosos sonidos que "El Rey del Swing" supo sacar de su clarinete y de su orquesta toda

LISTA DE TEMAS:

Six flats unfurnished
Something new /Negra soy)
Air mail special
Scarecrow
Superman
Clarinet a la King
Clarinade
Love walked in
Moonlight on the Ganges
String of Pearls
Mission to Moscow
Jersey Bounce
The earl
The bird of the blues
Pound ridge
Idaho
My little cousin
Time on my hands (you in my arms)
Fiesta in blue
The count

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LOS TRES REYES: Mi selección

2010-11-21T12:34:00.007-04:30

Nuestra América ha producido una gran cantidad de trios. El más famosos de ellos quizas sea el trio Los Panchos; en realidad su repertorio está repleto de hermosos boleros que han sido el deleite de dos o tres generaciones de latinoamericanos. Bien ganada la fama de Los Panchos.

.....Y están, por supuesto, Los Tres Diamantes, Los Tres Caballeros, el Trio Matamoros... en fín, una buena cosecha de excelentes trios que son alimento para el alma de todos los enamorados de nuestra América

En lo personal, de todos los trios que hasta hoy he escuchado, ninguno me conmueve más que Los Tres Reyes. Me gusta de ellos la versatilidad que tiene para interpretar música de diferentes partes del continente: boleros, valses peruanos y hasta guarachas. Tambien me gusta el rico sabor latino ( o el swing ) latino que saben infundirle a sus interpretaciones, amén de la creatividad de sus ritmos y melodías. En especial me impresiona profundamente la maestría de su requintista principal, Gilberto Puente y cuando éste hace dúo con el segundo requintista, su hermano Raul Puente... ni hablar.... Una verdadera fiesta para el espíritu.

Esta es una selección que he hecho de los temas míos preferidos, procurando hacer un buen equilibrio entre lo más romántico y lo más "movido". Espero la disfruten. La carátula es, se entiende, referencial.

Si desean más información y detalles sobre este portentoso grupo, les recomiendo visitar el blog del bolero donde se van a encontar con un post bien interesante e informativo. Y un hecho notable: esa entrada está enriquecida con nada menos que ¡¡483!! comentarios... (la envidia de cualquier bloguero) .... ese grado de participación les puede dar una idea del "arrastre" y de la cantidad de fans que tienen Los Tres Reyes. Para ustedes he preparado esta pequeña selección: Modestamente....."mi selección"

¡¡¡Disfruten esta gema preciosa!!

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ÑICO SAQUITO: "El Rey del ritmo y el sabor"

2010-11-14T06:20:00.006-04:30

...Hora de "echar un pie"

....y para ello nada mejor que la música cubana, expresada en el talento de uno de sus mejores músicos: Ñico Saquito, quien, aparte de legar al repertorio afro-caribe centenares de guarachas, tambien compuso muchos cha-cha-chá , boleros y sones. Espero que disfruten esta delicia como Dios manda:

.... "moviendo el esqueleto"

Podran encontrar AQUI una completa reseña sobre Ñico Saquito
O, si lo prefieren, aunque más breve, en la WIKIPEDIA

LISTA DE PISTAS:
01 - Cuidadito compay gallo
02 - María Cristina
03 - La negra Leonor
04 - Yo no escondo a mi abuelita
05 - Volveré
06 - Dale tumba
07 - Ya que estoy en mi Cubita
08 - A mi me gusta el cha-cha-chá
09 - Te escribiré con sangre
10 - Qué a gradable
11 - Los que son y no son
12 - Queja
13 - Choncholi se va pa'l monte
14 - El peluquero
15 - Feliciano ta' cansá

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V.A.: "Before the Blues vol 3: The Early American Black Music Scene"

2010-11-06T20:55:00.008-04:30

Y acá les ofrezco, tal como les había prometido, el tercero y último de la serie "Before the blues" Anteriormente publiqué:
(Vol 1, Vol 2)

LISTA DE PISTAS:
01 - Frisco Town   - Memphis Minnie
02 - Spike Driver's Blues   - Mississippi John Hurt
03 - Feather Bed   - Cannon's Jug Stompers
04 - Fox And The Hounds   - Henry Thomas
05 - A Lazy Farmer Boy   - Buster Carter & Preston Young
06 - Pick Poor Robin Clean   - Luke Jordan
07 - Nappy Head Blues   - Bobby Grant
08 - Sourwood Mountain   - Taylor's Kentucky Boys
09 - Levee Camp Moan Blues   - Texas Alexander
10 - John Henry Blues   - Joe Evans & Arthur McClain
11 - Coming To Christ   - Biddleville Quintette
12 - House Carpenter   - Clarence ''Tom'' Ashley
13 - Furniture Man   - Lil McClintock
14 - Alabama Strut   - Cow Cow Davenport
15 - Kassie Jones (Pt 1)   - Furry Lewis
16 - Thousand Woman Blues   - Blind Boy Fuller
17 - Champaign Charlie Is My Name   - Blind Blake
18 - Molly Man   Moses Mason
19 - Chicken You Can Roost Behind The Moon   - Frank Stokes
20- Chicken You Can Roost Behind The Moon   - Frank Stokes
21 - Little Birdie   - John P. Hammond
22 - Black Skunk Blues   - Barbecue Bob
23 - Drunkard's Special   - Coley Jones
24 - Easy Winner   - Blue Boys

NOTA: Con relación al intérprete de la pista 21, John Hammond: No confundir (obviamente) con el famoso productor musical de jazz y blues con el mismo nombre. De hecho con el nombre John Hammond existen varios personajes famosos: Un editor de algunos de los libros de H.G. Wells, el manager del equipo de NBA de Milwaukee, el productor musical ya referido, el propio padre del cantante y guitarrista que aqui canta... y ¡hasta el protagonista de la famosa serie Jurassic Park!

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